Jak Paul Strand wykorzystał fotografię jako kanał dla abstrakcji

Dziwne jest myśleć, że niektórzy ludzie uważają fotografię za czysto techniczne rzemiosło, a nie sztukę. W końcu medium to wynalazł artysta. W rękach najsłynniejszych praktyków fotografii, takich jak Cindy Sherman, Ansel Adams, Man Ray i Paul Strand, fotografia została wykorzystana do stworzenia niektórych z najbardziej kulturowo wpływowych obrazów ostatnich dwóch stuleci. Jeden z tych fotografów, Paul Strand, osiągnął nawet coś, co niewielu innych fotografów zdołało, coś, o czym większość prawdopodobnie nawet nie pomyślała: stworzenie fotografii abstrakcyjnej.

Narodziny fotografii

Od czasów starożytnych ludzie wiedzieli, że obraz można projkować na powierzchnię przez otwór. Już w 400 roku p.n.e. chiński filozof Mo Di wspomniał o użyciu tego, co dziś nazywamy kamerą otworkową. A około 1450 lat później jego rodak Shen Kuo jako pierwszy opisał użycie urządzenia, które dziś nazywamy kamerą obscura, dość skomplikowanej skrzynki z wyciętym otworem, przez który można projkować szczegółowy odwrócony obraz.

Nasi starożytni przodkowie również zdawali sobie sprawę, że po projekcji, ten obraz można było odtworzyć w dokładnej kopii, co jest tylko małym krokiem od idei fotografii. Co ciekawe, starożytni ludzie wiedzieli również, że niektóre materiały były wrażliwe na światło, co oznacza, że zmieniały się wizualnie pod wpływem światła. Jednak dopiero w XIX wieku te dwa pojęcia połączyły się, gdy europejscy artyści i naukowcy zaczęli rozważać, jak obrazy projektowane przez kamerę obscurę można uchwycić za pomocą materiałów wrażliwych na światło.

Choć kilka różnych osób jednocześnie eksperymentowało z tym pomysłem, pierwszą osobą, która skutecznie opracowała niezawodną, łatwą do powtórzenia metodę fotograficzną, był francuski malarz Louis Daguerre. Przed eksperymentowaniem z fotografią, Daguerre był znany ze swoich realistycznie szczegółowych, zmysłowych obrazów olejnych, które wykazywały mistrzowską technikę i stosowały silne poczucie światła i ciemności (chiaroscuro).

Louis Daguerre -Boulevard du Temple, 1838, Daguerreotyp (Fotografia)

Daguerre i Niépce

Pod koniec lat 20. XIX wieku Daguerre zaczął współpracować z francuskim wynalazcą Joseph'em Niépce'm, który przeprowadził kilka udanych eksperymentów proto-fotograficznych. Razem Daguerre i Niépce opracowali techniki, które doprowadziły do wynalezienia fotografii. Niépce niestety zmarł, zanim proces został w pełni zrealizowany. Daguerre nazwał pierwsze zdjęcia fotograficzne, które wykonał ich procesem, „daguerreotypami.”

Najwcześniejsze zdjęcia Daguerre'a przedstawiały białe rzeźby. Czy ten wybór był stwierdzeniem na temat fotografii jako sztuki? A może po prostu dlatego, że rzeźby odbijały dużo światła i były zatem odpowiednimi obiektami do demonstrowania potencjału medium? Nie możemy tego powiedzieć, ponieważ prawie wszystkie notatki Daguerre'a i większość jego wczesnych zdjęć zostały zniszczone w pożarze studia krótko po tym, jak ujawnił swoje wynalazki światu w 1839 roku.

Louis Daguerre - Ruiny Kaplicy Holyrood, 1824, Olej na płótnie, 83,07 x 100,98 in

Paul Strand, Fotografia i Sztuka

W momencie narodzin Paula Stranda w 1890 roku fotografia stała się wszechobecna. Jednak w jakiś sposób, mimo że wynalazca medium był profesjonalnym artystą, a najwcześniejsze fotografie przedstawiały dzieła sztuki, i niezliczeni inni artyści eksperymentowali z tym medium od jego wynalezienia, wciąż istniał ogólny uprzedzenie wśród akademików i instytucji, że fotografowie to technicy, a nie artyści, i że fotografia to nie sztuka. Fotograf, który raz na zawsze zmienił tę percepcję, nazywał się Alfred Stieglitz.

Jako fotograf, Stieglitz był mistrzem fotografii pictorialnej, której celem było artystyczne przekształcanie fotografii za pomocą chemii i techniki, aby pokazać zindywidualizowaną percepcję fotografa, a nie uchwycenie precyzyjnych obrazów reprezentacyjnych. Jako teoretyk, Stieglitz argumentował, że artystyczne cechy fotografii powinny być szeroko akceptowane, a fotografie powinny być wystawiane w muzeach i doceniane obok obrazów i innych form sztuki. Uznając tę ideę za całkowicie odrzuconą przez mainstream, w 1905 roku Stieglitz otworzył swoje własne małe muzeum, Little Galleries of the Photo-Secession, przy 291 5th Avenue w Nowym Jorku, gdzie spędził następne 12 lat, promując fotografię jako sztukę piękną.

Krótko po otwarciu, Paul Strand odwiedził galerię Stieglitza, będąc jeszcze w szkole, i zauważył po wyjściu, że wie na pewno, iż chce spędzić swoje życie jako fotograf. Ostatecznie Strand miał zaszczyt wystawiać swoje prace w galerii Stieglitza, stając się jednym z ostatnich fotografów, których galeria wspierała przed zamknięciem.

Jak fotografia Paula Stranda jest abstrakcyjna?

Wczesne fotografie Stranda były zupełnie inne niż prace, które wcześniej prezentował Stieglitz. Ich ostre linie i wyalienowane tematy były mniej reprezentatywne dla fotografii obrazowej, która zyskała szacunek publiczności jako sztuka, a bardziej reprezentatywne dla ówczesnych aktualnych trendów abstrakcyjnych w malarstwie.

Paul Strand -Geometric Backyards, Nowy Jork, 1917, odbitka platynowa, 24,6 × 32,6 cm, © Aperture Foundation Inc., Archiwum Paula Stranda

Wyobraź sobie fotografię ogrodzenia w świetle słonecznym. Ogrodzenie jest realne, reprezentacyjne; słońce jest widoczne, cienie oczywiste. W fotografiach Stranda łączą się, aby stać się czymś innym. Te ulotne rzeczy, cienie: czy są mniej realne niż ogrodzenie, które je spowodowało? Czy są tematem zdjęcia, czy może światło jest tematem? Czy w ogóle jest jakiś temat? A może fotografia jest studium linii, formy, kształtu i chiaroscuro?

Fotografie Stranda uprościły fotografię. Zamiast skupiać się na temacie lub technice, skłonił ludzi do myślenia o dwuwymiarowych produktach wynikających z czterowymiarowego procesu. Fotografię można postrzegać jako inny rodzaj sztuki, ale zdecydowanie jako sztukę. Zamiast budować obraz jak malarz, fotograf edytuje obraz, wybierając to, co zobaczy widz. W ten sposób fotograf jest bardziej podobny do rzeźbiarza niż do malarza, redukując masę, aby osiągnąć estetyczny rezultat.

Jak żaden inny fotograf przed nim, Strand osiągnął fundamentalny cel zarówno fotografii, jak i sztuki: pokazał widzowi więcej, pokazując mniej. To, co czyni jego prace abstrakcyjnymi, to nie tylko kompozycja, ale także uczucie, które przekazują, efemeryczne poczucie życia w przemijającej przestrzeni. Są niepokojące. Rozpoznajemy to, co widzimy w nich, mimo że jest to niekompletne i niejasne.

Paul Strand Nowy Jork, 1915, fotograwiura, 13,2 × 16,4 cm, © Aperture Foundation Inc., Archiwum Paula Stranda

Paul Strand jako twórca filmów dokumentalnych

Oprócz fotografii, Strand był aktywnym twórcą filmów dokumentalnych. Jego filmy starały się pokazać codzienne życie zwykłych obywateli oraz to, jak odnosi się do miejsc, które zamieszkują. Po II wojnie światowej opuścił Stany Zjednoczone i spędził resztę swojego życia we Francji, podróżując intensywnie i fotografując życie w całej Europie i Afryce. Jako artysta, jego dziedzictwo jest złożone i wieloaspektowe. Przełomowy eksperymentator na początku swojej kariery, później porzucił abstrakcję, decydując się na badanie transformacyjnej społecznej i politycznej mocy fotografii.

Jednak w trakcie swojej praktyki, jego prace udowodniły swoją trwałą aktualność i ciągłą obecność w muzeach na całym świecie, że fotografia zasługuje na równy szacunek wśród wszystkich innych mediów jako sztuka. Artystyczne oko Stranda, w połączeniu z jego mistrzowską techniką i empatyczną duszą, doprowadziło do powstania dzieł, które są niepodobne do żadnego innego artysty.

Obraz wyróżniony:  Paul Strand - Abstrakcja, Misy, Twin Lakes, Connecticut, 1916. Druk żelatynowy srebrowy. 33,1 × 24,4 cm. © Aperture Foundation Inc., Archiwum Paula Stranda.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio