Dziedzictwo Pionierki Sztuki Abstrakcyjnej, Gillian Ayres
Brytyjska malarka abstrakcyjna i graficzka Gillian Ayres zmarła w wieku 88 lat. Jej śmierć pozostawia pustkę w świecie sztuki, a także w dziedzinach edukacji i wzorców do naśladowania. Ayres była jedną z najbardziej charyzmatycznych i pewnych siebie nauczycielek sztuki w Wielkiej Brytanii, głównie dzięki całkowitemu przyjęciu nonkonformizmu. Uczyła w Bath Academy of Art od 1959 do 1965 roku, wykładała w Saint Martin’s School of Art w Londynie od 1966 do 1978 roku, a następnie w 1978 roku została kierownikiem Katedry Malarstwa w Winchester School of Art. Ta ostatnia praca była bardziej stanowiskiem menedżerskim niż nauczycielskim. Odeszła z niej po ciągłych zmaganiach z administracją szkoły dotyczących tego, jak, a właściwie czy w ogóle, zarządzać wydziałem. Ayres wierzyła, że edukacja artystyczna byłaby lepiej obsługiwana bez jakiegoś biura, które by nią kierowało. Choć to było jej ostatnie oficjalne stanowisko akademickie, Ayres kontynuowała nauczanie poprzez swój przykład. Była wzorem do naśladowania dla znaczenia posiadania zasad i energicznego ich przestrzegania. Jej zasady obejmowały ogromną hojność wobec swoich uczniów i przyjaciół (których często przyjmowała w swoim domu), miłość do szampana i papierosów (których zażywała aż do końca) oraz całkowitą nienawiść do członków tzw. Euston Road School, kolektywu tradycyjnych realistycznych artystów, którzy sprzeciwiali się awangardzie i sztuce abstrakcyjnej. Jej oddanie abstrakcji pomogło zainspirować niezliczonych innych brytyjskich artystów abstrakcyjnych i pomogło odwrócić instytucjonalne uprzedzenia wobec abstrakcji w szkołach, galeriach i muzeach. Dziedzictwo, które miała nadzieję pozostawić, można podsumować w stwierdzeniu, które złożyła w wywiadzie dla Financial Times w 2015 roku. Powiedziała: "Ludzie lubią rozumieć, a ja życzyłabym sobie, żeby tego nie robili. Życzyłabym sobie, żeby po prostu patrzyli."
Kształty i przestrzenie
Ayres ukończyła szkołę artystyczną w 1950 roku i podjęła pracę jako asystentka w galerii. Utrzymywała tę posadę przez sześć lat w niepełnym wymiarze godzin, jednocześnie malując. Powiedziała, że w tych wczesnych dniach swojej kariery była w dużej mierze inspirowana Jacksonem Pollockiem i abstrakcyjnymi ekspresjonistami. Jednak to, co najbardziej ją inspirowało w ich twórczości, to nie ich tendencje metafizyczne, tzn. próby połączenia się z pierwotnym źródłem głębokich, ukrytych emocji. Raczej inspirowały ją ich metody pracy, które wydawały się jej wolne i eksperymentalne. Przyjęła technikę pracy na podłodze i używania luźnych, lirycznych ruchów podczas malowania. Wiele jej prac z tego okresu można opisać jako obrazy akcji. Często zawierają rozpryskaną i kapającą farbę, gesturalne ślady pędzla oraz duże, energetycznie nałożone pola koloru.
Gillian Ayres - Achiote, 2015, drzeworyt na papierze Unryu-shi japońskim o gramaturze 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 in, 85.4 × 163.5 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn
Równocześnie z jej eksploracją stylu „all-over” w malarstwie akcyjnym, Ayres wykazywała również zainteresowanie bezpośrednim badaniem kształtów i przestrzeni. Wiele jej obrazów z lat 50. i 60. zawiera luźne kompozycje okręgów, kwadratów i innych kształtów geometrycznych lub quasi-geometrycznych. Kształty te często wydają się unosić wokół siebie w próżni. Te obrazy są czysto abstrakcyjne, ale nie w sensie, że Ayres „abstrahowała” je z naturalnego świata. Zamiast tego, po prostu dążyła do stworzenia kompozycji, które nie mają żadnej narracji ani treści figuralnej, ponieważ wierzyła w potencjał abstrakcyjnych obrazów kształtów oddziałujących w przestrzeni, aby były „odurzające”. Innymi słowy, uważała, że takie obrazy mogą być upajające. Wierzyła, że ta cecha jest istotna, aby ludzie mogli po prostu cieszyć się patrzeniem na jej sztukę, nie czując presji, by myśleć o niej logicznie, ani nawet angażować swój intelekt w ogóle.
Gillian Ayres - Illyria, 2017, drzeworyt na papierze Unryushi 75gsm, 36 1/5 × 40 9/10 in, 92 × 104 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn
Rozpieszczający kolor
Oprócz swojej miłości do kształtów i przestrzeni, Ayres była entuzjastyczną miłośniczką koloru. Kiedyś powiedziała: „Dla mnie kolor w sztuce jest wspaniałym rozkoszowaniem się.” Chciała, aby ludzie delektowali się jej obrazami. Uważała je za uczty dla oczu. Powiedziała: „Nie widzę powodu, dla którego nie powinieneś się napełniać, uszczęśliwiać się - cieszyć się, ucztować na pięknie.” Choć brzmi to jak nieszkodliwy punkt widzenia dzisiaj, był czas, kiedy spowodowało to, że Ayres była głęboko nieufna wobec brytyjskiej publiczności. Ta nieufność osiągnęła szczyt w 1957 roku, kiedy po włączeniu do wystawy Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres została zatrudniona do namalowania muralu w jadalni londyńskiej szkoły. Ledwie skończyła mural, a administracja szkoły nakazała go zakryć tapetą. Dopiero dekady później, po tym jak Ayres stała się sławna, mural został odkryty w niemal idealnym stanie pod tapetą.
Gillian Ayres - Thuban, 2017, drzeworyt na papierze Unryushi 75gsm, 18 4/5 × 22 4/5 in, 47.8 × 57.9 cm, zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn
Uczucie, jakie Ayres miała do koloru jako tematu, jest widoczne przez całą jej karierę. W miarę jak jej kompozycje stawały się mniej liryczne, mniej gesturalne, a bardziej strukturalne i architektoniczne z upływem czasu, jej miłość do koloru tylko rosła. Do lat 80. rozwinęła dość fantazyjną, celebracyjną wizję estetyczną opartą na żywych, jasnych kolorach i biomorficznych kształtach. Te późniejsze prace wydają się być inspirowane naturą. Niektórzy podejrzewają, że to dlatego, iż w tym czasie w jej życiu Ayres przeprowadziła się z rodziną do wiejskiej społeczności nadmorskiej w Walii. Powiedziała, że warunki tam, szczególnie krajobraz, miały na nią ogromny wpływ. Jednak zawsze podkreślała, że jej prace nie były abstrahowane od natury, ani nie były uproszczone z obrazów wiejskich. W pewnym sensie, najnowsze obrazy Ayres przypominają wycinanki Matisse'a. Obaj artyści przyjęli podobną paletę kolorów pod koniec swojej kariery i obaj rozwinęli podobne poczucie relacji przestrzennych. Tyle że podczas gdy Matisse dumnie miał nadzieję wywołać kształty i formy naturalnego świata w swojej późnej twórczości, Ayres pozostała wierna do końca, że jej prace nie były oparte na niczym. To po prostu obrazy kolorów i kształtów w przestrzeni, bez znaczenia poza sobą, oferujące czystą przyjemność widzom wystarczająco odważnym, by oddać się ich pięknu.
Obraz wyróżniony: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, drzeworyt na papierze Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 cali, 78 × 116 cm, edycja 18, zdjęcie dzięki uprzejmości Alan Cristea Gallery, Londyn
Autor: Phillip Barcio
