Obrazy Helen Frankenthaler uhonorowane w podwójnej retrospektywie
Obrazy Helen Frankenthaler są powszechnie spotykane w wielu najlepszych muzeach na świecie, a także na wielu prestiżowych targach i aukcjach sztuki nowoczesnej i współczesnej. Jednak znacznie mniej osób miało okazję doświadczyć obecności drzeworytu Helen Frankenthaler. Być może nie jest zaskoczeniem, że jej drzeworyty są mniej doceniane niż obrazy. Frankenthaler zyskała sławę przede wszystkim jako malarka, a jej osiągnięcia w tej dziedzinie do dziś uważane są za radykalne. Namalowała jeden ze swoich najsłynniejszych obrazów mając zaledwie 24 lata. Choć zaczęła eksperymentować z grafiką w wieku trzydziestu kilku lat, to drzeworyty zaczęła tworzyć dopiero w połowie czterdziestki. Dzięki dwóm wystawom Frankenthaler, które otwarto jednocześnie na początku tego miesiąca w Clark Art Institute w Williamstown w stanie Massachusetts, miłośnicy tej niezwykłej artystki mają teraz rzadką okazję zobaczyć jedne z najlepszych dostępnych przykładów obu aspektów jej twórczości. Wystawa As in Nature prezentuje dwanaście wielkoformatowych obrazów Helen Frankenthaler, ukazując jej karierę od wczesnych etapów, zanim wynalazła przełomową technikę „soak-stain”, aż po bardziej malarskie, eksperymentalne prace z lat 90. Jednocześnie, w osobnej galerii w The Clark, wystawa No Rules prezentuje wybór dwunastu drzeworytów Helen Frankenthaler. Razem obie wystawy oferują rzadki wgląd w różnorodność umiejętności, które uczyniły Frankenthaler jedną z najbardziej wpływowych artystek minionego wieku.
As in Nature: Obrazy Helen Frankenthaler
Legenda głosi, że Helen Frankenthaler wynalazła technikę, która przyniosła jej sławę, w 1952 roku. Znana jako technika „soak-stain”, polegała na pracy poziomej na podłodze i nakładaniu farby rozcieńczonej terpentyną bezpośrednio na niegruntowane płótno. Farba wnikała w włókna płótna, przekształcając obraz i powierzchnię w jedną całość. Pierwszym obrazem, który wykonała tą techniką, jest Mountains and Sea. Frankenthaler opowiadała, że powstał on zaraz po powrocie z podróży do Nowej Szkocji. Mówiła, że piękne krajobrazy tego miejsca nosiła w pamięci i czuła, że niesie je także w ramionach. Chciała je namalować, ale nie interesowało ją jedynie kopiowanie ich obrazów. Pragnęła przekazać ich istotę, ducha, za pomocą środków abstrakcyjnych. O tym, co chciała osiągnąć, Frankenthaler mówiła: „Myślę, że zamiast natury czy obrazu, chodzi o ducha lub doznanie, które można przekazać przez rodzaj abstrakcyjnej projekcji.”
Układając płótno na podłodze, znalazła sposób na fizyczne zaangażowanie się w pracę, tak aby obrazy, które nosiła w ramionach, mogły wyjść na zewnątrz bezpośrednio, niczym pot spływający z rolnika pracującego na polu. Rozcieńczając farby, uzyskała tę samą przezroczystość w olejach i akrylach, którą wcześniej można było osiągnąć tylko akwarelami. Ta przezroczystość pozwalała przekazać ulotność krajobrazów, które miała już tylko w pamięci. Nie gruntując płótna, pozwalała farbie wyznaczać własną trajektorię, kierowaną jej sugestiami i manipulacjami, ale nie całkowicie przez nie zdeterminowaną. To było podejście rewolucyjne. Szybko zostało przyjęte przez innych malarzy i zostało okrzyknięte przez krytyków jako radykalna zmiana, która od tamtej pory jest omawiana w dość akademickich kategoriach. Jednak korzenie tej techniki nie tkwiły w akademii. Nie miały nic wspólnego z modami czy historią sztuki. Były po prostu intuicyjne.
Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952, olej i węgiel na niegruntowanym płótnie, 219,4 × 298 cm
Doznanie ponad wyjaśnieniem
Wybór prac prezentowanych na wystawie As in Nature świadczy o tym, że Frankenthaler była znacznie mniej akademiczką próbującą przesunąć malarstwo w historii, a znacznie bardziej rozważną artystką: kimś, kto czegoś szukał, kto siać, sadził, pracował i miał nadzieję. Doskonałym przykładem jest obraz Milkwood Arcade, oszałamiająca, nieco nieregularna kompozycja form zawieszonych w przemianie między harmonią a chaosem. Jak wiele jej prac, ten obraz prosi, by po prostu się mu uważnie przyjrzeć, nie po to, by wymyślić wyjaśnienie, lecz by doświadczyć doznania.
A na wypadek, gdyby ktoś miał wątpliwości, że Frankenthaler bardziej kierowała się uczuciami niż akademizmem, As in Nature rozwiewa je, prezentując tak wiele obrazów o ogromnych rozmiarach. Najlepszym przykładem jest monumentalny Off White Square. Mierzący ponad dwa metry wysokości i sześć i pół metra długości, jest bardziej środowiskiem niż obrazem. Stojąc pośrodku, kolor przemienia się w emocję. W przestrzeniach, gdzie warstwy farby przenikają się nawzajem, otwiera się pierwotne poczucie możliwości. Udowadnia to jednoznacznie, że choć jej najsłynniejsza technika była przełomowa, dla Frankenthaler była jedynie środkiem do abstrakcyjnej projekcji ducha i doznania natury.
Helen Frankenthaler - Milkwood Arcade, 1963, akryl na płótnie, 219,7 x 205,1 cm
No Rules: Drzeworyty Helen Frankenthaler
No Rules, równoległa wystawa drzeworytów Helen Frankenthaler, czerpie swoją nazwę z być może najsłynniejszego cytatu Helen Frankenthaler: „Nie ma zasad... tak rodzi się sztuka, tak powstają przełomy. Przeciwstawiaj się zasadom lub je ignoruj, o to chodzi w wynalazczości.” To właśnie duch wynalazczości skłonił Frankenthaler do całkowitego przeobrażenia rzemiosła drzeworytu, aby osiągnąć specyficzne walory estetyczne, których szukała. Tradycyjnie drzeworyty charakteryzują się białymi liniami i ostrymi kształtami. Frankenthaler chciała osiągnąć miękkość w swoich drzeworytach, która mogłaby przekazać ten sam eteryczny urok, jaki wydobywała ze swoich obrazów. Aby osiągnąć swoje cele, stworzyła indywidualny, czasochłonny i skomplikowany proces. Efekty były spektakularne i są w pełni widoczne na tej wystawie.
No Rules zaczyna się od East and Beyond, pierwszego drzeworytu Frankenthaler. Zmysłowe formy stapiają się ze sobą w miękkie, organiczne sposoby. Bogate, żywe kolory niemal wyglądają jak namalowane. Nie przypomina żadnego wcześniejszego drzeworytu. Następnie prezentowany jest wybór drzeworytów, które Frankenthaler wykonała we współpracy z dwoma japońskimi mistrzami rzemiosła, rzeźbiarzem w drewnie Reizo Monjyu i drukarzem Tadashi Todą. Pracując z nimi nad tradycyjnymi technikami, Frankenthaler zaakceptowała ideę pozwolenia, by usłojenie drewna było widoczne w ostatecznym odbitku. Kolejno wystawa pokazuje manipulowane papiery, na których Frankenthaler eksperymentowała w latach 90., w takich drzeworytach jak Freefall i Radius. Na koniec wystawa kończy się niektórymi z ostatnich i najlepszych drzeworytów Frankenthaler, w tym monumentalnym Madame Butterfly, dwumetrowym, trzyczęściowym drzeworytem w 102 kolorach, wykonanym z 46 oddzielnych klocków i drukowanym na papierze ręcznie czerpanym.
Helen Frankenthaler - Madame Butterfly, 2000, drzeworyt w 102 kolorach z 46 klocków, 106 x 201,9 cm
Pamiętając legendę
Minęło prawie sześć lat od śmierci Helen Frankenthaler. Choć była jedną z najbardziej wpływowych amerykańskich artystek minionego wieku, jej dziedzictwo, ironicznie, często jest pomniejszane przez ten sam przełom, który pomógł jej karierze wystartować. W 1952 roku, roku ukończenia pierwszego obrazu w technice „soak-stain”, różne siły, które kształtują trendy i tworzą gwiazdy w amerykańskim świecie sztuki, również poszukiwały kolejnej wielkiej rzeczy. Abstrakcyjni ekspresjoniści, tacy jak Jackson Pollock, cieszyli się niemal dekadą uwagi za swoje agresywne, impastowe, pełne niepokoju podejście do pracy. Sublimacyjna, spłaszczona, kontemplacyjna natura obrazów takich jak Mountains and Sea uczyniła z Frankenthaler idealną przeciwwagę. Jednak to pojedyncze osiągnięcie było naprawdę tylko początkiem kariery, która przeszła wiele dużych i małych przemian i stworzyła dorobek wart znacznie większej uwagi, niż dotąd otrzymała.
Organizując te dwie równoległe wystawy, As in Nature i No Rules, The Clark wykonał elegancki krok w kierunku rozszerzenia legendy Helen Frankenthaler. Po pierwsze, obie wystawy prezentują prace pochodzące z dwóch głównie prywatnych kolekcji — Fundacji Williama Louisa-Dreyfusa oraz Fundacji Helen Frankenthaler — więc większość prac nigdy wcześniej nie była publicznie pokazywana razem. Po drugie, wybierając tak wielkie prace, wystawy ukazują ogrom pracy fizycznej, jaka włożona została w ich powstanie, co często ginie podczas oglądania pojedynczego obrazu w muzeum, a zwłaszcza podczas oglądania zdjęć w internecie. Po trzecie, wystawy otwierają drzwi do przyszłych retrospektyw, które mogą ostatecznie pomóc umiejscowić Helen Frankenthaler jako płodną i wieloaspektową artystkę, jaką była. As in Nature: Obrazy Helen Frankenthaler jest prezentowana w Clark Art Institute do 9 października 2017 roku, a No Rules: Drzeworyty Helen Frankenthaler w osobnym skrzydle tego samego budynku do 24 września 2017 roku. Wstęp kosztuje 20 dolarów, a jest bezpłatny dla członków, studentów z ważną legitymacją, dzieci poniżej 18 lat oraz uczestników programu bibliotecznego Clark.
Helen Frankenthaler - Interior Landscape, 1964, akryl na płótnie, 266 x 236 cm, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco
Zdjęcie główne: Helen Frankenthaler -
Wszystkie zdjęcia © 2017 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork, Nowy Jork
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie do celów ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
