Kobieca strona minimalizmu w Thaddaeus Ropac
Co roku różne wystawy twierdzą, że ogłaszają prace marginalizowanych artystów, którzy niesprawiedliwie zostali pominięci w kanonie historycznym. Często artyści ci są w rzeczywistości odnoszącymi sukcesy twórcami, tylko nie są "sławni", a ich prace nie są warte zmieniania historii. Kobieca strona minimalizmu w londyńskiej lokalizacji Thaddaeus Ropac w Ely House jest niezwykłym wyjątkiem od zwykłej formuły. Prezentując ponad 70 prac datowanych od lat 20. XX wieku do 2000 roku, autorstwa międzynarodowej i międzypokoleniowej grupy 13 artystek, kuracja w przemyślany sposób poszerza ogólne zrozumienie minimalizmu, podkreślając wielu artystów, których kariery w nieoczekiwany sposób wzbogacają ten ruch. Wybór prac obejmuje obrazy, rysunki, wideo, fotografie, rzeźby i reliefy, demonstrując rozległe pole eksperymentów, które te artystki wyhodowały. Choć nie wszystkie artystki w wystawie pasują ściśle do definicji minimalizmu, rozmowa, którą ich obecność inicjuje, zdecydowanie jest warta podjęcia. Początkowo planowana do 18 grudnia 2020 roku, wystawa jest obecnie zamknięta z powodu ograniczeń COVID-19 obowiązujących w Wielkiej Brytanii. W międzyczasie oto wprowadzenia do ośmiu artystek z wystawy, których prace uważamy za szczególnie interesujące.
Mary Panna
Założycielka czasopisma Heresies, Mary Miss, nie jest często postrzegana w kontekście historii minimalizmu. Jej prace są bardziej znane zwolennikom sztuki ziemi i sztuki feministycznej. Jej plastyczne zmartwienia często krążą wokół eleganckiej idei tworzenia jednoczesnego doświadczenia płaskości i przestrzeni. Jako pierwsza artystka wspomniana w przełomowym eseju z 1979 roku "Rzeźba w rozszerzonym polu" autorstwa Rosalind Krauss, Miss jest z pewnością osobą rozpoznawalną. Ta wystawa jednak umieszcza ją w kontekście, który dodaje świeżego wymiaru jej praktyce.
Mary Miss - Ulga, 1968. Stal i drut. 41 x 635 cm (16,14 x 250 in). Dzięki Mary Miss i Galerie Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Mary Miss Zdjęcie: Charles Duprat
Maria Lai
Kiedy zmarła w 2012 roku, sardynska artystka Maria Lai była wciąż w dużej mierze nieznana poza swoją ojczyzną. W 2017 roku to się zmieniło, gdy jej prace zostały zaprezentowane zarówno na Biennale w Wenecji, jak i na Documenta. Inna artystka, która nie jest zazwyczaj kojarzona z minimalizmem, Lai tworzyła dzieła, które łączyły materialne wrażliwości z pamięcią, historią i doświadczeniami wspólnotowymi. Jej najsłynniejsze dzieło to performance z 1981 roku zatytułowany „Związać Górę”, w którym obywatele, od dzieci po osoby starsze, pomagali przeprowadzić jedną niebieską wstążkę przez całe miasto Ulassai. Myśląc o nim w kategoriach linii i koloru, z pewnością było to dzieło minimalizmu. Rozważane w kontekście jego szerszego wpływu, dzieli dziedzictwo z wszystkim, od ruchu Neo Concrete po Fluxus i Sztukę Praktyki Społecznej.
Maria Lai - Spazio e Telaio, 1971. Drewno, sznurek, płótno, tempera. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 in). Dzięki uprzejmości Galerie Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Archivio Maria Lai by SIAE 2020 Zdjęcie: Bani
Magdalena Wiecek
Poza muzeami w jej polskiej ojczyźnie, prace Magdaleny Wiecek są trudne do zobaczenia osobiście. Jej praktyka opierała się na humanistycznym badaniu form i relacji. Bardziej związana z organiczną i biomorficzną abstrakcją niż z minimalizmem, jej dorobek obejmował jednak szereg obiektów — od małych rzeźb po monumentalne instalacje — które badają proste przestrzenne i geometryczne zagadnienia sztuki minimalnej. Szczególną uwagę zwracają małe rzeźby z mosiądzu, które znalazły się w wystawie The Female Side of Minimalism w Thaddaeus Ropac, dotykające nie tylko formalnych zagadnień, ale także sugerujące metafizyczne kwestie, takie jak introspekcja i cień ja.
Magdalena Wiecek - Volatile I, 1970. Mosiądz. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 in). Dzięki uprzejmości spadku po Magdalenie Wiecek oraz Galerie Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Spadek po Magdalenie Wiecek
Lolo Soldevilla
Prawie całkowicie nieznana poza swoją rodzinną Kubą, Loló Soldevilla była jednym z kluczowych członków małego awangardowego kolektywu artystów konkretów, który działał w Hawanie w połowie XX wieku. Zmarła w 1971 roku w wieku 70 lat, pozostawiając po sobie wspaniałe dzieła reliefów, obrazów i rysunków, które w zabawny sposób wyrażają przestrzenne i geometryczne zmartwienia. Jej prace były szczególnie ukierunkowane na cele konstruktywne, a nie czysto plastyczne. Włączenie jej do tej rozmowy o minimalizmie wydaje się rozszerzające zarówno dla niej, jak i dla ruchu.
Lolo Soldevilla - Kompozycja, 1954. Struktury drzeworytowe na drewnie. 45,7 x 94 cm (18 x 37 in). © Spadek po Lolo Soldevilla Zdjęcie: Charles Duprat
Anna Ksiądz
Dla mnie, 95-letnia argentyńska artystka Ana Sacerdote jest najbardziej satysfakcjonującym odkryciem w wystawie "Kobieca Strona Minimalizmu". W wystawie znajduje się obraz i film Sacerdote. Film, stworzony w latach 60., to prosta animacja kolorowych form geometrycznych. Sublimnie odnosi się do obrazu, który stworzyła niemal dekadę wcześniej. Jej prace doskonale współczesne są z estetyką minimalizmu, jednocześnie zajmując miejsce w światach sztuki kinetycznej, sztuki komputerowej, sztuki wideo i neo-betonowej.
Verena Loewensberg - Bez tytułu, 1953. Olej na płótnie. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 in). Dzięki uprzejmości Fundacji Vereny Loewensberg i Galerii Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Fundacja Vereny Loewensberg Zdjęcie: Charles Duprat
Weronika Loewensberg
Szwajcarska artystka Verena Loewensberg była dla mnie kolejnym objawieniem na tej wystawie. Jej ciche, kolorowe kompozycje można łatwo umieścić w linii minimalistycznych ikon, takich jak Agnes Martin, jednak są również na tyle żywe i radosne, że oferują intrygujący estetyczny most łączący artystów Bauhausu, takich jak Mondrian i Albers, z ruchami takimi jak Pop Art i Post Painterly Abstraction.
Verena Loewensberg - Bez tytułu, 1963. Olej na płótnie. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 in). Dzięki uprzejmości Fundacji Verena Loewensberg i Galerii Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Fundacja Verena Loewensberg Zdjęcie: Charles Duprat
Shizuko Yoshikawa
Artystka urodzona w Japonii, Shizuko Yoshikawa, ma wiele wspólnego z Vereną Loewensberg pod względem koloru i kompozycji, ale w subtelny sposób skierowała swoją twórczość w unikalne kierunki, szczególnie jeśli chodzi o jej reliefy. Oparte na prostych siatkach, stworzyła trójwymiarowe powierzchnie, które angażują światło i cień, przekształcając monochromatyczną paletę w pozornie świecące, iluzoryczne pola. Wraz z reliefami w wystawie "Kobieca strona minimalizmu" znajdują się także liczne studia geometryczne, które oferują wgląd w intensywne badania, jakie Yoshikawa przeprowadziła na temat geometrii i relacji kolorystycznych.
Shizuko Yoshikawa - farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Lakier i akryl na poliestrze. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 in). Dzięki Fundacji Shizuko Yoshikawa i Josepha Müllera-Brockmanna oraz Galerii Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Fundacja Shizuko Yoshikawa i Josepha Müllera-Brockmanna Zdjęcie: Charles Duprat
Rosemarie Bóbr
Amerykańska artystka Rosemarie Castoro jest być może najbardziej kontrowersyjnym elementem wystawy The Female Side of Minimalism. Castoro powiedziała kiedyś: „Nie jestem minimalistką. Jestem Maximus.” Jej zainteresowania były w dużej mierze koncepcyjne, a nie formalne, a jej prace obejmowały wiele różnych dziedzin, w tym rysunek, rzeźbę i instalację. To, co można by uznać za minimalistyczne w jej twórczości, to jej ogólny język wizualny, który koncentrował się na monochromatycznych paletach kolorystycznych, liniowych kompozycjach i czasami geometrycznych kształtach. Tak samo często jednak zagłębiała się w nawiedzony, niepokojący świat organicznych form, które przywodziły na myśl naturę i ludzkie ciało. W przeciwieństwie do niektórych innych teoretycznych rozciągnięć w tej wystawie, nazywanie Castoro minimalistką wydaje się w rzeczywistości odbierać coś z tego, co próbowała osiągnąć. Niemniej jednak, w jej twórczości jest również coś zasadniczo redukcyjnego, a może dedukcyjnego, w poezji, która przebija się przez wszystkie jej prace, więc jeśli redukcja i dedukcja leżą u podstaw estetyki minimalistycznej, Castoro należy do niej.
Rosemarie Castoro - wrzesień 68, 1968. Ołówek na papierze. Motyw 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 cali) Papier 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 cali) Ramka 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25,75 x 27,5 x 1,75 cali). © Spadek po Rosemarie Castoro. Użyczone przez Anke Kempkes Art Advisory Zdjęcie: Charles Duprat
Obraz wyróżniony: Lolo Soldevilla - Bez tytułu, 1954. Mieszana technika na drewnie. 46 x 72,1 cm (18,125 x 28,375 in). © Spadek po Lolo Soldevilla
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
