Martin Barré, Zapomniany Artysta Abstrakcyjny, w Centre Pompidou

Retrospektywa Martina Barré, otwarta od 14 października 2020 do 4 stycznia 2021 w Centrum Pompidou, oferuje najbardziej kompleksowy wgląd w zawsze ewoluującą karierę tego enigmatycznego artysty. Jednak pomimo jego lokalnej sławy (20 dzieł w wystawie pochodzi z kolekcji stałej Pompidou) z pewnością będzie wielu widzów spoza Francji, którzy nie mają pojęcia, kim jest ten artysta. Jeśli spojrzą na jego prace tylko z współczesnej perspektywy, mogą nawet zastanawiać się, dlaczego powinni się tym interesować. Barré nie poruszał w swojej twórczości żadnych szczególnych kwestii społecznych czy politycznych. W rzeczywistości jego obrazy często wydają się nie mieć żadnej treści, ani też nie robią wielkiego wrażenia jako obiekty. Rzeczywiście, Barré (1924 — 1993) był również często lekceważony w swoim czasie. Niemniej jednak dla wielu z nas jest coś niezaprzeczalnie pociągającego w jego pracy. Proste, a nawet czasami zbyt proste, jego obrazy są szczere, zabawne i niewątpliwie ludzkie. Barré tworzył obrazy, które ledwie wydają się obrazami, i czuję, że o to właśnie chodziło. Jak wyjaśnia retrospektywa w Pompidou, Barré przeszedł przez co najmniej pięć głównych zmian w swoim stylu wizualnym. Te zmiany były może nieistotne w kontekście historii sztuki, ale nie umniejsza to prawdy, którą jego ewolucja konsekwentnie ujawniała — że jedynym obowiązkiem artysty jest jego własna ciekawość. W naszej epoce, kiedy od każdego artysty oczekuje się, że będzie w stanie przeprowadzić energiczną akademicką, społeczną i polityczną obronę swojej pracy, Barré może wydawać się mniej poważny. Ale tak było zawsze, nawet pół wieku temu. Nigdy się nie wpasowywał. Podążając za własnymi zainteresowaniami, Barré stał się dla swoich francuskich wielbicieli tym, czym Agnes Martin jest dla Amerykanów: prorokiem minimalizmu zarówno jako metody estetycznej, jak i jako drogi do samopoznania.

Proto-Minimalista

Urodzony w Nantes, w zachodniej Francji, w 1924 roku, Barré rzekomo przeszedł całą drogę do Paryża jako aspirujący, 19-letni artysta. Podróż o długości 376 km zajęła mu pięć dni. Przez następną dekadę studiował w różnych akademiach sztuk pięknych i eksperymentował z różnymi metodami i językami wizualnymi. Wkrótce ustalił, że jedynym sposobem na postęp dla niego była abstrakcja, a głównym abstrakcyjnym zagadnieniem, które go interesowało, była relacja między malowanym obrazem a jego tłem (lub przygotowaną powierzchnią). Barré był ciekawy, co może stanowić obraz; co czyni obrazy odrębnymi; i co może być uznane za treść w obrazie. Nie sądził, że jest pionierem w zadawaniu tych pytań. Przeciwnie, odnosząc się do obrazu stworzonego pół wieku wcześniej, powiedział: „Wszystkie obrazy wydają mi się prowadzić do i wywodzić się z czarnego kwadratu Malevicha na białym tle.”

Martin Barré - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. Akryl na płótnie. 120 x 120 cm. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paryż. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Paryż 2020

W kilku swoich najwcześniejszych abstrakcyjnych obrazach Barré również wykorzystał kwadrat, aby zbadać relację między obrazem a tłem. Zamiast malować kwadraty, zablokował kształt, wyznaczając jego pustkę malowaną przestrzenią wokół niego. Proste pytanie, które te obrazy stawiają, brzmi, czy pustka może być treścią. Następnie jeszcze bardziej uprościł swoją metodę, czerpiąc inspirację z graffiti malowanego sprayem, które widział w Paryżu. Postrzegając puszki z farbą w sprayu jako doskonałe przedłużenie ręki artysty, stworzył serię obrazów, które wyglądają jak nic więcej niż spryskane linie na przygotowanych powierzchniach płócien. Czasami spryskiwał linie w wzór. Innym razem spryskiwał tylko małą linię w jednym rogu płótna. Czasami malował zygzaki. Innym razem zawieszał wiele płócien na ścianie i kontynuował jedną linię z płótna na płótno. Minimalna jakość tych prac wyróżniała się w kontraście do dzieł jego współczesnych z lat 60., nadając Barré reputację jako antykulturowego i proto-minimalisty.

Martin Barré - 57-100x100-A, 1957. Olej na płótnie. 100 x 100 cm. Kolekcja prywatna, Paryż; dzięki uprzejmości Applicat-Prazan, Paryż. © Martin Barré, Adagp, Paryż 2020 / Zdjęcie: Art Digital Studio

Proste pytania

W latach 70. Barré wziął czteroletnią przerwę od malowania, aby zbadać to, co nazywał foto-koncepcjonalizmem. Ten okres jego kariery nie jest często badany w jego wystawach galeryjnych. Czasami zastanawiam się, co by się stało, gdyby sztuka nie mogła być kupowana i sprzedawana, jak zmieniłoby to sposób, w jaki ludzie o niej piszą? Zwykle myślę, że pisaliby mniej. W przypadku Barré'a wierzę, że pisaliby więcej, szczególnie o tej przerwie. Może nie wygenerował żadnych produktów do sprzedaży w sklepach z sztuką, ale głęboko wpłynęło to na sposób, w jaki Barré rozumiał swoje centralne pytanie o obraz w porównaniu do tła. Kiedy się skończyła, jego obrazy stały się znacznie gęstsze, z naszkicowanymi siatkami wspierającymi malowane kreski, które z kolei są zasłonięte warstwami przezroczystego wash. Te prace są nadal geometryczne, sięgając do Malevicha i jego kwadratów, ale są dość złożone i zbliżają się bardziej niż cokolwiek, co Barré zrobił wcześniej, do przyjęcia tego, co większość widzów uznałaby za treść.

Martin Barré - 60-T-43, 1960. Olej na płótnie. 81 x 330 cm (kwadryptyk). Kolekcja prywatna. Dzięki Matthew Marks Gallery, Nowy Jork / Zdjęcie: Ron Amstutz © Martin Barré, ADAGP, Paryż 2020

W swoich późnych latach Barré ponownie udoskonalił swój język wizualny, tym razem tworząc serię prac o ostrych krawędziach i geometrycznych kształtach, które sugerują jego bliskość z innym wczesnym abstrakcjonistą: Piet Mondrian. Te, jego ostatnie obrazy, z ich czystymi, płaskimi kompozycjami, czasami są omawiane tak, jakby były odrzuceniem jego wcześniejszych prac, które są bardziej surowe. Jednak nie wydają się tak dalekie. Pokazują linie namalowane na tle w celu wyznaczenia przestrzeni. Malowane obszary kwestionują tło, stawiając pytania o to, która część obrazu jest obrazem. Jak wszystkie jego wcześniejsze obrazy, te ostatnie prace zadają pytanie, co jest ważniejsze: treść obrazu, czy jego podpora? Dla mnie to nie tylko pytanie o malarstwo, ale także egzystencjalne pytanie o bycie malarzem. Pyta, co jest ważne w oczach innych; co powinno przyciągać uwagę; i co jest warte naszego czasu — może proste pytania, zadawane przez proste obrazy, ale ich prostota tworzy przestrzeń, abyśmy mogli nauczyć się o sobie.

Obraz wyróżniony: Martin Barré - 60-T-45, 1960. Olej na płótnie. 192 x 253 cm (kwadryptyk). Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paryż. © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Bertrand Prévost/Dist. RMN-GP © Martin Barré, Adagp, Paryż 2020
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio