Wieczna Warta—6 Niezwykłych Kobiecych Artystek Abstrakcyjnych z Ameryki Łacińskiej

Często mówię o awangardzie w kontekście jej niepowodzeń, co oznacza, że jest to temat, który osadzam w przeszłości, pełen minionych opowieści o eksperymentalnych rzeczach, które artyści kiedyś pisali, tworzyli lub próbowali. Dziś chcę zwrócić uwagę na sześć kobiet – latynoamerykańskich artystek abstrakcji, które moim zdaniem redefiniują awangardę, nie jako coś osadzonego w historii, lecz jako coś nieustannie świeżego i nieokreślonego. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo i Noemi Escandell były w pewnym momencie uznawane za przedstawicielki estetycznej awangardy swoich czasów. Jednak każda z nich opiera się na tym, by nie zostać pogrzebaną pod naporem czasu, ponieważ znaczenie ich idei wykracza poza ich pokolenia. Ich dzieła pozostają dziś tak samo świeże i intrygujące jak zawsze. Uważam, że nie jest to tylko zasługa samej twórczości, lecz także podejścia do pracy artystycznej i nauczania. Większość artystów awangardowych definiuje się przez wyjątkową, awangardową pozycję, którą sami sobie tworzą, pozycję, którą można wyjaśnić lub wzmocnić pismem, a następnie ukazać poprzez unikalny język wizualny i wreszcie kanonizować jako ruch. (Myślę tu o Andym Warholu i Pop Art, Picassie i kubizmie, Mondrianie i neoplastycyzmie itd.) Sześć latynoamerykańskich artystek abstrakcji, o których dziś piszę, unika tego losu, ponieważ ich strategie estetycznej reprezentacji nie są stałe ani w czasie (kulturowym momencie), ani w teorii. Zamiast eksponować określony zestaw idei, ich prace eksplorują to, co być może nigdy nie może zostać zrozumiane, nie mówiąc już o wyrażeniu: nieznane. Ich płynne, nieokreślone dzieła zachęcają widzów do badania ciemności, zamiast skupiać uwagę na tym, co zostało oświetlone.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brazylia)

Lygia Clark nazywała siebie „propozytorką”. Postrzegała swoją sztukę jako oderwaną od historii, związaną raczej z nieustannie zmieniającą się chwilą obecną. Jej prace nie mają z góry ustalonego znaczenia ani celu poza tym, które nadaje im każdy widz w osobistym kontakcie z dziełem. Uwolniła się od historii sztuki i zapewniła sobie miejsce w wiecznej awangardzie, gdy powiedziała: „Obiekt nie istnieje już po to, by wyrażać jakąkolwiek koncepcję, lecz po to, by widz mógł sięgnąć głębiej do samego siebie.”

Gego (1912 - 1994, Niemcy/Wenezuela)

Urodzona i wykształcona w Niemczech Gertrude Goldschmidt, znana również jako Gego, uciekła do Caracas w Wenezueli w 1939 roku, na początku II wojny światowej. To właśnie tam, w Ameryce Południowej, odkryła swoje przeznaczenie jako artystka. Choć malowała, rysowała i rzeźbiła, Gego jest najbardziej znana z instalacji przypominających sieć, które tworzą sieci punktów i linii łączące się w geometryczne wszechświaty wyimaginowanych płaszczyzn. Wielu autorów twierdzi, że jej prace dotyczą linii, ale dla mnie bardziej chodzi o dążenie do ciągłego wyrażania kumulatywnego działania. Mnogość punktów i linii w jej dziełach to projekcje w przestrzeń i czas, które nieustannie wciągają widzów w nieznane.

Carmen Herrera (ur. 1915, Kuba)

Carmen Herrera sprzedała swój pierwszy obraz w wieku 89 lat. W wieku 100 lat miała swoją pierwszą retrospektywę muzealną w Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku. Wielu krytyków, kuratorów i handlarzy próbowało od tamtej pory klasyfikować ją w ramach różnych ruchów artystycznych, takich jak minimalizm, abstrakcja geometryczna czy sztuka konkretna. Jednak to, co pozwala Herrerze opierać się, a wręcz przekraczać te etykiety, to jej całkowite oddanie osobistej wizji. Kiedyś żartowała, że nie pozwoli mieć w domu książki o Picassie, ponieważ patrzenie na Picassa to chęć naśladowania go. Jej jedynym celem, jak mówi, jest podążanie za własnym pragnieniem uproszczenia, czyli tym, co nazywa „procesem usuwania tego, co nieistotne.” Napięcie w jej pracach często wynika z tego spojrzenia w przestrzeń, gdzie stajemy twarzą w twarz nie z tym, co jest, lecz z tym, czego brakuje.

Rondo (Niebieski i Żółty), 1965 Akryl na płótnie autorstwa Carmen Herrera, Amerykanka, urodzona w Hawanie na Kubie, 1915. Źródło: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (ur. 1926, Kuba)

Urodzona na Kubie, Zilia Sanchez mieszka i tworzy w Portoryko od lat 70. Jej formowane płótna wypuklają się ze ściany, jakby obiekty — lub siły — próbowały się przez nią przebić. Ten poetycki gest uwypukla tajemnicę i nawiązuje do uczucia, że to, co widoczne i pozornie tak ważne w chwili obecnej, jest jednocześnie zmieniane na naszych oczach. Ta praca jest ikonicznym przedstawieniem wiecznej awangardy, ponieważ podkreśla fakt, że wszystko jest nieustannie przekształcane przez to, co właśnie się wyłania.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Wenezuela)

Wielu artystów mówi o swojej pracy w kategoriach badań. Mercedes Pardo wyróżniała się nie poszukiwaniem, lecz tworzeniem osobistych spotkań dla swoich widzów. Znana z serii geometrycznych i biomorficznych obrazów abstrakcyjnych, nad którymi pracowała przez dziesięciolecia, faktycznie działała w różnych dziedzinach, w tym w projektowaniu kostiumów, ilustracji książkowej, kolażu i wielkoformatowej sztuce publicznej. Pardo uważała osobiste spotkania ze sztuką za przeciwieństwo — a może antidotum — kultury konsumpcyjnej. Unikała narzucania wzorców, skupiając się zamiast tego na unikalnych doświadczeniach widza z oczyszczoną materią.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentyna)

Ukochana przez swoich uczniów i innych artystów, a obawiana przez politycznych autorytarzy, Noemi Escandell mocno wierzyła, że gesty polityczne i artystyczne są jednym i tym samym. Po śmierci znana jest z abstrakcyjnych, przestrzennych rzeźb i rysunków, które zaczęła tworzyć w latach 60., wizualnie nawiązujących do minimalizmu. Jednak Escandell w trakcie kariery przyjmowała niezwykłą różnorodność strategii wizualnych, by wyrazić swoją główną ideę, którą była wolność. Być może jej najsilniejszym wynalazkiem były tzw. „ręka do ręki” — dzieła sztuki, które muszą być przekazywane między widzami podczas wystawy, zanim zostaną zawieszone na ścianie. Jej prace opierały się na pięknie nieznanego i wychwalały intymne połączenie, które musi istnieć między ludźmi a sztuką, aby obie mogły osiągnąć pełnię możliwości.

Zdjęcie główne: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Aluminium. 86 x 66 x 36 cm (33 9/10 x 26 x 14 1/5 cala). Bergamin & Gomide, São Paulo
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio