Fascynujące animacje Oskara Fischingera

W tym roku przypada 50. rocznica śmierci Oskara Fischingera, przenikliwego geniusza, który zbliżył się bardziej niż jakikolwiek inny artysta do wyrażenia tajemniczych, abstrakcyjnych wspólnych cech istniejących między muzyką a obrazami. Poprzez swoje filmy animowane, Fischinger skorelował wizualne języki kształtów, form, linii i kolorów z muzycznym językiem nut, rytmów, harmonii i dysonansów. Dzięki swojemu wynalazkowi Lumigraf, urządzeniu emitującemu światło, manipulowanemu ręcznie podobnie jak instrument muzyczny, zademonstrował potencjał do tworzenia estetyczno-emocjonalnych więzi przez improwizowane, dynamiczne kompozycje kolorów grane na maszynie. A poprzez swoje obrazy przekazał podwyższone płaszczyzny koncepcyjne ukryte w jego filmach, zatrzymując je na uproszczonych, dwuwymiarowych powierzchniach. Tymczasem, przez całą swoją karierę, w pismach i przemówieniach, dokładnie przedstawił swoje artystyczne intencje. „Chcę, aby ta praca spełniała duchowe i emocjonalne potrzeby naszej epoki,” napisał w 1950 roku. „Bo jest coś, czego wszyscy szukamy—coś, do czego dążymy przez całe życie... mając nadzieję... że pewnego dnia, być może, coś zostanie ujawnione, wyłaniając się z nieznanego, coś, co ujawni Prawdziwą Kreację: Kreatywną Prawdę!.”

Oskar Fischinger: Urodzony Artysta

Niektórzy artyści są tworzeni; inni się rodzą. Oskar Fischinger nigdy nie studiował sztuki w szkole. Urodził się w 1900 roku w Hesji, w Niemczech, i podobnie jak większość członków jego pokolenia, został powołany do wojska jako nastolatek. Jednak z powodu słabej kondycji fizycznej nie został zmuszony do walki za Niemcy w wojnie. Zamiast tego podjął pracę w fabryce organów. To wczesne zetknięcie z mechanizmami tworzenia muzyki miało okazać się przełomowe dla Fischingera później, zwłaszcza w połączeniu z wykształceniem inżynieryjnym, które mógł zdobyć po wojnie, gdy jego rodzina przeprowadziła się do Frankfurtu. Być może te doświadczenia nie były typowe dla kogoś przeznaczonego do zostania wielkim artystą, ale były kreatywne w swojej istocie, a jak się okazuje, były idealne dla losu, który czekał na tego konkretnego artystę.

W 1921 roku Fischinger nawiązał znajomość z awangardowym niemieckim reżyserem filmowym Walterem Ruttmanem. Ruttman był jednym z nielicznych artystów eksperymentujących z filmem jako abstrakcyjnym medium, badając sposoby, w jakie może on współdziałać z innymi formami sztuki. Fischinger był zainspirowany pracą Ruttmana i dzięki swojemu doświadczeniu w mechanice i inżynierii udało mu się znaleźć sposób, aby zaimponować Ruttmanowi w zamian. Udało mu się to dzięki wynalezieniu mechanicznego urządzenia do animacji: „maszyny do krojenia wosku”. Po usłyszeniu o urządzeniu, Ruttman był tak pod wrażeniem, że poprosił Fischingera o prawa do jego używania. Fischinger udzielił Ruttmanowi licencji na korzystanie ze swojej maszyny, a następnie przeprowadził się do Monachium, gdzie uzyskał dostęp do większej ilości sprzętu, co umożliwiło mu dalsze eksperymenty na własną rękę.

Oskar Fischinger - kadr z Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Filmy

Podczas pobytu w Monachium Fischinger stworzył niektóre ze swoich najwcześniejszych filmów. Zamiast naśladować realistyczny świat, badały one inne sposoby, w jakie światło i dźwięk mogą współdziałać w filmie. W 1926 roku napisał jeden ze swoich fundamentalnych esejów, zatytułowany Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, lub A New Art: Spatial Light Music. Choć wydaje się, że nigdy nie został opublikowany za jego życia, obecnie znajduje się w archiwum The Center for Visual Music w Los Angeles, które posiada i zarządza dziełami Fischingera, w tym jego filmami i dokumentami. Myśli, które Fischinger wyraził w tym eseju, wraz z osiągnięciami widocznymi w jego wczesnych filmach, umieściły Fischingera w filozoficznym towarzystwie artystów takich jak Wassily Kandinsky, którzy mocno wierzyli w zdolność nieobiektywnej wyobraźni do komunikowania się duchowo na tym samym abstrakcyjnym poziomie co muzyka. Jednak koncentrując się na filmach, a nie na malarstwie, Fischinger był w stanie zrozumieć istotną różnicę między muzyką a obrazami: że muzyka, w przeciwieństwie do statycznych obrazów, zachodzi w czasie.

Jedna nuta trwająca tylko chwilę nie ma takiego samego emocjonalnego wpływu na słuchacza jak symfonia grana przez godzinę. I to samo dotyczy obrazów. Jedna kompozycja wizualna na obrazie nie ma takiego samego emocjonalnego wpływu na widza jak kompozycja wizualna, która rozwija się w czasie w filmie animowanym. Stosując ten podstawowy tok myślenia, Fischinger spędził następne dwie dekady, tworząc niektóre z najbardziej przełomowych abstrakcyjnych filmów animowanych, jakie kiedykolwiek powstały. Niektóre były osadzone w muzyce i nazywano je pierwszymi teledyskami. Ale nie miały nic wspólnego z teledyskami, jakie znamy dzisiaj. Były osadzone w muzyce tylko w celu zbadania podobieństw w sposobach, w jakie kompozycje wizualne i kompozycje muzyczne komunikują się abstrakcyjnie z naszymi mózgami.

Oskar Fischinger - kadr z Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Kompozycja w kolorze niebieskim

W 1935 roku, podczas pobytu w Berlinie, Oskar Fischinger osiągnął to, co wielu ludzi uważa za jego dzieło życia: film zatytułowany Kompozycja w błękicie. Nakręcony na kolorowej taśmie 35 mm, krótkometrażowy film animowany jest osadzony na melodii z Wesołych żon z Windsoru, opery niemieckiego kompozytora Otto Nicolai, opartej na sztuce o tej samej nazwie autorstwa Williama Szekspira. W całym filmie, żywo kolorowe, abstrakcyjne formy tańczą w doskonałej synchronizacji z muzyką. Tło wydaje się zmieniać z dwóch na trzy wymiary, a często zapada się w siebie, przekształcając w nieskończoną, fantazyjną, wizualną przyjemność.

Jednym z niezwykłych aspektów Kompozycji w niebieskim jest sposób, w jaki została stworzona. Fischinger ręcznie zbudował każdą z tych małych form tańczących w filmie. To są malowane modele, starannie poruszane podczas kręcenia filmu, klatka po klatce. Każda zamrożona klatka mogłaby, w innych okolicznościach, stanowić abstrakcyjny obraz. Lub, gdyby chciał, każda kompozycja przed nagraniem mogłaby być uznana za instalację rzeźbiarską. Ale tylko w ruchu, rozwijając się w czasie, Fischinger wierzył, że te abstrakcyjne obrazy mogą osiągnąć ten sam wpływ co kompozycje muzyczne, więc w tym celu kierował swoją pracą.

Oskar Fischinger - kadr z Kompozycji w Niebieskim, 1935, © Centrum Muzyki Wizualnej

Obrazy

Kompozycja w niebieskim zdobyła międzynarodowe uznanie. W dużej mierze dzięki swojemu sukcesowi, Fischinger mógł przyjechać do Ameryki w 1936 roku, gdzie zajął różne stanowiska w Hollywood, pracując dla Paramount, Walt Disney i innych studiów. Jednak szybko dowiedział się o przepaści, która istnieje między idealistycznymi celami artystów a celami komercyjnych firm produkcyjnych. Nie mogąc znaleźć wsparcia finansowego, aby kontynuować swoją czysto artystyczną pracę animacyjną, ostatecznie Fischinger został zmuszony do porzucenia filmu. Zamiast tego w późnych latach 40. skupił dużą część swojej uwagi na swoim wynalazku, Lumigrafie. A potem ironicznie, spędził ostatnie 15 lat swojego życia jako malarz.

Obrazy stworzone przez Fischingera są niezwykłe w swojej różnorodności. Podobnie jak jego wcześniejsze animacje, wydają się zawierać abstrakcyjny język wizualny każdego innego artysty abstrakcyjnego XX wieku. Ale te nie są dziełami pochodnymi. Wręcz przeciwnie, większość tych obrazów została zainicjowana przez Fischingera na długo przed tym, jak artyści tacy jak Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis i Kenneth Noland dotarli do nich samodzielnie. I wbrew oczekiwaniom, zamiast odejmować cokolwiek od jego filmów, jego obrazy dodają mocy jego ideom o muzyce i obrazach oraz o efektach ich doświadczania w czasie. Każdy obraz to uchwycony moment — izolowany fragment większego doświadczenia. Widzenie ich w jego filmach zabiera nas w podróż. Widzenie ich w jego obrazach pozwala nam docenić je jak koneserzy.

Oskar Fischinger - kadr z Motion Painting no I, 1947, © Center for Visual Music

Najgorszy hołd w historii

Oskar Fischinger był oczywiście pionierem, więc nie jest zaskoczeniem, że ludzie często chcą oddać mu hołd i docenić jego osiągnięcia. Jednak w zeszłym czerwcu, w dniu, który byłby jego 117. urodzinami, Google "oddaje hołd" Fischingerowi za pomocą Google Doodle — jednego z tych interaktywnych rozpraszaczy, które Google oferuje użytkownikom na swojej stronie wyszukiwania. Doodle dał odwiedzającym szansę na zmianę muzyczno-wizualnej kompozycji poprzez klikanie na ekranie. Choć zabawne, było to absurdalne oddanie hołdu Fischingerowi. Fischinger powiedział kiedyś w odniesieniu do swoich doświadczeń w Hollywood: „Żaden rozsądny twórczy artysta nie mógłby stworzyć sensownego dzieła sztuki, jeśli zespół współpracowników wszelkiego rodzaju miałby coś do powiedzenia w finalnym dziele... Zmieniają pomysły, zabijają pomysły zanim się narodzą, uniemożliwiają narodziny pomysłów i zastępują absolutne motywy twórcze jedynie tanimi pomysłami, aby pasowały do najniższego wspólnego mianownika."

Jak Google myślał, że wysoko opłacany programista pracujący dla fabryki komercyjnej mógłby oddać hołd temu artyście, oferując dosłownie każdemu z dostępem do Internetu „wpływ na ostateczne dzieło”, jest nieznane. Gdzieś, coś gubi się w tłumaczeniu. Ale czy reszta ludzkości kiedykolwiek dogoni Oskara Fischingera? Może. Nie jest trudno zrozumieć, co Fischinger zamierzał, abyśmy zrobili z jego dziełem. Zamierzał, abyśmy używali go do duchowego i emocjonalnego pokarmu. Może najlepszym sposobem, aby oddać hołd jego dziedzictwu, nie jest tworzenie głupich gier towarzyskich, ani redukowanie jego osiągnięć do stwierdzeń takich jak: „Wow, zrobił to wszystko bez komputera?!” Zamiast tego może powinniśmy oddać mu należny szacunek jako artyście, filozofowi i poecie i spróbować zrozumieć głębszy cel jego pracy, która wzywa nas do ponownego połączenia się z ukrytymi tajemnicami, które łączą nasze różnorodne, a wciąż dość niedoceniane, zmysłowe moce.

Google świętuje 117. urodziny Oskara Fischingera, © Google

Obraz wyróżniający: Oskar Fischinger - kadr z Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio