Fascynujące animacje Oskara Fischingera

W tym roku przypada 50. rocznica śmierci Oskara Fischingera, proroczego geniusza, który zbliżył się bliżej niż jakikolwiek inny artysta do wyrażenia tajemniczych, abstrakcyjnych wspólnot istniejących między muzyką a obrazami. Poprzez swoje filmy animowane Fischinger powiązał wizualne języki kształtów, form, linii i kolorów z muzycznym językiem nut, rytmów, harmonii i dysonansów. Dzięki wynalazkowi Lumigrafu, urządzenia emitującego światło, którym można było manipulować ręcznie podobnie jak instrumentem muzycznym, pokazał potencjał tworzenia estetyczno-emocjonalnych więzi przez improwizowane, dynamiczne kompozycje kolorystyczne odtwarzane na maszynie. A poprzez swoje obrazy przekazał podwyższone płaszczyzny koncepcyjne ukryte w jego filmach, zatrzymując je na uproszczonych, dwuwymiarowych powierzchniach. Tymczasem przez całą swoją karierę, w pismach i przemówieniach, dokładnie przedstawiał swoje artystyczne zamiary. „Chcę, aby ta praca spełniała duchowe i emocjonalne potrzeby naszej epoki,” napisał w 1950 roku. „Bo jest coś, czego wszyscy szukamy — coś, do czego dążymy przez całe życie... mając nadzieję... że pewnego dnia, być może, coś zostanie objawione, wyłaniające się z nieznanego, coś, co ukaże Prawdziwe Stworzenie: Twórczą Prawdę!”

Oskar Fischinger: Artysta z Urodzenia

Niektórzy artyści są stworzeni; inni rodzą się jako tacy. Oskar Fischinger nigdy nie studiował sztuki w szkole. Urodzony w 1900 roku w Hesji w Niemczech, podobnie jak większość jego pokolenia, został powołany do służby wojskowej jako nastolatek. Jednak z powodu złego stanu zdrowia nie został zmuszony do walki za Niemcy podczas wojny. Zamiast tego podjął pracę w fabryce organów. To wczesne zetknięcie z mechanizmami tworzenia muzyki okazało się później dla Fischingera przełomowe, zwłaszcza w połączeniu z wykształceniem inżynierskim, które mógł zdobyć po wojnie, gdy jego rodzina przeprowadziła się do Frankfurtu. Być może te doświadczenia nie były typowe dla kogoś, kto miał zostać wielkim artystą, ale miały twórczy charakter i okazały się idealne dla przeznaczenia, które czekało na tego konkretnego artystę.

W 1921 roku Fischinger poznał awangardowego niemieckiego reżysera filmowego Waltera Ruttmana. Ruttman był jednym z nielicznych artystów eksperymentujących z filmem jako medium abstrakcyjnym, badając sposoby, w jakie mógłby on współdziałać z innymi formami sztuki. Fischinger zainspirował się pracą Ruttmana, a dzięki swojemu mechanicznemu i inżynierskiemu wykształceniu udało mu się znaleźć sposób, by zaimponować Ruttmanowi w zamian. Uczynił to przez wynalezienie mechanicznego urządzenia do animacji: „maszyny do krojenia wosku”. Po usłyszeniu o tym urządzeniu Ruttman był tak pod wrażeniem, że poprosił Fischingera o prawa do jego używania. Fischinger udzielił Ruttmanowi licencji na swoją maszynę, a następnie przeprowadził się do Monachium, gdzie miał dostęp do większej ilości sprzętu, co pozwoliło mu na dalsze eksperymenty na własną rękę.

Oskar Fischinger - kadr z Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Filmy

Podczas pobytu w Monachium Fischinger stworzył niektóre ze swoich najwcześniejszych filmów. Zamiast naśladować realistyczny świat, badały one inne sposoby, w jakie światło i dźwięk mogą współdziałać w filmie. W 1926 roku napisał jeden ze swoich kluczowych esejów zatytułowany Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, czyli Nowa Sztuka: Przestrzenna Muzyka Światła. Choć wydaje się, że nigdy nie został opublikowany za jego życia, obecnie znajduje się w archiwum The Center for Visual Music w Los Angeles, które zarządza dorobkiem Fischingera, w tym jego filmami i dokumentami. Myśli wyrażone w tym eseju, wraz z osiągnięciami widocznymi w jego wczesnych filmach, stawiają Fischingera w filozoficznym towarzystwie artystów takich jak Wassily Kandinsky, który mocno wierzył w zdolność nieprzedstawiających obrazów do duchowej komunikacji na tym samym abstrakcyjnym poziomie co muzyka. Jednak skupiając się na filmach, a nie na malarstwie, Fischinger zrozumiał zasadniczą różnicę między muzyką a obrazami: muzyka, w przeciwieństwie do statycznych obrazów, dzieje się w czasie.

Pojedyncza nuta trwająca tylko chwilę nie wywołuje u słuchacza takiego samego efektu emocjonalnego jak symfonia grana przez godzinę. To samo dotyczy obrazów. Pojedyncza kompozycja wizualna na obrazie nie wywołuje u widza takiego samego efektu emocjonalnego jak kompozycja wizualna rozwijająca się w czasie w filmie. Stosując tę podstawową myśl, Fischinger przez następne dwie dekady tworzył jedne z najbardziej przełomowych abstrakcyjnych filmów animowanych w historii. Niektóre z nich były oprawione muzycznie i nazywane pierwszymi teledyskami. Jednak nie miały one nic wspólnego z teledyskami, jakie znamy dzisiaj. Muzyka była tam jedynie próbą zbadania podobieństw w sposobach, w jakie kompozycje wizualne i muzyczne komunikują się abstrakcyjnie z naszym mózgiem.

Oskar Fischinger - kadr z Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Kompozycja w Niebieskim

W 1935 roku, mieszkając w Berlinie, Oskar Fischinger stworzył dzieło, które wielu uważa za jego opus magnum: film zatytułowany Kompozycja w Niebieskim. Nakręcony na kolorowej taśmie 35 mm, krótki film animowany jest oparty na melodii z Wesołych Żon Windsorskich, opery niemieckiego kompozytora Otto Nicolai, opartej na sztuce o tym samym tytule Williama Shakespeare’a. W całym filmie żywo kolorowe, abstrakcyjne formy tańczą w idealnej synchronizacji z muzyką. Tło zdaje się przechodzić z dwóch do trzech wymiarów i często zapada się w sobie, przemieniając się w niekończącą się, kapryśną wizualną rozkosz.

Jednym z niezwykłych aspektów Kompozycji w Niebieskim jest sposób jej wykonania. Fischinger ręcznie wykonał każdą z tych małych form tańczących w filmie. To pomalowane modele, starannie przesuwane podczas kręcenia filmu, klatka po klatce. Każda zatrzymana klatka mogłaby, w innych okolicznościach, stanowić abstrakcyjny obraz. Lub, gdyby chciał, każda kompozycja przed sfilmowaniem mogłaby być uznana za instalację rzeźbiarską. Jednak dopiero w ruchu, rozwijając się w czasie, Fischinger wierzył, że te abstrakcyjne obrazy mogą osiągnąć taki sam wpływ jak kompozycje muzyczne, dlatego właśnie do tego celu skierował swoją pracę.

Oskar Fischinger - kadr z Kompozycji w Niebieskim, 1935, © Center for Visual Music

Obrazy

Kompozycja w Niebieskim zdobyła międzynarodowe uznanie. Dzięki częściowemu sukcesowi Fischinger mógł przyjechać do Ameryki w 1936 roku, gdzie podjął różne stanowiska w Hollywood, pracując dla Paramount, Walta Disneya i innych wytwórni. Jednak szybko przekonał się o przepaści dzielącej idealistyczne cele artystów od celów komercyjnych firm filmowych. Nie mogąc znaleźć wsparcia finansowego na kontynuowanie swojej czysto artystycznej pracy animacyjnej, ostatecznie Fischinger musiał porzucić film. Skupił się zamiast tego w późnych latach 40. na swoim wynalazku, Lumigrafie. I ironicznie, spędził ostatnie 15 lat życia jako malarz.

Obrazy stworzone przez Fischingera są niezwykłe pod względem różnorodności. Podobnie jak jego wcześniejsze animacje, zdają się zawierać abstrakcyjny wizualny język wszystkich innych abstrakcyjnych artystów XX wieku. Ale nie są to dzieła pochodne. Wręcz przeciwnie, większość tych obrazów została zapoczątkowana przez Fischingera na długo zanim artyści tacy jak Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis czy Kenneth Noland doszli do nich samodzielnie. I wbrew oczekiwaniom, zamiast ujmować czegokolwiek jego filmom, jego obrazy dodają siły jego ideom o muzyce i obrazach oraz o efektach doświadczania ich w czasie. Każdy obraz to uchwycony moment — wyizolowany fragment większego doświadczenia. Oglądanie ich w jego filmach zabiera nas w podróż. Oglądanie ich na obrazach pozwala nam docenić je jak znawcy.

Oskar Fischinger - kadr z Motion Painting nr I, 1947, © Center for Visual Music

Najgorszy Hołd w Historii

Oskar Fischinger był oczywiście pionierem, więc nie dziwi, że ludzie często chcą oddać mu hołd i jego osiągnięciom. Jednak w czerwcu zeszłego roku, w dniu, który byłby jego 117. urodzinami, Google „złożyło hołd” Fischingerowi za pomocą Google Doodle — jednej z tych interaktywnych rozrywek, które Google oferuje użytkownikom na stronie wyszukiwania. Doodle dał odwiedzającym możliwość zmiany muzyczno-wizualnej kompozycji przez kliknięcie na ekran. Choć zabawne, było to absurdalne oddanie hołdu Fischingerowi. Fischinger powiedział kiedyś, odnosząc się do swoich doświadczeń w Hollywood: „Żaden rozsądny twórczy artysta nie mógłby stworzyć rozsądnego dzieła sztuki, jeśli zespół współpracowników wszelkiego rodzaju ma coś do powiedzenia w ostatecznym dziele... Zmienią pomysły, zabiją pomysły zanim się narodziły, uniemożliwią narodziny pomysłów i zastąpią absolutne twórcze motywy jedynie tanimi pomysłami dostosowanymi do najniższego wspólnego mianownika.”

Jak Google mogło pomyśleć, że wysoko opłacany programista pracujący dla komercyjnej fabryki może oddać hołd temu artyście, dając dosłownie każdemu z dostępem do Internetu „głos w ostatecznym dziele”, pozostaje tajemnicą. Gdzieś coś gubi się w tłumaczeniu. Ale czy reszta ludzkości kiedykolwiek dogoni Oskara Fischingera? Być może. Nie jest trudno zrozumieć, co Fischinger chciał, abyśmy zrobili z jego dziełem. Chciał, abyśmy używali go do duchowego i emocjonalnego pokarmu. Może najlepszym sposobem oddania hołdu jego dziedzictwu nie jest tworzenie głupich gier salonowych ani sprowadzanie jego osiągnięć do stwierdzeń typu „Wow, zrobił to wszystko bez komputera?!” Zamiast tego powinniśmy oddać mu należny szacunek jako artyście, filozofowi i poecie oraz spróbować zrozumieć głębszy cel jego pracy, który wzywa nas do ponownego połączenia się z ukrytymi tajemnicami łączącymi nasze różnorodne, a wciąż dość niezrozumiałe, zmysłowe moce.

Google świętujące 117. urodziny Oskara Fischingera, © Google

Zdjęcie główne: Oskar Fischinger - kadr z Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Autor: Phillip Barcio