Pamiętając o Wielkim Robercie Rymanie

Amerykański malarz Robert Ryman zmarł w wieku 88 lat. Jego śmierć ogłoszono w oświadczeniu z jego galerii. Samouk, Ryman stworzył ogromne dzieło, które intrygowało, zachwycało i zadziwiało widzów przez ponad 50 lat. Zdecydowana większość jego obrazów była głównie biała. Ryman zawsze szybko podkreślał, że nie miały one być "białymi obrazami". Raczej opisywał je jako obrazy, w których kolor biały był wykorzystywany jako sposób na uczynienie innych rzeczy widocznymi. Nie próbował sam ujawniać rzeczy. Nie miał społecznej, politycznej ani intelektualnej agendy. Raczej tworzył sytuacje, w których obrazy mogłyby ujawniać się same. Wierzył, że biały jest bardziej odkrywczy niż inne kolory. Porównywał ten efekt do rozlania kawy na białą koszulę. "Kawę widać bardzo wyraźnie," powiedział. "Jeśli rozlejesz ją na ciemnej koszuli, nie widać jej tak dobrze." Jeśli chodzi o pytanie, jakie rzeczy były ujawniane przez biel w jego obrazach, Ryman hojnie pozostawił to widzom. Powiedział: "Czym jest obraz, jest dokładnie tym, co ludzie widzą." Na przestrzeni dziesięcioleci ludzie zgłaszali, że widzą wszelkiego rodzaju rzeczy i nie-rzeczy w jego obrazach. Niektórzy mówią, że widzą kulki bawełny lub formacje chmur. Inni zgłaszają, że widzą konceptualne wyrażenia technicznych procesów malowania. Wiele osób opisuje to, co widzą, jako abstrakcyjne. Ryman jednak nie uważał się za malarza abstrakcyjnego. Uważał swoje obrazy za obiekty samoreferencyjne. "Nie ma symboliki ani historii, którą muszę opowiedzieć," powiedział. Jego ciche, stanowcze naleganie na ten punkt uczyniło go idealnym ambasadorem wiecznej aktualności malarstwa. Tworząc setki pięknych obrazów, niemal nie odbiegając od użycia jednego koloru, Ryman niewątpliwie udowodnił, że nieskończona różnorodność obrazów wciąż czeka na stworzenie.

Obrazy, nie zdjęcia

Robert Ryman urodził się w Nashville, Tennessee w 1930 roku. Po ukończeniu studiów służył w Armii USA jako muzyk, grając w zespole rezerwy armii podczas wojny koreańskiej. Kiedy w 1953 roku przeprowadził się do Nowego Jorku, miał zamiar zostać muzykiem jazzowym, a nie malarzem. Nigdy wcześniej nie brał nawet udziału w zajęciach z sztuki. Jego główną ambicją było po prostu znalezienie pracy w mieście z jak najmniejszą odpowiedzialnością, aby mógł w pełni skupić się na swoim twórczym życiu. Ryman przyjął posadę strażnika w Muzeum Sztuki Nowoczesnej. To tam zobaczył swoje pierwsze obrazy. Na początku nie zdawał sobie sprawy, że to, co ogląda, to obrazy w ścisłym tego słowa znaczeniu. Postrzegał rzeczy wiszące na ścianach muzeum jako obrazy. Uważał ich powierzchnie i materiały za drugorzędne w porównaniu do tematu, który obrazy miały przekazać.

Robert Ryman - Attendant, 1984. Olej na włóknie szklanym z aluminium, śrubami i wkrętami. 51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131,8 x 119,4 x 5,4 cm). Fundusz Anne i Sida Bassa. Kolekcja MoMA. © 2019 Robert Ryman

Jego umysł zmienił się, gdy po raz pierwszy zobaczył obraz autorstwa Marka Rothko. Ryman powiedział: „Nigdy wcześniej nie widziałem obrazu w ten sposób. Cały czas patrzyłem na zdjęcia, a tutaj było coś, co miało zupełnie inne odczucie.” Rothko nie postrzegał swoich obrazów jako zdjęć. Uważał je za transcendentalne bramy. Zamierzał, aby powierzchnia, farba, kolory, tekstury, światło i fizyczne otoczenie obrazu były częścią tego samego doświadczenia. Chciał, aby widzowie nie patrzyli „na” obrazy, ale zanurzyli się w ich doświadczeniu. Poprzez kontemplację swoich obrazów, Rothko miał nadzieję, że widzowie wejdą w stan kontemplacji - to był prawdziwy cel jego pracy. „Nie wiedziałem, co on robi,” powiedział Ryman. Ale Ryman przynajmniej od tego momentu był świadomy zasadniczej różnicy między obrazami a zdjęciami. Zainspirowany tym objawieniem, udał się do sklepu budowlanego i po raz pierwszy w swoim życiu kupił farby i powierzchnię do malowania.

Robert Ryman - Most, 1980. Olej i farba przeciwrdzewna na płótnie z czterema malowanymi metalowymi złączkami i kwadratowymi śrubami. 75 1/2 x 72 in. (191,7 x 182,8 cm). Konrad Fischer, Düsseldorf, Thomas Ammann, Zurych, Nabyty od powyższego przez obecnego właściciela. © 2019 Robert Ryman

Nigdy nie przestawaj eksperymentować

Nie uczestniczywszy nigdy w akademickim świecie sztuki, Ryman był wolny od wszelkich uprzedzeń, które mogłyby zakłócić jego zrozumienie, jak stworzyć obraz. Otworzył się na każdą możliwość i pozwolił sobie na przyjemność po prostu cieszenia się procesem nakładania farby na powierzchnie. Fascynował się uczuciem swoich różnych narzędzi, sposobami, w jakie oddziaływały z różnymi mediami, oraz sposobami, w jakie te media przekształcały różne powierzchnie. Jego pierwsze obrazy były niemal monochromatyczne—głównie zielone lub pomarańczowe. Ale dominujący kolor nie był jedynym kolorem. "Untitled (Orange Painting)" (1959) jest pokryty plamami żółci, czerwieni, zieleni i błękitu. Pomarańczowy może być pierwszą rzeczą, którą widzi widz, ale wkrótce potem oko, a następnie umysł, przyciągane są do sprzeczności w dziele.

Robert Ryman - Bez tytułu (Pomarańczowy obraz), 1955 i 1959. Olej na płótnie. 28 1/8 x 28 1/8" (71,4 x 71,4 cm). Częściowy i obiecany dar Jo Carole i Ronalda S. Laudera na cześć Davida Rockefellera z okazji jego 100. urodzin. Kolekcja MoMA. © 2019 Robert Ryman

Te sprzeczności to właśnie to, co ostatecznie przyciągnęło Rymana do koloru białego, ponieważ zapewniał on tak wyraźne kontrasty. Jednak pomimo tak dużego polegania na kolorze białym, Ryman nigdy nie stracił poczucia eksperymentowania, które informowało jego najwcześniejsze prace. Był żywym dowodem na to, że ograniczenia rodzą kreatywność. Trzymał się bieli, ale używał dziesiątek mediów. Trzymał się kwadratowego formatu, ale zmieniał rozmiar, od obrazów tak małych jak kilka cali kwadratowych do jednego, który jest zasadniczo kwadratową ścianą. Odkrył różnorodność w rodzajach powierzchni, na których malował, i eksperymentował z tym, jak jego obrazy były przymocowane do ścian. Jedyną rzeczą, którą nie zmieniał, były okoliczności, w jakich jego obrazy były pokazywane. Aby jego obrazy mogły prawidłowo funkcjonować, wierzył, że muszą być wystawione na ścianach czystych, białych galerii z standardowym oświetleniem. Jego tradycjonalizm wystawienniczy opierał się na przekonaniu, że każdy obraz ma coś swojego, co chce wyrazić. "Obraz potrzebuje pewnej czci atmosfery, aby być kompletnym," powiedział kiedyś Ryman Art21. "Musi być w sytuacji, aby mógł się ujawnić."

Obraz wyróżniony: Robert Ryman - Bez tytułu, 1965. Emalia na tekturze bristolowej. 7 3/4 x 8 1/8" (19,7 x 20,6 cm). Kolekcja MoMA. © 2019 Robert Ryman
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio