Dziedzictwo Pionierki Sztuki Abstrakcyjnej, Gillian Ayres

Brytyjska malarka abstrakcyjna i graficzka Gillian Ayres zmarła w wieku 88 lat. Jej śmierć pozostawia pustkę w świecie sztuki, a także w dziedzinach edukacji i bycia wzorem do naśladowania. Ayres była bez wątpienia jedną z najbardziej charyzmatycznych i pewnych siebie nauczycielek sztuki w Wielkiej Brytanii, głównie dzięki całkowitemu przyjęciu niekonformizmu. Uczyła w Bath Academy of Art od 1959 do 1965 roku, wykładała w Saint Martin’s School of Art w Londynie od 1966 do 1978, a następnie w 1978 roku została kierowniczką Katedry Malarstwa w Winchester School of Art. To ostatnie stanowisko miało bardziej charakter zarządczy niż dydaktyczny. Odeszła z niego po ciągłych sporach z administracją szkoły na temat tego, jak, a właściwie czy w ogóle, zarządzać katedrą. Ayres wierzyła, że edukacja artystyczna byłaby lepiej służona bez nadzoru jakiegoś urzędu. Choć było to jej ostatnie oficjalne stanowisko akademickie, Ayres nadal uczyła przez własny przykład. Była wzorem do naśladowania pod względem posiadania zasad i zdecydowanego ich przestrzegania. Jej zasady obejmowały ogromną hojność wobec uczniów i przyjaciół (których często gościła w swoim domu), miłość do szampana i papierosów (której oddawała się aż do końca) oraz całkowitą niechęć do członków tzw. Szkoły Euston Road, kolektywu tradycyjnych realistycznych artystów sprzeciwiających się awangardzie i sztuce abstrakcyjnej. Jej oddanie abstrakcji pomogło zainspirować niezliczonych innych brytyjskich artystów abstrakcyjnych i przyczyniło się do odwrócenia instytucjonalnych uprzedzeń wobec abstrakcji w szkołach, galeriach i muzeach. Dziedzictwo, które miała nadzieję pozostawić, można podsumować słowami, które wypowiedziała w wywiadzie dla Financial Times w 2015 roku. Powiedziała: „Ludzie lubią rozumieć, a ja chciałabym, żeby tego nie robili. Chciałabym, żeby po prostu patrzyli.”

Kształty i przestrzenie

Ayres ukończyła szkołę artystyczną w 1950 roku i podjęła pracę jako asystentka w galerii. Przez sześć lat pracowała tam na pół etatu, jednocześnie malując. Powiedziała, że na początku swojej kariery była głównie pod wpływem Jacksona Pollocka i abstrakcyjnych ekspresjonistów. Jednak to, co ją najbardziej inspirowało, nie były ich tendencje metafizyczne, czyli próby połączenia się z pierwotnym źródłem głębokich, ukrytych emocji. Zamiast tego inspirowały ją ich metody pracy, które wydawały się jej wolne i eksperymentalne. Przyjęła technikę pracy na podłodze i używania swobodnych, lirycznych ruchów podczas malowania. Wiele jej prac z tego okresu można opisać jako obrazy akcji. Często zawierają rozpryski i kapanie farby, gesturalne pociągnięcia pędzla oraz duże, energicznie nakładane pola koloru.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, drzeworyt na japońskim papierze Unryu-shi 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 cala, 85,4 × 163,5 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn

Równocześnie z eksploracją stylu „all-over” w malarstwie akcji, Ayres interesowała się także prostym badaniem kształtów i przestrzeni. Wiele jej obrazów z lat 50. i 60. zawiera luźne kompozycje kół, kwadratów i innych kształtów geometrycznych lub quasi-geometrycznych. Kształty często zdają się unosić wokół siebie w pustce. Te obrazy są czysto abstrakcyjne, ale nie w sensie, że Ayres „abstrahowała” je ze świata naturalnego. Zamiast tego po prostu dążyła do tworzenia kompozycji pozbawionych jakiejkolwiek narracji czy treści figuralnej, ponieważ wierzyła w potencjał abstrakcyjnych obrazów kształtów oddziałujących w przestrzeni, by były „porywające”. Innymi słowy, uważała, że takie obrazy mogą być odurzające. Wierzyła, że ta cecha jest niezbędna, aby ludzie mogli po prostu cieszyć się oglądaniem jej sztuki bez presji logicznego myślenia o niej czy nawet angażowania intelektu.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, drzeworyt na japońskim papierze Unryushi 75gsm, 36 1/5 × 40 9/10 cala, 92 × 104 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn

Rozrzutny kolor

Oprócz miłości do kształtów i przestrzeni, Ayres była entuzjastyczną miłośniczką koloru. Powiedziała kiedyś: „Dla mnie kolor w sztuce jest cudownie rozpieszczający.” Chciała, aby ludzie chłonęli jej obrazy. Uważała je za ucztę dla oczu. Mówiła: „Nie rozumiem, dlaczego nie miałbyś się napełniać, uszczęśliwiać — cieszyć się sobą, ucztować pięknem.” Choć dziś brzmi to jak nieszkodliwy pogląd, był czas, gdy powodowało to głęboką nieufność brytyjskiej publiczności wobec Ayres. Nieufność ta osiągnęła szczyt w 1957 roku, kiedy po udziale w wystawie Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres została zatrudniona do namalowania fresku w jadalni londyńskiej szkoły. Prawie zaraz po ukończeniu fresku, administracja szkoły nakazała jego zakrycie tapetą. Dopiero dekady później, gdy Ayres była już sławna, fresk został odkryty pod tapetą w niemal idealnym stanie.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, drzeworyt na papierze Unryushi 75gsm, 18 4/5 × 22 4/5 cala, 47,8 × 57,9 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn

Uczucie, jakie Ayres żywiła do koloru jako tematu, jest widoczne przez całą jej karierę. W miarę jak jej kompozycje stawały się mniej liryczne, mniej gesturalne, a bardziej uporządkowane i architektoniczne z upływem czasu, jej miłość do koloru tylko się nasilała. W latach 80. rozwinęła nieco kapryśną, świąteczną wizję estetyczną opartą na żywych, jasnych barwach i biomorficznych kształtach. Te późniejsze prace wydają się inspirowane naturą. Niektórzy podejrzewają, że to dlatego, iż w tym okresie życia Ayres przeprowadziła się z rodziną do nadmorskiej, wiejskiej społeczności w Walii. Powiedziała, że warunki tam, zwłaszcza krajobraz, miały na nią duży wpływ. Jednak zawsze podkreślała, że jej prace nie są abstrahowane z natury ani nie są uproszczonymi obrazami krajobrazu. W pewnym sensie najnowsze obrazy Ayres przypominają wycinanki Matisse’a. Obaj artyści przyjęli podobną paletę barw pod koniec kariery i obaj rozwinęli podobne poczucie relacji przestrzennych. Z tym że podczas gdy Matisse dumnie chciał przywołać kształty i formy świata naturalnego w swoich późnych pracach, Ayres do końca pozostawała wierna temu, że jej dzieła nie opierają się na niczym. To po prostu obrazy kolorów i kształtów w przestrzeni, bez znaczenia poza sobą samymi, oferujące czystą przyjemność widzom odważnym na rozkoszowanie się ich pięknem.

Zdjęcie główne: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, drzeworyt na japońskim papierze Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 cala, 78 × 116 cm, edycja 18, zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn

Autor: Phillip Barcio