(Re)Odkrywanie malarstwa plam Vivian Springford

Galeria Almine Rech w Nowym Jorku niedawno otworzyła swoją drugą dużą wystawę solową prac Vivian Springford. Artystka była przedmiotem powolnej rewizji, która rozpoczęła się pod koniec lat 90., kiedy to, w podeszłym wieku, jej niemal zapomniane studio w Chelsea – wypełnione kurzem i skarbami malarskimi z dziesięcioleci – zostało odkryte przez jej opiekuna. W momencie odkrycia, Springford była praktycznie anonimowa, nie malując przez ponad dekadę (przestała malować w połowie lat 80., gdy zwyrodnienie plamki żółtej odebrało jej wzrok). Nie wystawiała swoich prac od ponad 15 lat. Jednak na początku lat 60. była gotowa, aby zająć swoje miejsce wśród najsłynniejszych artystów swojego pokolenia. W momencie, gdy jej reputacja zaczynała się kształtować, Springford porzuciła inspirowany ekspresjonizmem abstrakcyjnym, gesturalny styl, który przyciągnął uwagę, przyjmując zamiast tego technikę malowania plamami kolorów. Jednocześnie niemal całkowicie zaprzestała sprzedaży i wystawiania swoich prac, z wyjątkiem kilku wystaw przez kilka dziesięcioleci. Ostatnie dwadzieścia lat swojej kariery poświęciła na rozwijanie unikalnego i natychmiast rozpoznawalnego abstrakcyjnego języka wizualnego, charakteryzującego się koncentrycznymi, biomorficznymi pierścieniami przezroczystego koloru. Kiedy zmarła w 2003 roku, nie tylko pozostawiła po sobie oszałamiające, ale ledwie znane dzieło, ale także zadała nam intrygujące pytanie – dlaczego utalentowana i dobrze skomunikowana artystka, która miała szansę stać się sławna, nagle odeszła od rynku sztuki, który ją kochał? Obecna wystawa w Almine Rech jest jedynie najnowszą próbą przyciągnięcia uwagi do prac tej artystki. Prawie 20 prac na wystawie dodatkowo umacnia reputację, na którą zasługuje Springford jako wirtuoz, jednocześnie oferując pewne wskazówki, dlaczego ta artystka mogła zakończyć w odosobnieniu, a nie na scenie.

Forma i nicość

Malowidła plam w koncentrycznych okręgach, które Springford spędziła ostatnie dwie dekady swojego życia, malując, są dla mnie zasadniczo różne od jej wcześniejszych prac w interakcji, jaką demonstrują między formą a nicością. Jej wcześniejsze prace preferują nieprzezroczyste, ciemne, amorficzne obszary koloru, malowane szybko w tradycji chińskiego kaligraficznego tworzenia znaków. Te ciemne, gesturalne obszary są pełne emocji i prymitywne w swojej obecności, dominując w kompozycji i oferując widzowi zdecydowany punkt centralny. Nawet jeśli konkretna forma jest w tych obrazach nierozpoznawalna, masy ciemnej farby tworzą jednoznaczną obecność. Przeciwnie, w jej późniejszych malowidłach plam okrągłych, Springford przyjmuje przezroczystość i luminancję, co uniemożliwia dominację jakiegokolwiek konkretnego elementu w kompozycjach.

Vivian Springford - Bez tytułu, 1972. Akryl na płótnie. 124,5 x 124,5 cm (49 x 49 cali).

Ten wybór w jej późniejszych obrazach, aby nadać każdej warstwie farby, każdemu kolorowi i każdej strefie obrazu równą wartość, sugeruje mi nie tylko ewolucję estetyczną, ale także to, że Springford przeszła ewolucję w swoim myśleniu. Angażując widzów w interakcję między powierzchnią, kolorem a światłem, te obrazy zapraszają nas do ich procesu stawania się. Są bardziej o luzie i wolności niż o strukturze i emocjach. To obrazy transformacji, zawieszone między stanem mistrzostwa a stanem całkowitego eksperymentowania. W porównaniu do pochodnego odczucia jej wcześniejszych obrazów w stylu abstrakcyjnego ekspresjonizmu, te obrazy z plamami farby mają autentyczność, która sugeruje, że zostały namalowane przez artystkę, która czuła się komfortowo z ideą przestrzeni liminalnych. Nie potrzebowanie pewności wydaje się związane z niepotrzebowaniem akceptacji, co może mieć coś wspólnego z tym, dlaczego Springford tak rzadko wystawiała te prace.

Vivian Springford - Bez tytułu, 1983. Akryl na płótnie. 69,2 x 67,3 cm (27 1/4 x 26 1/2 x 1 1/8 in).

Pomiar czasu

Naturalnie wydaje mi się, że te późne obrazy plamowe można określić jako prace procesowe. Nie chcę sugerować, że jako obiekty są mniej ważne niż procesy, które doprowadziły do ich powstania. Raczej mam na myśli, że ujawniają one znaczenie procesu. Jak koncentryczne pierścienie widoczne na pniu ściętego drzewa, koncentryczne pierścienie tych obrazów są zapisami upływu czasu. Każdy pierścień przypomina nam o czasie, który był potrzebny, aby nałożyć warstwę farby, aby się rozprzestrzeniła i stała się jednością z jej podłożem. Nic w tych obrazach nie jest pośpieszne. Ich estetyczna obecność jest wynikiem stopniowo rozprzestrzeniających się sił, działających zgodnie z nieprzewidzianymi zasadami. Obrazy zwracają uwagę na procesy ich powstawania, jednocześnie kierując naszą uwagę na pojęcie procesów w ogóle.

Widoki instalacji Vivian Springford, Almine Rech Nowy Jork, 13 listopada 2020 - 13 stycznia 2021

Springford kiedyś powiedziała, że dla niej malarstwo to „próba identyfikacji z uniwersalnym całością…. Chcę znaleźć swoją małą działkę lub wzór energii, który wyrazi wewnętrzne ja w kategoriach rytmicznego ruchu i koloru. Ekspansywne centrum wszechświata, gwiazd i natury to moje nieustanne wyzwanie w abstrakcyjnych terminach.” Jako artystka była oddana początkowi, jak wszechświat w momencie tuż przed Wielkim Wybuchem. Każdy z jej obrazów z serii soak stain w rzeczywistości przypomina wszechświat tuż po wielkim wybuchu, wciąż się rozszerzający, eksplodujący, przekształcający się w coś pojedynczego, którego ostateczna natura jest nieznana. Mogła postrzegać całe swoje dzieło i całą swoją karierę w ten sam sposób, w jaki postrzegała każdy z tych obrazów. To wyjaśnia, dlaczego jej odpowiedzialnością nie było wystawianie ani sprzedawanie obrazów, ani nawet koniecznie informowanie kogokolwiek, że je namalowała. Raczej jej priorytetem było zrozumienie natury swoich materiałów, odkrycie sił działających w jej technice i uwolnienie tych sił w światach, które stworzyła. Myślę, że Springford była boska w swojej gotowości, by pozwolić nam wszystkim martwić się o to, gdzie to wszystko się kończy.

Obraz wyróżniony: Vivian Springford - Bez tytułu, 1971. Akryl na płótnie. 127 x 127 x 2,5 cm (50 x 50 x 1 cal).
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio