Dziesięciu latynoskich artystów abstrakcyjnych, których warto znać teraz

Odzwierciedlanie kulturowej różnorodności otoczenia było kluczowym celem BRIC (dawniej Brooklyn Information & Culture) od momentu jego założenia w 1979 roku. Ich najnowsza wystawa, Latinx Abstract, podtrzymuje tę misję, zwracając pilną uwagę na problem, który nieustannie dotyka nie tylko artystów latynoskich, ale także twórców z różnych środowisk: oczekiwanie, że ich rasa, pochodzenie etniczne, płeć lub inne kulturowe cechy muszą być wyraźnie poruszane w ich sztuce. W przypadku Latinx Abstract kuratorka Elizabeth Ferrer nie tylko zebrała piękną, międzypokoleniową prezentację współczesnej abstrakcji latynoskiej; udało jej się także wykonać trudne zadanie zgromadzenia prac artystów, którzy są jednocześnie niedostatecznie eksponowani, a zarazem na tyle dojrzali, by wesprzeć dużą instytucjonalną prezentację (co nie jest łatwe). Wystawy takie jak ta z natury zapraszają do krytyki: żadna prezentacja artystów latynoskich tworzących abstrakcję nie może być kompletna. To tylko jeden z powodów, dla których kocham tę wystawę: koncepcja jest odważna. Jeśli czeka się z poprawianiem historii, aż będzie można uwzględnić wszystkich i wszystko, zmiana nigdy nie nastąpi. Kuratorskie skupienie Latinx Abstract porusza także inne trudne pytanie: jak instytucjonalna wystawa może uwolnić zmarginalizowanych artystów od bycia definiowanymi i uciskanymi przez konieczność manifestowania swojej tożsamości kulturowej, jeśli jednocześnie używa tej tożsamości jako kuratorskiego pomysłu na wystawę? Teksty na ścianach wystawy jasno pokazują, że Ferrer zdaje sobie sprawę, iż reprezentacja i identyfikacja są skomplikowane, ale zakorzenione w empatii. Wystawa odnosi sukces dzięki przestrzeni, którą tworzy (dosłownie i w przenośni), w której można dyskutować o kolonialnych, patriarchalnych siłach, które ukształtowały historię sztuki abstrakcyjnej — przestrzeni, jak powiedział Wilfredo Lam, „by zakłócać sny wyzyskiwaczy”. Oto głębsze spojrzenie na dziesięciu latynoskich artystów abstrakcyjnych prezentowanych na wystawie.

Candida Alvarez

Urodzona w Brooklynie w 1955 roku, w rodzinie, która przeprowadziła się tam z Portoryko, Candida Alvarez wypracowała charakterystyczny język wizualny, który zdaje się balansować między biomorficzną abstrakcją a malarstwem pejzażu z lotu ptaka. Jej kompozycje oszukują wzrok, jakby na przemian ukazując głębię i całkowitą płaskość. Pojęcia kobiecości i męskości są kwestionowane, gdy kompozycje na przemian zdają się nawiązywać zarówno do wojennego kamuflażu, jak i do patchworku.

Karlos Cárcamo

Urodzony w 1967 roku w San Salvador, Salwador, Karlos Cárcamo wychował się w dzielnicy Jamaica w Queens, Nowy Jork. Jego twórczość obejmuje zarówno rzeźbę, jak i malarstwo, ale to właśnie obrazy są częścią jego praktyki najbardziej zakorzenioną we współczesnej abstrakcji. Jego dwie najbardziej znane serie to obrazy Kase, które są malarskie, niemal monochromatyczne, oraz seria Hard Edge, w której nakłada solidne kolorowe prostokąty na gesturalne, malowane sprayem znaki. Obie serie bawią się wszechobecną estetyką usuwania graffiti miejskiego, a środek do usuwania graffiti jest powszechnym medium w jego pracach.

Karlos Cárcamo - Obraz Kase (P6) - 2019. Lateks, farba w sprayu, środek do usuwania graffiti, kolaż na płótnie w ramie z odzyskanego sklejki. 28” x 24”.

Maria Chavez

Urodzona w Limie w Peru, Maria Chavez jest artystką dźwięku i instalacji. Używa gramofonów, czasem uszkodzonych, by tworzyć doświadczenia dźwiękowe, które opierają się na charakterystycznej architekturze danego miejsca, łącząc pojęcia specyfiki miejsca z zagadnieniami związanymi z dźwiękiem i przestrzenią.

Alejandro Guzman

Portorykański artysta Alejandro Guzman tworzy przejmujące, totemiczne rzeźby, które balansują między całkowitą abstrakcją a antropomorficzną formą stworzenia. Jego język materiałowy czerpie z kultury rdzennych mieszkańców oraz masowego społeczeństwa konsumpcyjnego, tworząc wachlarz odniesień dla widzów, które sugerują postkolonialną całość kulturową w procesie stawania się.

Glendalys Medina

Urodzona w Portoryko i wychowana w Bronksie w Nowym Jorku, Glendalys Medina łączy wzory inspirowane wszystkim, od nowoczesnej technologii po geometrię, hip-hop i samopomoc, tworząc abstrakcyjne obrazy i rzeźby, które zachęcają widzów do kwestionowania ich dotychczasowych pojęć rozpoznawania. Jej prace zasadniczo dotyczą tworzenia ram dla osobistego zakłócenia, gdyż wzywają widzów do ucieczki od ich programowania i dążenia do indywidualistycznej perspektywy.

Freddy Rodriguez

Urodzony w Santiago de los Caballeros w Dominikanie w 1945 roku, Freddy Rodriguez studiował sztukę w Nowym Jorku w czasach, gdy abstrakcja geometryczna i minimalizm stykały się z ekspresjonizmem abstrakcyjnym i pop artem. Rodriguez przyswoił sobie wszystkie te wpływy i nieustannie, bez lęku eksperymentował z nimi, dążąc do znalezienia nowych sposobów wyrażenia swojego dziedzictwa i punktu widzenia. Udało mu się uniknąć bycia zdefiniowanym przez konkretny styl, zamiast tego wygina różne podejścia estetyczne, by wyrazić swoją własną, charakterystyczną perspektywę.

Freddy Rodriguez - Ella sola, 1974. Akryl na płótnie. 64 x 36 cali. Dzięki uprzejmości Hutchinson Modern & Contemporary

Fanny Sanín

Urodzona w 1938 roku w Bogocie w Kolumbii, Fanny Sanín studiowała sztukę w trzech różnych krajach, zdobywając dyplom na Uniwersytecie Los Andes w Bogocie, następnie studiując grafikę na Uniwersytecie Illinois, a potem grawerunek w Chelsea School of Art w Londynie. Jej uderzające geometryczne studia i obrazy łączą architektoniczną strukturę z niemal duchowym poczuciem koloru i równowagi. Jej obrazy wykorzystują eksplozje barw w sposób, który sprawia, że zdają się one promieniować światłem.

Mary Valverde

Używając mieszanki codziennych materiałów, takich jak włóczka, papier i taśma, oraz materiałów o silnym ładunku kulturowym, jak kawa i kakao, Mary Valverde tworzy obrazy, rzeźby i instalacje, które wywołują poczucie duchowości i świętej geometrii. Jej instalacje sugerują pewien funkcjonalny charakter religijny, ale prace pozostają abstrakcyjne. To stanowi wyzwanie dla widzów, którzy muszą zmierzyć się ze swoimi własnymi uprzedzeniami, wypływającymi z relacji zarówno z materiałami, jak i architekturą.

Vargas-Suarez Universal

Urodzony w Meksyku w 1972 roku, Vargas-Suarez Universal tworzy murale, obrazy i tkaniny, które łączą wizualne języki starożytnych rzemiosł rdzennych mieszkańców z współczesną mikro technologią. Formy i kształty w jego pracach zajmują graniczną przestrzeń między pełnym znaczeń symbolem a czystą dekoracją. Jego kompozycje wykorzystują formy i wzory w nieoczekiwany i niestabilny sposób, sugerując, że działają złowrogie, nieznane plany.

Sarah Zapata

Jako „Amerykanka o peruwiańskim pochodzeniu, lesbijka wychowana w chrześcijańskim domu ewangelickim i Teksańska mieszkająca w Brooklynie”, Sarah Zapata żyje życiem pełnym oczekiwań dotyczących różnych rodzajów tożsamości. Jej prace łączą wizualne języki modernistycznej abstrakcji z różnymi kulturowo nacechowanymi materiałami i procesami w sposób, który podważa społeczne piętna i obala tradycyjne punkty widzenia. Tkaniny, których używa w swojej praktyce, nadają jej pracom poczucie bycia jednocześnie syntetycznie martwymi i naturalnie żywymi.

Zdjęcie główne: Candida Alvarez - Vision Painting No.15, 2020. Akryl na lnie. 20 x 20. Dzięki uprzejmości artystki i galerii Monique Meloche, Chicago.
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio