Obrazy Helen Frankenthaler uhonorowane w podwójnej retrospektywie
Obrazy Helen Frankenthaler są powszechnie spotykane w wielu najlepszych muzeach na świecie, a także na wielu prestiżowych targach i aukcjach sztuki nowoczesnej i współczesnej. Jednak znacznie mniej osób miało okazję doświadczyć obecności drzeworytu Helen Frankenthaler. Może to nie być zaskakujące, że jej drzeworyty są mniej doceniane niż jej obrazy. Frankenthaler najpierw zdobyła uznanie jako malarka, a jej osiągnięcia w tej dziedzinie wciąż wyróżniają się jako radykalne. Namalowała jeden ze swoich najsłynniejszych obrazów, gdy miała zaledwie 24 lata. I chociaż zaczęła eksperymentować z grafiką w swoich latach 30., to nie zaczęła tworzyć drzeworytów aż do swoich mid-40. Ale dzięki parze wystaw Frankenthaler, które otworzyły się równocześnie na początku tego miesiąca w Clark Art Institute w Williamstown w Massachusetts, fani tej niezwykłej artystki mają teraz rzadką okazję doświadczyć niektórych z najlepszych dostępnych przykładów obu aspektów jej twórczości. Wystawa Jak w naturze prezentuje dwanaście dużych obrazów Helen Frankenthaler, śledząc jej karierę od wczesnych faz, zanim wynalazła swoją przełomową technikę „soak-stain”, aż po bardziej malarskie, eksperymentalne prace, które stworzyła w latach 90. Równocześnie, w osobnej galerii w The Clark, wystawa Bez zasad prezentuje wybór dwunastu drzeworytów Helen Frankenthaler. Obie wystawy oferują rzadki wgląd w różnorodny zakres umiejętności, które doprowadziły Frankenthaler do stania się jedną z najbardziej wpływowych artystek minionego wieku.
Jak w Naturze: Obrazy Helen Frankenthaler
Legenda głosi, że Helen Frankenthaler wynalazła technikę, która uczyniła ją sławną w 1952 roku. Znana jako technika „soak-stain”, polegała na pracy poziomej na podłodze i nakładaniu farby, która została rozcieńczona terpentyną, bezpośrednio na niegruntowane płótno. Farba w ten sposób wnikała w włókna płótna, przekształcając obraz i powierzchnię w jedną całość. Pierwszy obraz, który jest znany z tej techniki, nosi tytuł Mountains and Sea. Historia, którą Frankenthaler opowiedziała o jego powstaniu, mówi, że właśnie wróciła z podróży do Nowej Szkocji. Powiedziała, że zabrała ze sobą piękne krajobrazy tego miejsca w swoich wspomnieniach i czuła, że również nosi je w ramionach. Chciała je namalować, ale nie interesowało ją jedynie kopiowanie ich obrazów. Raczej chciała przekazać ich istotę, ich ducha, za pomocą abstrakcyjnych środków. O tym, co miała nadzieję osiągnąć, Frankenthaler powiedziała: „Myślę, że zamiast natury czy obrazu, chodzi o ducha lub wrażenie, które można odnieść przez rodzaj abstrakcyjnej projekcji.”
Kładąc swoje płótno na podłodze, znalazła sposób na fizyczne zaangażowanie się w pracę, tak aby obrazy, które niosła w ramionach, mogły wydobyć się bezpośrednio, jak pot wylewający się z rolnika pracującego w polu. Rozcieńczając swoje farby, była w stanie osiągnąć tę samą przezroczystość w olejach i akrylach, jaką wcześniej można było uzyskać tylko w akwarelach. Ta przezroczystość oferowała sposób na komunikację efemeryczności krajobrazów, które teraz miała tylko w pamięci. Nie gruntując swojego płótna, pozwoliła farbie określić własną trajektorię, kierowaną jej sugestiami i manipulacjami, ale nie całkowicie przez nie zdeterminowaną. To było rewolucyjne podejście. Szybko zostało przyjęte przez innych malarzy i zostało ogłoszone przez krytyków jako radykalna zmiana, która od tego czasu była w dużej mierze omawiana w dość akademickich terminach. Ale korzenie tej techniki nie tkwiły w akademii. Nie miały nic wspólnego z trendami ani historią sztuki. Były po prostu intuicyjne.
Helen Frankenthaler - Góry i Morze, 1952, Olej i węgiel na niegruntowanym płótnie, 86 3/8 × 117 1/4 cala
Sensation Over Explanation
Wybór prac wystawionych w As in Nature jest dowodem na to, że Frankenthaler była znacznie mniej akademiczką próbującą przesunąć malarstwo naprzód w historii, a znacznie bardziej kontemplacyjną artystką: kimś, kto poszukiwał czegoś, kto siać, sadzić, pracować i mieć nadzieję. Doskonałym przykładem są obrazy Milkwood Arcade, oszałamiająca, nieco krzywa kompozycja form zamrożonych w metamorfozie między harmonią a chaosem. Jak wiele jej prac, ten obraz prosi się o głębokie spojrzenie, nie po to, aby skonstruować wyjaśnienie, ale aby doświadczyć wrażenia.
A na wypadek, gdyby pozostały jakiekolwiek wątpliwości, że Frankenthaler bardziej interesowała się uczuciami niż akademickimi zasadami, As in Nature je rozwiewa, zawierając tak wiele obrazów o ogromnych rozmiarach. Najlepszym przykładem musi być monumentalny Off White Square. Mający ponad dwa metry wysokości i sześć i pół metra długości, jest bardziej środowiskiem niż obrazem. Stojąc w jego wnętrzu, kolor przekształca się w emocję. W przestrzeniach, gdzie warstwy farby wchłonęły się nawzajem, otwiera się pierwotne poczucie możliwości. Dowodzi to definitywnie, że chociaż jej najbardziej znana technika była przełomowa, dla Frankenthaler była tylko środkiem do abstrakcyjnej projekcji ducha i wrażenia natury.
Helen Frankenthaler - Milkwood Arcade, 1963, Akryl na płótnie, 86 1/2 x 80 3/4 in, 219,7 x 205,1 cm
Brak Zasad: Drzeworyty Helen Frankenthaler
Bez zasad, równoległa wystawa drzeworytów Helen Frankenthaler, czerpie inspirację z tego, co być może jest najsłynniejszym cytatem Helen Frankenthaler: „Nie ma zasad... w ten sposób rodzi się sztuka, w ten sposób dokonują się przełomy. Idź przeciw zasadom lub je ignoruj, o to chodzi w wynalazczości.” To właśnie duch wynalazczości skłonił Frankenthaler do całkowitego przekształcenia rzemiosła drzeworytnictwa, aby osiągnąć specyficzne cechy estetyczne, których szukała. Tradycyjnie, drzeworyty mają wygląd definiowany przez białe linie i ostre krawędzie. Ale Frankenthaler chciała osiągnąć miękkość w swoich drzeworytach, która mogłaby przekazać ten sam zmysł eterycznej piękności, który wydobywała z swoich obrazów. Aby osiągnąć swoje cele, stworzyła zindywidualizowany proces, który był czasochłonny i skomplikowany. Efekty były spektakularne i są w pełni widoczne na tej wystawie.
Bez zasad zaczyna się od Wschód i dalej, pierwszej drzeworytniczej odbitki, którą ukończył Frankenthaler. Zmysłowe formy topnieją w siebie w miękki, organiczny sposób. Bogate, żywe kolory wydają się niemal malowane. Nie przypomina żadnej drzeworytniczej odbitki, która ją poprzedzała. Następnie na wystawie znajduje się wybór drzeworytów, nad którymi Frankenthaler współpracował z dwoma japońskimi mistrzami rzemiosła, rzeźbiarzem Reizo Monjyu i drukarzem Tadashi Todą. Pracując z nimi nad tradycyjnymi technikami, Frankenthaler przyjął ideę pozwolenia, aby struktura drewna była widoczna w finalnej odbitce. Następnie wystawa oferuje wgląd w manipulowane papiery, z którymi Frankenthaler eksperymentował w latach 90. w takich drzeworytach jak Swobodny spadek i Promień. A na koniec wystawa kończy się niektórymi z ostatnich i najlepszych drzeworytów, które stworzył Frankenthaler, w tym monumentalnym Madame Butterfly, dwu metrowej długości, 102-kolorowej drzeworytniczej odbitce tryptyku wykonanej przy użyciu 46 oddzielnych bloków drzewnych i papieru ręcznie drukowanego.
Helen Frankenthaler - Madame Butterfly, 2000, Sto dwa kolorowych drzeworytów z 46 bloków drewnianych, 41 3/4 x 79 1/2 cala, 106 x 201,9 cm
Pamiętając Legendę
Minęło prawie sześć lat od śmierci Helen Frankenthaler. Choć była jedną z najbardziej wpływowych amerykańskich artystek minionego wieku, jej dziedzictwo, ironicznie, często jest umniejszane przez przełom, który pomógł rozpocząć jej karierę. W 1952 roku, roku, w którym ukończyła swój pierwszy obraz „soak-stain”, różne siły, które spiskują, aby wyznaczać trendy i tworzyć gwiazdy w amerykańskim świecie sztuki, również poszukiwały następnej wielkiej rzeczy. Artyści z nurtu ekspresjonizmu abstrakcyjnego, tacy jak Jackson Pollock, cieszyli się prawie dekadą uwagi za swoje agresywne, impastowe, pełne lęku podejście do pracy. Sublim nature, spłaszczona, kontemplacyjna natura obrazów takich jak Mountains and Sea ustawiła Frankenthaler jako idealny przeciwwagę. Ale to jedno osiągnięcie było naprawdę tylko początkiem kariery, która przeszła przez wiele ewolucji, dużych i małych, i wyprodukowała dzieło warte znacznie większej uwagi, niż Frankenthaler dotychczas otrzymała.
Organizując te dwie równoległe wystawy, As in Nature i No Rules, The Clark wykonał elegancki krok w kierunku rozszerzenia legendy Helen Frankenthaler. Po pierwsze, te dwie wystawy prezentują prace pochodzące z dwóch głównie prywatnych kolekcji – Fundacji Williama Louis-Dreyfusa oraz Fundacji Helen Frankenthaler – więc większość prac nigdy wcześniej nie była wystawiana publicznie razem. Po drugie, wybierając tak dużą skalę prac, te wystawy ukazują ogrom fizycznej pracy, która włożyła w ich stworzenie, coś, co często ginie z oczu podczas oglądania pojedynczego obrazu w muzeum, a zwłaszcza podczas przeglądania obrazów w Internecie. Po trzecie, te wystawy otwierają drzwi do przyszłych retrospektyw, które mogą ostatecznie pomóc w kontekstualizacji Helen Frankenthaler jako płodnej i wieloaspektowej artystki, jaką była. As in Nature: Helen Frankenthaler Paintings jest wystawiana w Clark Art Institute do 9 października 2017 roku, a No Rules: Helen Frankenthaler Woodcuts jest wystawiana w osobnym skrzydle tego samego budynku do 24 września 2017 roku. Wstęp kosztuje 20 dolarów, lub jest bezpłatny dla członków, studentów z ważnym identyfikatorem, dzieci poniżej 18 roku życia oraz dla członków programu karty bibliotecznej Clark.
Helen Frankenthaler - Krajobraz wewnętrzny, 1964, Akryl na płótnie, 104 3/4 x 92 3/4 in, 266 x 236 cm, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco
Obraz wyróżniony: Helen Frankenthaler -
Wszystkie zdjęcia © 2017 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork, Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
