Nieskończona sztuka Yayoi Kusama

Yayoi Kusama jest ponadczasowa. Mając prawie 90 lat, ta wizjonerska artystka wciąż pracuje w swoim studiu codziennie od dziewiątej rano do szóstej wieczorem. Kiedy kończy każdej nocy, wraca do swojego domu w pobliskim szpitalu psychiatrycznym, gdzie zdecydowała się mieszkać przez ostatnie 40 lat. Ikoniczne dzieła, za które Kusama stała się sławna, takie jak jej obrazy Infinity Net i jej lustrzane Infinity Rooms, często pochodzą z halucynacji, które doświadcza Kusama. Odnośnie jednej z takich halucynacji, którą miała w 1954 roku, powiedziała: „Pewnego dnia patrzyłam na czerwone wzory kwiatów na obrusie na stole, a kiedy spojrzałam w górę, zobaczyłam ten sam wzór pokrywający sufit, okna i ściany, a w końcu wszędzie w pokoju, na moim ciele i w wszechświecie. Czułam, jakbym zaczęła się samozatracać, kręcić w nieskończoności bez końca czasu i absolutności przestrzeni, i być zredukowaną do nicości.” Zamiast ukrywać lub odrzucać je, Kusama przyjmuje swoje wizje i poświęciła swoje życie na wyrażanie przez swoją sztukę tego, co postrzega jako ich istotną prawdę: że wszyscy jesteśmy równymi częściami wiecznego, nieskończonego wszechświata.

Wzrost kropek

Jeśli jest jeden element estetyczny, z którego Yayoi Kusama jest najbardziej znana, to są to kropki. Pochodzenie kropek w jej twórczości sięga jej młodości. Kusama urodziła się w 1929 roku w Matsumoto, w prefekturze Nagano w Japonii. Już w młodym wieku wiedziała, że będzie artystką. Jednak jej matka nalegała, aby przygotowała się do życia domowego jako żona bogatego mężczyzny. Pomimo codziennych wyrzutów matki i wyrzucania jej przyborów artystycznych, Kusama kontynuowała rysowanie i malowanie. Jednym z najwcześniejszych dzieł, które mamy od niej, jest portret jej matki, której twarz pokryta jest kropkami, noszącą kimonę w kropki, stojącą pod nocnym niebem wypełnionym kropkami.

Dla Kusamy kropki w groszki mają symboliczne znaczenie. Pojawiają się w niezliczonych ilościach w jej obrazach, na jej rzeźbach, w jej instalacjach, na ciałach i ubraniach wykonawców, z którymi współpracuje, w jej modzie i w produktach, które projektuje. Mówi, że kropki w groszki reprezentują wszystko we wszechświecie, od gwiazd i planet po poszczególne osoby. Przykrywając rzeczy kropkami w groszki, wyraża ideę, że wszystkie rzeczy składają się z tej samej materii, chociaż przybierają różne formy. Jak powiedziała w swojej autobiograficznej książce Infinity Nets, “Czerwone, zielone i żółte kropki w groszki mogą być okręgami reprezentującymi ziemię, słońce lub księżyc. Ich kształty i to, co oznaczają, nie mają naprawdę znaczenia. Maluję kropki w groszki na ciałach ludzi, a dzięki tym kropkom ludzie znikną i powrócą do natury wszechświata.”

Yayoi Kusama - A Pumpkin GB-D, 2004, photo credits of Moin Gallery, © Yayoi Kusama

Podróż do nieskończoności

Yayoi Kusama miała swoją pierwszą wystawę solową na początku lat 50. w swoim rodzinnym mieście Matsumoto. Prezentowała abstrakcyjne obrazy biomorficznych kompozycji wypełnionych skomplikowanymi sieciami kropek i linii. Mimo że odniosła pewien sukces, Kusama zdała sobie sprawę, że jej ambicje dotyczące globalnej sławy wymagają opuszczenia Japonii. W 1957 roku podjęła decyzję i przeprowadziła się do Seattle w stanie Waszyngton. Jednak po roku w Seattle Kusama zrozumiała, że centrum amerykańskiego świata sztuki znajduje się w Nowym Jorku. Napisała do artystki Georgii O’Keeffe i poprosiła ją o radę, co zrobić. O’Keeffe odpowiedziała, a w następnym roku Kusama z powodzeniem przeprowadziła się do Nowego Jorku.

W ciągu roku Yayoi Kusama cieszyła się wystawami indywidualnymi w Nowym Jorku i kilku innych miastach wschodniego wybrzeża. W 1961 roku przeniosła swoje studio do tego samego budynku, co Donald Judd i Eva Hesse, którzy oboje stali się jej bliskimi przyjaciółmi. Prace, które Kusama tworzyła w tym czasie, koncentrowały się na idei akumulacji. Malowała duże obrazy Infinity Net, składające się z akumulacji kropek, oraz rzeźby z akumulacjami fallusów. Następnie w 1963 roku miała przełom, który rozszerzył jej ideę akumulacji na wieczność. Przełom ten przyjął formę Infinity Mirror, zamkniętego pomieszczenia, w którym każda powierzchnia pokryta jest lustrami. Wprowadzając kolorowe światła, malowane kropki lub obiekty pokryte kropkami do lustrzanego pomieszczenia, akumulacja kropek mogła rozciągać się w nieskończoność w to, co wydaje się być nieskończoną przestrzenią.

Yayoi Kusama - Mirrored room, 1997, photo credits of Sakurado Fine Arts, © Yayoi Kusama

Kochaj siebie

Jej obrazy, rzeźby i Infinity Mirrors przyciągnęły wiele uwagi krytyków do Yayoi Kusama, a w 1966 roku została zaproszona do udziału w Biennale w Wenecji. Opierając się na swoich podwójnych ideach akumulacji i kropek, stworzyła instalację na świeżym powietrzu na targi, którą nazwała Narcissus Garden. W mitologii greckiej, Narcyz był wyjątkowo pięknym młodym mężczyzną, który stał się tak obsesyjnie zakochany w swoim odbiciu, że został przez nie sparaliżowany, w końcu nie mogąc zrobić nic innego, jak tylko wpatrywać się w siebie, aż umarł. Dla Narcissus Garden Kusama stworzyła setki małych, lustrzanych kul i zgromadziła je w akumulacji na trawiastym wzgórzu.

Kusama wywiesiła znak obok Narcissus Garden, na którym napisano „Twój narcyzm na sprzedaż”, wraz z ofertą sprzedaży lustrzanych kul za 2 dolary (US) każda. Znak zdenerwował organizatorów targów, którzy kazali jej go zdjąć, ale nie przed tym, jak niektórzy szczęśliwi widzowie mogli kupić kulę. To, co jest niezwykłe w Narcissus Garden, to fakt, że w rękach Kusamy, w przeciwnym razie odrażający Narcyz, staje się postacią współczującą. Każda kula reprezentuje jedną osobę, a jednak każdy widz podziwiający dzieło może również zobaczyć obraz każdego innego widza w każdej kuli. To wyraz miłości do samego siebie, ale także wyraz idei, że podziwiając siebie, automatycznie podziwiamy innych.

Yayoi Kusama - Narcissus Garden, 1966-2011, photo credits Galerie Mitterand, © Yayoi Kusama

Powrót do Japonii

Praca, którą Yayoi Kusama osiągnęła w latach 60. XX wieku, była inna niż wszystko, co wyobrażali sobie jej współcześni. Wielu z nich, w tym Claes Oldenburg i Andy Warhol, kopiowało jej pomysły. Najbardziej bezczelnie, artysta urodzony w Grecji, Lucas Samaras, zbudował w 1966 roku lustrzaną salę, dzieło, które zostało uznane za przełomowe. Ale oczywiście, Kusama zrealizowała ten pomysł trzy lata wcześniej. Mimo że była wystarczająco uznawana, by ją kopiować, Kusama ledwo zarabiała na życie ze swojej sztuki. Niezłomna w swoich ambicjach, pracowała tak ciężko, że ostatecznie musiała zostać hospitalizowana z powodu wyczerpania. A w 1973 roku w końcu stała się tak zmęczona i przygnębiona, że wróciła do Japonii czując się chora i pokonana.

Ale jej kreatywność wkrótce na nowo się ujawniła. W Japonii Kusama zaczęła pisać, kończąc kilka awangardowych powieści oraz książek z opowiadaniami i wierszami. Kręciła również filmy i próbowała swoich sił jako handlarz sztuką. Jednak w 1977 roku, wciąż dręczona halucynacjami i paraliżującym strachem, zgłosiła się do szpitala psychiatrycznego, w którym mieszka do dziś. Nie było to dla niej porażką, aby zamieszkać w szpitalu. Poszła tam, aby zrozumieć swój stan i aby mogła nadal badać go poprzez swoją sztukę.

Yayoi Kusama - Guidepost to the Eternal Space, 2015, Yayoi Kusama: Infinity Theory at Garage Museum of Contemporary Art, Moscow, photo by Lily Idov

Nienawistnicy pokochają

"Jeśli ten tekst brzmi bardziej jak list miłosny do Yayoi Kusama niż jak artykuł informacyjny, przyznaję, że mam pewne uprzedzenia na rzecz jej twórczości. Ale będę również sprawiedliwy i przyznam, że są tacy, którzy nie doceniają tego, co Kusama osiągnęła. W latach 60. na przykład, rozwścieczyła krytyków swoimi licznymi publicznymi orgiami Happeningami, podczas których pokrywała nagich uczestników kropkami, a następnie chodziła wśród nich w kombinezonie w kropki, organizując ich miłosne aktywności. W ramach jednego z takich Happeningów, zorganizowanego jako protest przeciwko wojnie w Wietnamie, Kusama nawet napisała do ówczesnego prezydenta Richarda Nixona, oferując mu fizyczne połączenie w zamian za zakończenie wojny."

List Yayoi Kusamy do Richarda Nixona, ok. 1968, obrazek za pośrednictwem Tumblr

Niedawno, w 2012 roku, minister sprawiedliwości w Queensland, Australia, potępił publiczne dzieło Kusamy zatytułowane Tysiące oczu, zainstalowane przed budynkiem Sądu Najwyższego w Brisbane. Minister uznał to dzieło za marnotrawstwo pieniędzy, najwyraźniej nie zdając sobie sprawy, że w tym czasie mniej znaczące dzieło Kusamy miało rekord jako najdroższe dzieło sprzedane przez artystkę. Aby stworzyć Tysiące oczu, Kusama ręcznie malowała każde oko. Łatwo poczuć unikalność, a jednocześnie jednorodność obecności każdego z nich. Trudno sobie wyobrazić, co mogło obrazić ministra sprawiedliwości. Może nie podobała mu się myśl o tylu oczach obserwujących jego działania. A może po prostu nie rozumiał przesłania ukrytego na widoku w tym dziele: że wybór, by odrzucić lub docenić cokolwiek, jest wyborem, by odrzucić lub docenić siebie, ponieważ wszyscy jesteśmy jednością.

Yayoi Kusama - Thousands of Eyes, 2012, installation outside of the Supreme Court and District Court building, Brisbane, Queensland, Australia

Obraz wyróżniający: Yayoi Kusama - Miłość wzywa, 2013, lustrzana Nieskończoność, zdjęcie dzięki uprzejmości M. Strassera, Flickr Creative Commons
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio