Dziesięciu latynoskich artystów abstrakcyjnych, których warto znać teraz

Odbicie różnorodności kulturowej otoczenia było centralnym punktem misji BRIC (dawniej Brooklyn Information & Culture) od momentu jego założenia w 1979 roku. Ich najnowsza wystawa, Latinx Abstract, podtrzymuje tę misję, zwracając uwagę na problem, który nieustannie dotyka nie tylko artystów latynoskich, ale także artystów z wielu różnych środowisk: oczekiwanie, że ich rasa, etniczność, płeć lub inne identyfikatory kulturowe muszą być wyraźnie uwzględnione w ich sztuce. W przypadku Latinx Abstract kuratorka Elizabeth Ferrer nie tylko zgromadziła piękną, międzypokoleniową prezentację współczesnej latynoskiej sztuki abstrakcyjnej; udało jej się również zrealizować trudne zadanie zebrania prac artystów, którzy są jednocześnie niedostatecznie eksponowani i wystarczająco dojrzali, aby wspierać dużą instytucjonalną wystawę (co nie jest łatwe do zrobienia). Wystawy takie jak ta z natury zapraszają do krytyki: żadna wystawa artystów latynoskich abstrakcyjnych nie może być kiedykolwiek kompletna. To tylko jeden z powodów, dla których uwielbiam tę wystawę: koncepcja jest odważna. Jeśli będziesz czekać na poprawienie historii, aż będziesz mógł uwzględnić wszystkich i wszystko, zmiana nigdy nie nastąpi. Kuratorski fokus Latinx Abstract stawia również inne, z natury trudne pytanie: jak może wystawa instytucjonalna uwolnić marginalizowanych artystów od bycia definiowanymi i uciskanymi przez potrzebę dostosowania się do swojej tożsamości kulturowej, jeśli jednocześnie wykorzystuje tę tożsamość kulturową jako kuratorską koncepcję wystawy? Didaktyka na ścianach wystawy jasno pokazuje, że Ferrer zdaje sobie sprawę, że reprezentacja i identyfikacja są skomplikowane, ale zakorzenione w empatii. Wystawa odnosi sukces dzięki przestrzeni, którą tworzy (dosłownie i metaforycznie), w której można dyskutować o kolonialnych, patriarchalnych siłach, które ukształtowały historię sztuki abstrakcyjnej — przestrzeni, jak powiedział Wilfredo Lam, „aby zakłócić sny wyzyskiwaczy.” Oto głębsze spojrzenie na dziesięciu latynoskich artystów abstrakcyjnych, którzy zostali zaprezentowani na wystawie.

Candida Alvarez

Urodzona w Brooklynie w 1955 roku, w rodzinie, która przeprowadziła się tam z Puerto Rico, Candida Alvarez rozwinęła charakterystyczny język wizualny, który zdaje się unosić pomiędzy biomorficzną abstrakcją a malarstwem krajobrazowym. Jej kompozycje oszukują oko, jakby na przemian przechodziły od głębi do całkowitej płaskości. Pojęcia kobiecości i męskości są kwestionowane, gdyż kompozycje na przemian zdają się odnosić zarówno do wojennego kamuflażu, jak i do patchworku.

Karlos Carcamo

Urodzony w 1967 roku w San Salvador, El Salvador, Karlos Cárcamo dorastał w dzielnicy Jamaica w Queens, Nowy Jork. Jego praktyka obejmuje zarówno rzeźbę, jak i malarstwo, ale to jego obrazy są częścią praktyki najbardziej zakorzenioną w współczesnej abstrakcji. Jego dwie najbardziej znane serie to obrazy Kase, które są malarskimi, niemal monochromatycznymi dziełami, oraz seria Hard Edge, która nakłada solidne kolorowe prostokąty na gesturalne, sprayowane oznaczenia. Obie te serie bawią się wszechobecną estetyką usuwania graffiti w miastach, a środek do usuwania graffiti jest powszechnym medium w jego pracy.

Karlos Cárcamo - Kase Painting (P6) - 2019. Lateks, spray, środek do usuwania graffiti, kolaż na płótnie w ramie z odzyskanego sklejki. 28” x 24”.

Maria Chavez

Urodzona w Limie w Peru, Maria Chavez jest artystką dźwięku i instalacji. Używa gramofonów, czasami uszkodzonych, aby tworzyć doświadczenia dźwiękowe, które opierają się na charakterystycznej architekturze danego miejsca, łącząc pojęcia specyfiki miejsca z kwestiami związanymi z dźwiękiem i przestrzenią.

Alejandro Guzman

Urodzony w Portoryko artysta Alejandro Guzman tworzy przejmujące, totemiczne rzeźby, które balansują pomiędzy całkowitą abstrakcją a antropomorficzną postacią. Jego język materiałowy czerpie z kultury rdzennych mieszkańców oraz masowego społeczeństwa konsumpcyjnego, tworząc szereg odniesień dla widzów, które sugerują postkolonialną kulturową całość w procesie stawania się.

Medina Glendalys

Urodzona w Portoryko i wychowana w Bronksie w Nowym Jorku, Glendalys Medina łączy wzory inspirowane wszystkim, od technologii bliskiej, przez geometrię, po hip hop i samopomoc, tworząc abstrakcyjne obrazy i rzeźby, które wyzywają widzów do kwestionowania ich istniejących pojęć rozpoznawania. Jej prace zasadniczo polegają na tworzeniu ram dla osobistego zakłócenia, ponieważ wzywają widzów do ucieczki od ich programowania i dążenia do indywidualistycznej perspektywy.

Freddy Rodriguez

Urodzony w Santiago de los Caballeros w Dominikanie w 1945 roku, Freddy Rodriguez studiował sztukę w Nowym Jorku w czasach, gdy Abstrakcja Geometryczna i Minimalizm stykały się z Ekspresjonizmem Abstrakcyjnym i Pop Art. Rodrigues wchłonął wszystkie te wpływy i nieustannie, bez strachu eksperymentował z nimi, dążąc do znalezienia nowych sposobów wyrażania swojego osobistego dziedzictwa i punktu widzenia. Udało mu się uniknąć zdefiniowania przez konkretny styl, zamiast tego wyginając różne podejścia estetyczne, aby wyrazić swoją własną, charakterystyczną perspektywę.

Freddy Rodriguez - Ella sola, 1974. Akryl na płótnie. 64 x 36 cali. Dzięki uprzejmości Hutchinson Modern & Contemporary

Fanny Sanin

Urodzona w 1938 roku w Bogocie, Kolumbijka, Fanny Sanín studiowała sztukę w trzech różnych krajach, uzyskując dyplom na Uniwersytecie Los Andes w Bogocie, a następnie studiując grafikę na Uniwersytecie Illinois, a potem grawerowanie w Chelsea School of Art w Londynie. Jej uderzające studia geometryczne i obrazy łączą architektoniczną strukturę z niemal spirytualistycznym poczuciem koloru i równowagi. Jej obrazy uwalniają wybuchy koloru w sposób, który sprawia, że wydają się promieniować światłem.

Mary Valverde

Używając mieszanki codziennych materiałów, takich jak włóczka, papier i taśma, oraz materiałów naładowanych kulturowo, takich jak kawa i kakao, Mary Valverde tworzy obrazy, rzeźby i instalacje, które wywołują poczucie spirytualizmu i świętej geometrii. Jej instalacje sugerują pewnego rodzaju funkcjonalny charakter religijny, ale praca pozostaje abstrakcyjna. To stawia wyzwanie przed widzami, którzy muszą zmierzyć się z własnymi wcześniejszymi skojarzeniami, które wynikają z ich relacji zarówno z materiałami, jak i architekturą.

Vargas-Suarez Universal

Urodzony w Meksyku w 1972 roku, Vargas-Suarez Universal tworzy murale, obrazy i tekstylia, które łączą wizualne języki starożytnych rzemiosł rdzennych i współczesnej mikrotechnologii. Formy i kształty w jego pracach zamieszkują liminalną przestrzeń między pełnym znaczenia symbolem a czystą dekoracją. Jego kompozycje wykorzystują formy i wzory w nieoczekiwany i krzywy sposób, sugerując, że w tle działają złowieszcze, nieznane plany.

Sara Zapata

Jako „Amerykanka o peruwiańskim pochodzeniu, lesbijka wychowana w chrześcijańskim domu ewangelickim i Texanka mieszkająca w Brooklynie”, Sarah Zapata prowadzi życie przesiąknięte oczekiwaniami dotyczącymi różnych typów tożsamości. Jej prace łączą wizualne języki modernistycznej abstrakcji z różnymi kulturowo naładowanymi materiałami i procesami w sposób, który podważa społeczne stygmaty i przewraca tradycyjne punkty widzenia. Tekstylia, które wykorzystuje w swojej praktyce, nadają jej pracy poczucie jednoczesnej syntetycznej martwoty i naturalnej żywotności.

Obraz wyróżniony: Candida Alvarez - Vision Painting No.15, 2020. Akryl na lnie. 20 x 20. Dzięki uprzejmości artystki oraz Monique Meloche Gallery, Chicago.
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio