Wieczna Warta—6 Niezwykłych Kobiecych Artystek Abstrakcyjnych z Ameryki Łacińskiej

Często mówię o awangardzie w kontekście jej porażek, co oznacza, że jest to temat, który osadzam w przeszłości, pełnej minionych historii o eksperymentalnych rzeczach, które artyści kiedyś pisali, tworzyli lub próbowali. Dziś mam nadzieję zwrócić uwagę na sześć kobiet latynoamerykańskich artystek abstrakcyjnych, które, moim zdaniem, redefiniują awangardę, nie jako coś osadzonego w historii, ale jako coś wiecznie świeżego i nieokreślonego. Lygia Clark, Gego, Carmen Herrera, Zilia Sanchez, Mercedes Pardo i Noemi Escandell w pewnym momencie były uznawane za przedstawicielki estetycznej awangardy swojego czasu. Jednak każda z nich opiera się również temu, by zostać pogrzebaną pod upływem czasu, ponieważ znaczenie ich idei wykracza poza ich indywidualne pokolenia. Ich prace pozostają tak świeże i ciekawe dzisiaj, jak nigdy dotąd. Proponuję, że nie jest to tylko zasługa samej pracy, ale także sposobu, w jaki podchodziły do swojej praktyki jako artystki i nauczycielki. Większość artystów awangardowych definiowana jest przez singularną, awangardową pozycję, którą tworzą dla siebie, pozycję, która może być wyjaśniona lub wzmocniona przez pisanie, a następnie zademonstrowana poprzez unikalny język wizualny, a następnie kanonizowana jako ruch. (Myślę o Andy'm Warholu i Pop Arcie, Picassie i Kubizmie, Mondrianie i Neo-Plastycyzmie itd.) Sześć kobiet latynoamerykańskich artystek abstrakcyjnych, o których piszę dzisiaj, unika tego losu, ponieważ ich strategie reprezentacji estetycznej nie są stałe, ani w czasie (moment kulturowy), ani w teorii. Zamiast uwypuklać określony zestaw idei, ich prace badają to, co być może nigdy nie może być zrozumiane, nie mówiąc już o tym, co można powiedzieć: nieznane. Ich płynne, nieokreślone dzieła zachęcają widzów do zbadania ciemności, zamiast zwracać uwagę na to, co zostało oświetlone.

Lygia Clark (1920 - 1988, Brazylia)

Lygia Clark nazywała siebie „propozycjonistką”. Postrzegała swoją sztukę jako odłączoną od historii, przywiązaną zamiast tego do wiecznie zmieniającego się teraźniejszości. Jej prace nie mają z góry określonego znaczenia ani celu, poza tym, który przypisuje im każdy widz, który w osobisty sposób z nimi interaguje. Uwolniła się od historii sztuki i zapewniła sobie miejsce w wiecznej awangardzie, gdy powiedziała: „Obiekt nie jest już tam, aby wyrażać jakikolwiek koncept, ale aby widz mógł głębiej dotrzeć do samego siebie.”

Gego (1912 - 1994, Niemcy/Wenezuela)

Urodzona i wykształcona w Niemczech, Gertrude Goldschmidt, znana również jako Gego, uciekła do Caracas w Wenezueli w 1939 roku, na początku II wojny światowej. To tam, w Ameryce Południowej, odkryła swoje przeznaczenie jako artystka. Choć malowała, rysowała i rzeźbiła, Gego jest najbardziej znana ze swoich instalacji przypominających sieci, które przedstawiają sieci punktów i linii łączących się w geometryczne uniwersa wyimaginowanych płaszczyzn. Wielu pisarzy mówi, że jej prace dotyczą linii, ale dla mnie bardziej chodzi o dążenie do nieustannego wyrażania kumulacyjnej akcji. Mnogość punktów i linii w jej dziełach to projekcje w przestrzeń i w czas, nieustannie wciągające widzów w nieznane.

Carmen Herrera (ur. 1915, Kuba)

Carmen Herrera sprzedała swój pierwszy obraz w wieku 89 lat. W wieku 100 lat miała swoją pierwszą retrospektywę w muzeum, w Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku. Wielu krytyków, kuratorów i dealerów próbowało od tego czasu sklasyfikować ją w ramach różnych ruchów artystycznych, takich jak minimalizm, abstrakcja geometryczna i sztuka konkretna. Jednak to, co pozwala Herrerze opierać się, a w rzeczywistości transcendować te etykiety, to jej całkowite poświęcenie osobistej wizji. Kiedyś zażartowała, że nie pozwoli, aby w jej domu znalazła się książka o Picassie, ponieważ patrzenie na Picassa oznacza chęć jego kopiowania. Jej jedynym celem, jak mówi, jest podążanie za własnym pragnieniem uproszczenia, lub tym, co nazywa „procesem usuwania tego, co nie jest istotne.” Napięcie w jej pracy często pochodzi z tego wglądu w przestrzeń, w której konfrontujemy się nie z tym, co jest, ale z tym, czego brakuje.

Rondo (Niebieski i Żółty), 1965 Akryl na płótnie autorstwa Carmen Herrera, Amerykanka, urodzona w Hawanie, Kuba, 1915. Źródło: https://flic.kr/p/5vyjn2

Zilia Sanchez (ur. 1926, Kuba)

Urodzona na Kubie, Zilia Sanchez mieszka i pracuje w Portoryko od lat 70. Jej uformowane płótna wypuklają się od ściany, jakby obiekty—lub siły—próbowały przebić się z tyłu. Ten poetycki gest podkreśla tajemnicę i nawiązuje do uczucia, że to, co widoczne i pozornie tak istotne w danej chwili, jednocześnie ulega zmianie na naszych oczach. To dzieło jest ikoniczną reprezentacją wiecznej awangardy, ponieważ agituję za tym, że wszystko jest nieustannie przekształcane przez cokolwiek innego, co jest w procesie wyłaniania się.

Mercedes Pardo (1921 - 2005, Wenezuela)

Wielu artystów mówi o swojej pracy w kategoriach badań. Mercedes Pardo wyróżniała się nie poprzez poszukiwania, ale poprzez tworzenie osobistych spotkań dla swoich widzów. Znana z ciała geometrycznych i biomorficznych abstrakcyjnych obrazów, nad którymi pracowała przez dziesięciolecia swojej kariery, w rzeczywistości pracowała w różnych mediach, w tym w projektowaniu kostiumów, ilustracji książkowej, kolażu i sztuce publicznej w dużej skali. Pardo uważała osobiste spotkania ze sztuką za przeciwieństwo – a może antidotum – kultury konsumpcyjnej. Unikała narzucania wzorców, koncentrując się zamiast tego na unikalnych doświadczeniach widzów z oczyszczonymi materiałami.

Noemi Escandell (1942 - 2019, Argentyna)

Ukochana przez swoich uczniów i innych artystów, a jednocześnie budząca strach wśród politycznych autorytariuszy, Noemi Escandell mocno wierzyła, że gesty polityczne i artystyczne są jednym i tym samym. Po jej śmierci jest znana z abstrakcyjnych, przestrzennych rzeźb i rysunków, które zaczęła tworzyć w latach 60., a które wizualnie odnoszą się do minimalizmu. Jednak Escandell przyjęła niesamowitą różnorodność strategii wizualnych w trakcie swojej kariery, aby reprezentować swoją centralną ideę, jaką była wolność. Być może jej najpotężniejszym wynalazkiem były to, co nazywała "ręka do rąk" — dzieła sztuki, które muszą być przekazywane między widzami na wystawie, zanim zostaną powieszone na ścianie. Jej prace opierały się na pięknie nieznanego i uwydatniały intymne połączenie, które musi istnieć między ludźmi a sztuką, aby obie mogły osiągnąć swój pełny potencjał.

Obraz wyróżniający: Lygia Clark - Bicho Linear, 1960. Aluminium. 33 9/10 x 26 x 14 1/5 in (86 x 66 x 36 cm). Bergamin & Gomide, São Paulo
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio