Kobieca strona minimalizmu w Thaddaeus Ropac

Co roku różne wystawy ogłaszają prezentację dzieł artystek marginalizowanych, niesprawiedliwie pomijanych w kanonie historycznym. Często jednak te artystki są w rzeczywistości odnoszącymi sukcesy twórczyniami, po prostu nie „sławnymi”, a ich prace rzadko zasługują na zmianę historii. Kobieca strona minimalizmu w londyńskiej galerii Ely House Thaddaeusa Ropaca jest niezwykłym wyjątkiem od tej reguły. Prezentując ponad 70 dzieł powstałych od lat 20. XX wieku do 2000 roku, autorstwa międzynarodowego i międzypokoleniowego grona 13 artystek, kuracja ta przemyślanie poszerza ogólne rozumienie minimalizmu, eksponując wiele artystek, których kariery wnoszą do tego nurtu nieoczekiwane elementy. Wybór prac obejmuje obrazy, rysunki, wideo, fotografie, rzeźby i reliefy, ukazując szerokie pole eksperymentów, które te artystki rozwijały. Choć nie wszystkie artystki na wystawie idealnie wpisują się w definicję minimalizmu, rozmowa, którą ich obecność wywołuje, jest zdecydowanie warta podjęcia. Wystawa, pierwotnie planowana do 18 grudnia 2020 roku, jest obecnie zamknięta z powodu ograniczeń związanych z COVID-19 obowiązujących w Wielkiej Brytanii. Tymczasem przedstawiamy wprowadzenie do ośmiu artystek z wystawy, których twórczość uważamy za szczególnie fascynującą.

Mary Miss

Mary Miss, współzałożycielka czasopisma Heresies, rzadko bywa kojarzona z historią minimalizmu. Jej twórczość jest bardziej znana miłośnikom Land Art i sztuki feministycznej. Jej zainteresowania plastyczne często koncentrują się na eleganckim pojęciu tworzenia jednoczesnego doświadczenia płaskości i przestrzeni. Jako pierwsza artystka wymieniona w przełomowym eseju z 1979 roku „Rzeźba w rozszerzonym polu” Rosalind Krauss, Miss jest daleka od anonimowości. Ta wystawa jednak umieszcza ją w kontekście, który dodaje świeżego wymiaru jej praktyce.

Mary Miss - Relief, 1968. Stal i drut. 41 x 635 cm (16,14 x 250 cali). Dzięki uprzejmości Mary Miss i Galerie Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Mary Miss Foto: Charles Duprat

Maria Lai

Kiedy zmarła w 2012 roku, sardyńska artystka Maria Lai była wciąż w dużej mierze nieznana poza swoją ojczyzną. W 2017 roku sytuacja się zmieniła, gdy jej prace zostały pokazane na Biennale w Wenecji oraz Documenta. Lai, również rzadko kojarzona z minimalizmem, tworzyła dzieła łączące wrażliwość materialną z pamięcią, historią i doświadczeniami wspólnotowymi. Jej najsłynniejszym dziełem był performance z 1981 roku zatytułowany „Związać górę”, w którym mieszkańcy Ulassai, od dzieci po osoby starsze, pomagali przewlec niebieską wstążkę przez całe miasto. Myśląc o tym dziele w kategoriach linii i koloru, z pewnością można je uznać za minimalistyczne. Biorąc pod uwagę jego szerszy wpływ, dzieli ono dziedzictwo z ruchami takimi jak Neo Concrete, Fluxus czy sztuka praktyk społecznych.

Maria Lai - Spazio e Telaio, 1971. Drewno, sznurek, płótno, tempera. 197 x 70 x 30 cm (77,56 x 27,56 x 11,81 cala). Dzięki uprzejmości Galerie Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Archiwum Maria Lai by SIAE 2020 Foto: Bani

Magdalena Więcek

Poza muzeami w Polsce, rodzinnej ojczyźnie, prace Magdaleny Więcek trudno zobaczyć osobiście. Jej twórczość opierała się na humanistycznym badaniu form i relacji. Bardziej związana z abstrakcją organiczną i biomorficzną niż minimalizmem, jej dorobek obejmował jednak wiele obiektów — od drobnych rzeźb po monumentalne instalacje — które eksplorują proste przestrzenne i geometryczne zagadnienia sztuki minimalistycznej. Szczególnie godne uwagi są małe rzeźby z mosiądzu pokazane na wystawie Kobieca strona minimalizmu w Thaddaeus Ropac, które poruszają nie tylko kwestie formalne, ale także sugerują metafizyczne tematy, takie jak introspekcja i cień jaźni.

Magdalena Więcek - Volatile I, 1970. Mosiądz. 65 x 30 x 54 cm (25,59 x 11,81 x 21,26 cala). Dzięki uprzejmości Spadkobierców Magdaleny Więcek i Galerie Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Spadkobiercy Magdaleny Więcek

Lolo Soldevilla

Prawie całkowicie nieznana poza Kubą, swoją ojczyzną, Loló Soldevilla była jedną z kluczowych członkiń niewielkiego awangardowego kolektywu artystów konkretystycznych działającego w Hawanie w połowie XX wieku. Zmarła w 1971 roku w wieku 70 lat, pozostawiając po sobie wspaniały zbiór reliefów, obrazów i rysunków, które z lekkością wyrażają zagadnienia przestrzenne i geometryczne. Jej twórczość była szczególnie ukierunkowana na cele konstruktywne, a nie wyłącznie plastyczne. Uwzględnienie jej w rozmowie o minimalizmie poszerza horyzonty zarówno dla niej, jak i dla nurtu.

Lolo Soldevilla - Composicion, 1954. Drzeworyt na drewnie. 45,7 x 94 cm (18 x 37 cali). © Spadkobiercy Lolo Soldevilla Foto: Charles Duprat

Ana Sacerdote

Dla mnie, 95-letnia argentyńska artystka Ana Sacerdote jest najbardziej satysfakcjonującym odkryciem na wystawie Kobieca strona minimalizmu. Na wystawie pokazano obraz i film Sacerdote. Film, stworzony w latach 60., to prosta animacja kolorowych form geometrycznych. Doskonale współgra z obrazem, który powstał niemal dekadę wcześniej. Jej twórczość znakomicie wpisuje się w estetykę minimalizmu, jednocześnie zaznaczając swoje miejsce w światach sztuki kinetycznej, komputerowej, wideo oraz neo-konkretnej.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1953. Olej na płótnie. 85 x 65 cm (33,46 x 25,59 cala). Dzięki uprzejmości Fundacji Verena Loewensberg i Galerie Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Fundacja Verena Loewensberg Foto: Charles Duprat

Verena Loewensberg

Szwajcarska artystka Verena Loewensberg była dla mnie kolejnym odkryciem na tej wystawie. Jej spokojne, kolorowe kompozycje łatwo można umieścić w linii ikon minimalizmu, takich jak Agnes Martin, a jednocześnie są na tyle żywe i wyraziste, że tworzą intrygujący estetyczny most łączący artystów Bauhausu, takich jak Mondrian i Albers, z nurtami takimi jak pop-art i abstrakcja postmalarstwa.

Verena Loewensberg - Ohne Titel, 1963. Olej na płótnie. 61 x 61 cm (24,02 x 24,02 cala). Dzięki uprzejmości Fundacji Verena Loewensberg i Galerie Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Fundacja Verena Loewensberg Foto: Charles Duprat

Shizuko Yoshikawa

Japońska artystka Shizuko Yoshikawa ma wiele wspólnego z Vereną Loewensberg pod względem koloru i kompozycji, ale skierowała swoją twórczość w subtelnie unikalne kierunki, zwłaszcza jeśli chodzi o reliefy. Opierając się na prostych siatkach, tworzyła trójwymiarowe powierzchnie, które angażują światło i cień, przekształcając w przeciwnym razie monochromatyczną paletę w pozornie świecące, iluzoryczne pola. Wraz z reliefami na wystawie Kobieca strona minimalizmu pokazano także kilka geometrycznych studiów, które dają wgląd w intensywne badania Yoshikawy nad geometrią i relacjami kolorów.

Shizuko Yoshikawa - farbschatten 89/ 3x4, 1979—1980. Lakier i akryl na poliestrze. 75 x 100 cm (29,53 x 39,37 cala). Dzięki uprzejmości Fundacji Shizuko Yoshikawa i Josepha Müllera-Brockmanna oraz Galerie Thaddaeus Ropac, Londyn · Paryż · Salzburg © Fundacja Shizuko Yoshikawa i Josepha Müllera-Brockmanna Foto: Charles Duprat

Rosemarie Castoro

Amerykańska artystka Rosemarie Castoro jest być może najbardziej kontrowersyjnym wyborem na wystawie Kobieca strona minimalizmu. Castoro powiedziała kiedyś: „Nie jestem minimalistką. Jestem Maksymalistką.” Jej zainteresowania były w dużej mierze koncepcyjne, a nie formalne, a jej twórczość obejmowała różne dziedziny, w tym rysunek, rzeźbę i instalację. To, co można by uznać za minimalistyczne w jej pracach, to ogólny język wizualny, oparty na monochromatycznych paletach kolorów, liniowych kompozycjach i czasem geometrycznych kształtach. Jednak równie często zagłębiała się w niepokojący, niesamowity świat organicznych form przywodzących na myśl naturę i ciało ludzkie. W przeciwieństwie do niektórych innych teoretycznych rozciągnięć na tej wystawie, nazywanie Castoro minimalistką wydaje się raczej umniejszać temu, co próbowała osiągnąć. Mimo to w całej jej twórczości przebija się coś zasadniczo redukcyjnego, a może dedukcyjnego, co jeśli redukcja i dedukcja leżą u podstaw estetyki minimalizmu, to Castoro do niej należy.

Rosemarie Castoro - Sept 68, 1968. Grafit na papierze. Motyw 33,66 x 38,1 cm (13,25 x 15 cala) Papier 66,04 x 48,9 cm (26 x 19,25 cala) Rama 65,41 x 69,85 x 4,45 cm (25,75 x 27,5 x 1,75 cala). © Spadkobiercy Rosemarie Castoro. Dzięki uprzejmości Anke Kempkes Art Advisory Foto: Charles Duprat

Zdjęcie główne: Lolo Soldevilla - Bez tytułu, 1954. Technika mieszana na drewnie. 46 x 72,1 cm (18,125 x 28,375 cala). © Spadkobiercy Lolo Soldevilla
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio