Nieśmiertelne Dziedzictwo Jacka Whittena

Jack Whitten—znany malarz abstrakcyjny, filozof społeczny i lider kultury—zmarł w wieku 78 lat. W trakcie swojej ponad pięćdziesięcioletniej kariery wystawienniczej Whitten stworzył artystyczne dziedzictwo oparte na tej samej zasadzie, którą kierował się w życiu — że zmieniając nasze postrzeganie, możemy stworzyć bardziej pokojową kulturę. W pracowni był konsekwentny w koncepcjach, estetycznie dynamiczny i niestrudzonym eksperymentatorem. Większość artystów ma szczęście wypracować jedną unikalną wizualną pozycję w trakcie kariery. Whitten rozwinął ich kilka. Jego podejście było tak innowacyjne i eksperymentalne, że często bywał niezrozumiany, nawet przez swoich zwolenników. Ta rzeczywistość sprawiła, że przez większość życia Whitten był niedoceniany przez rynek i niedostatecznie uznawany w dyskusjach historyczno-artystycznych. Jednak w ciągu ostatnich piętnastu lat nastawienie handlarzy sztuki i kolekcjonerów zaczęło w końcu nadążać za Whittenem, a jego prace pojawiły się na ponad 40 wystawach. Ludzie zaczynają doceniać, że pomimo różnorodności stylów stosowanych przez Whittena, jego twórczość łączy wiele wspólnych elementów. Na przykład idea warstw jest ważna dla wszystkiego, co Whitten stworzył. Tak samo ważna jest koncepcja percepcji. Światło również odgrywa istotną rolę. Podobnie jak wzór. Te cztery elementy odnoszą się do tego, co Whitten luźno określał jako swój „światopogląd”. Jak wyjaśnił, „Światopogląd to kosmiczne oświadczenie bytu.” Jego światopogląd zakładał, że światło pomaga nam postrzegać; percepcja pomaga rozpoznawać wzory; wzory prowadzą do formułowania naszych przekonań; a nasze przekonania decydują o tym, jak strukturyzujemy społeczeństwo. Whitten nalegał, że sztuka może być potężnym czynnikiem zmiany, ponieważ oddziałuje na naszą percepcję i może pomóc stworzyć bardziej etyczny i empatyczny świat.

Sztuka jest naszą jedyną nadzieją

Whitten po raz pierwszy dostrzegł transformującą moc sztuki w swoich wczesnych latach dwudziestych. Postrzegał ją jako sposób radzenia sobie z tym, co do tej pory było dla niego przerażającym doświadczeniem świata. Opisywał dorastanie na południu Stanów Zjednoczonych jasno — nieustanny rasizm i przemoc wymierzone w niego i każdą inną osobę o innym kolorze skóry. W 1960 roku, mając 21 lat, opuścił swój rodzinny stan Alabama i nigdy do niego nie wrócił. Przeprowadził się do Nowego Jorku i zapisał się do Cooper Union. Czternaście lat później jego prace były już doceniane na solowej wystawie w Whitney Museum of American Art. Wiele z prac na tej wystawie należało do tego, co uważa się za jego pierwszą ikoniczną pozycję wizualną — tzw. „obrazy płytowe”. Aby je stworzyć, Whitten kładł swoje płótna na podłodze i rozprowadzał po nich farbę za pomocą rakli. Gdy jedna warstwa farby wysychała, nakładał kolejną i tak dalej. Budował warstwy aż powierzchnia stała się gęsta i przestrzenna. Każdy podkład kolorystyczny przebijał się ostatecznie na wierzch.

Jack Whitten - Bez tytułu, 1968, pastel na papierze, 28,9 × 50,2 cm, zdjęcie dzięki Allan Stone Projects, Nowy Jork

Dla Whittena te obrazy były filozoficzną próbą przełamania się do alternatywy poza jego brutalną przeszłością. Były próbą nie tyle odkrycia tego, co uniwersalne, ile raczej tego, co istnieje poza jaźnią. Wierzył, że kultura jest pełna stereotypów, a proces pracy, pozwalający różnym kolorom i warstwom prześwitywać w ostatecznej, abstrakcyjnej kompozycji, był sposobem na zniszczenie oczekiwań, na których opierają się te stereotypy. Jego „obrazy płytowe” są zaproszeniem do zastanowienia się, co się dzieje; do kwestionowania, jak coś jest stworzone; do analizy istniejących założeń; i do myślenia o czymś innym niż to, co znane. Postrzegał je jako bezpośrednią próbę zmylenia sztywnego myślenia. Jak powiedział kiedyś, „Sztuka ma moc burzenia barier wzniesionych przez prostodusznych fundamentalistycznych myślicieli, którzy próbują utrzymać władzę. Jeśli fundamentalistom straszne są czerwony, żółty i niebieski, to czerwony, czarny i zielony albo różowy i lawendowy muszą im się śnić koszmary!”

Jack Whitten - solowa wystawa w Hauser & Wirth, Nowy Jork, 26 stycznia – 8 kwietnia 2017, widok instalacji, zdjęcie dzięki Hauser & Wirth, Nowy Jork

Nie cel, lecz struktura

Gdy tylko Whitten zyskał rozgłos dzięki swoim „obrazom płytowym”, porzucił tę technikę i zaczął pracować w stylu kolażu, używając wyschniętych kawałków farby akrylowej jako płytek. Za pomocą tych płytek tworzył coś na kształt mozaik. Zdał sobie sprawę, że nie układając tych kawałków farby płasko, odbijają one światło inaczej, dodając pracom wymiaru i życia. Stało się to jego kolejną ikoniczną pozycją wizualną. Przez lata rozwijał tę technikę, aż w końcu zaczął robić formy do swoich płytek farby, zamiast polegać na odłamkach farby. Nazwał te formowane płytki farby „gotowcami” i używał ich do tworzenia architektonicznych kompozycji przypominających mury z cegieł. Tą techniką tworzył swoje „obrazy pamiątkowe”, takie jak 9-11-01, upamiętniające ataki na World Trade Center, których był świadkiem z mieszkania w Tribeca. Jednak nawet ta technika, która okazała się najpopularniejsza wśród kolekcjonerów i instytucji, nie była jego ostatecznym estetycznym celem. Eksperymentował i rozwijał się aż do końca życia.

Jack Whitten - solowa wystawa w Hauser & Wirth, Nowy Jork, 26 stycznia – 8 kwietnia 2017, widok instalacji, zdjęcie dzięki Hauser & Wirth, Nowy Jork

Istnieje wiele frazesów odnoszących się do metafizycznego pytania, co jest ważniejsze w życiu: podróż czy cel. Whitten miał ulubione powiedzenie, które przejął od swojego byłego galerzysty Allana Stone’a. Brzmiało ono: „Nie ma celu.” Dla Whittena życie istniało na kontinuum — drodze donikąd. Liczyły się dla niego tylko procesy — procesy widzenia; myślenia; eksperymentowania; tworzenia. Przez całą karierę pozostał wierny przekonaniu, że zawsze czeka coś nowego za zakrętem. Jak muzyk jazzowy grający w określonej tonacji, nadawał sobie podstawowe struktury — intelektualne punkty wyjścia oparte na kluczowych filozofiach. A potem improwizował. Wzory, warstwy i światło, które pozostawił nam do podziwiania, oferują ścieżki do nowych systemów percepcji. Pokazują drogę naprzód ku czemuś głębszemu i ważniejszemu niż jaźń.

Jack Whitten - Czarny Monolit, II: Hołd dla Ralpha Ellisona Niewidzialnego Człowieka, 1994, akryl, melasa, miedź, sól, węgiel, popiół, czekolada, cebula, zioła, rdza, skorupka jajka, żyletka na płótnie, 147,3 × 132,1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork

Zdjęcie główne: Jack Whitten - Pięć dekad malarstwa, galerie Target i Friedman, 13 września 2015 – 24 stycznia 2016, organizacja Muzeum Sztuki Współczesnej w San Diego

Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio