Wiele odcieni i mediów Jeremy'ego Blake'a

Napisano wiele artykułów o Jeremy Blake. Jednak dziwnie mało z nich mówi dogłębnie o jego sztuce. Artysta multimedialny, który zyskał rozgłos na początku lat 2000, Blake pracował z fotografią, malarstwem i wideo, i był szeroko ceniony za swoje cyfrowe projekcje wideo, które nazywał malarstwem opartym na czasie. Kiedy zmarł w 2007 roku, mając zaledwie 35 lat, był na dobrej drodze, by zdobyć międzynarodową renomę jako poważny artysta. Niemniej jednak zdecydowana większość mediów skupiała się na jego życiu prywatnym: jego związku romantycznym, sławie, wyglądzie oraz dziwacznym labiryncie teorii spiskowych otaczających jego śmierć. Nawet media artystyczne zwykle omawiały jego twórczość jedynie w przesadnych słowach, koncentrując się na jej efektowności, psychodeliczności lub halucynogennych wartościach, elementach dobrze wpisujących się w narrację o nim jako gwieździe sztuki. Uważamy, że coś ważnego zostało pominięte w dyskusji: mianowicie wartość unikalnego dorobku Blake’a z perspektywy sztuki jako sztuki oraz fascynujące idee, które poruszał w odniesieniu do nawyków i odpowiedzialności współczesnych widzów.

Panie i Panowie: Jeremy Blake

Artysta i krytyk, mój przyjaciel Scott Grow, zapytał mnie kiedyś: „Czy nie wydaje ci się dziwne, że gdy szukasz artysty w Google, pojawia się więcej zdjęć artysty niż jego dzieł?” Nastąpiła długa dyskusja o względnych zaletach sławy i sile czynników takich jak wygląd i postawa, które dziś mogą zadecydować o karierze młodych artystów. A co gdyby tak było, gdy Mark Rothko malował? Czy nadal byśmy dziś o nim rozmawiali? Nie chcemy krytykować biednego Rothko, ale chcemy podkreślić, że jego wygląd, modność, postawa i błysk (lub całkowity ich brak) nie miały nic wspólnego z możliwościami, jakie otrzymał, ani z powagą, z jaką dziś traktuje się jego dzieła.

W tym względzie Jeremy Blake był anty-Rothko. Był niewątpliwie atrakcyjny i fajny. Miał pewność siebie. Tworzył okładki dla Becka i sekwencję animacji do filmu Paula Thomasa Andersona. Miał też równie atrakcyjną, równie fajną i równie twórczą partnerkę życiową, która na przykład współpracowała z Davidem Sedarisem, zanim ten stał się znany. Blake miał też uznanie w świecie sztuki, zdobywając dyplom BFA w Art Institute of Chicago oraz MFA w California Institute of the Arts, a także był trzykrotnie zapraszany do Whitney Biennial w latach 2000, 2002 i 2004. Jednak ludzie zastanawiają się, czy Blake otrzymałby te szanse, gdyby był nieatrakcyjny i niemodny. Czy jego sztuka ma w sobie coś na tyle interesującego, że otworzyłoby mu to drzwi bez względu na wygląd?

Jeremy Blake - Hobhouse, 2006 Cyfrowy wydruk C 40 x 98 cali, zdjęcia dzięki uprzejmości Honor Fraser Gallery

Pola Koloru

Mówimy tak. Drugim powodem, dla którego użyliśmy Marka Rothko w porównaniu do Jeremy’ego Blake’a, jest fakt, że to właśnie tego artystę Blake najczęściej przypominano. Jednym z powodów porównania jest to, że obaj artyści w swoich pracach wykorzystywali abstrakcyjne pola koloru. Ale porównanie wykracza poza samą kolorystykę. Obaj tworzyli dzieła, które nie miały być odbierane jako cele same w sobie. Zamiast być doceniane jedynie jako obiekty, Rothko miał nadzieję, że jego obrazy będą postrzegane przez widzów jako pośrednicy, umożliwiający dostęp do większego, transcendentnego doświadczenia, wspieranego duchowymi właściwościami koloru. Dobierał kolory według tego, jakie stany emocjonalne, jego zdaniem, mogą wywołać, i przedstawiał je w możliwie jak najbardziej cichy sposób, pozwalając widzom kierować własną podróżą.

Malarstwo oparte na czasie Jeremy’ego Blake’a jest znacznie mniej ciche; wręcz krzyczy w porównaniu z Rothko. Jednak również przedstawia kolor jako element pośredni, który stwarza możliwości doświadczeń transcendentnych. W swoim dziele z 2001 roku zatytułowanym Mod Lang Blake stworzył 16-minutową ciągłą pętlę abstrakcyjnych pól koloru, które przesuwają się i zmieniają, czasem przechodząc w formalne kompozycje geometryczne, a innym razem w pozornie przypadkowe chmury barw. Podobnie jak w obrazie Rothko, kolory w Mod Lang mają natychmiast rozpoznawalne wartości emocjonalne. Są szokujące swoją żywiołowością, a nawet gdy przybierają kształty lub formy, kolor pozostaje najważniejszym czynnikiem. Są tak intensywne, że łączą się bezpośrednio z podświadomością w sposób, który rzeczywiście wydaje się niemal halucynogenny.

Jeremy Blake - New Haven, 2001 Cyfrowy wydruk C 41 x 104 cali, zdjęcia dzięki uprzejmości Honor Fraser Gallery

Zmieniające się Obrazy

Oczywistą różnicą między malarstwem opartym na czasie Jeremy’ego Blake’a a statycznym malarstwem Marka Rothko jest to, że te pierwsze zmieniają się podczas oglądania. Kolory ewoluują, poruszają się i zmieniają w ustalony sposób. Podczas gdy obraz Rothko może utrzymywać widza w określonym stanie emocjonalnym przez długi czas, Mod Lang przeciąga widzów przez schizofreniczny wachlarz zmian nastroju, nie dając czasu na zatrzymanie się w żadnym z nich. W wywiadzie dla Muzeum Sztuki Współczesnej w San Francisco Blake nazwał to „manifestacją nerwicy”. Zamiast zapraszać do kąpieli w spokojnych, kontemplacyjnych wodach, jego dzieło zmusza do pływania w powodzi.

Jednak każdy obraz zmienia się stopniowo, nawet jeśli tylko na przestrzeni dziesięcioleci, pod wpływem powietrza, światła i grawitacji. Te zmiany są jednak zbyt powolne, by widz mógł je dostrzec podczas pojedynczego oglądania. Jeremy Blake przyspieszył te zmiany. Stworzył obrazy bardziej jak kameleony, zmieniające swój wygląd na naszych oczach i zmuszające nas do zastanowienia się, co właściwie widzimy. Jednak podważył te zmiany, odtwarzając swoje projekcje w pętli. Obrazy zmieniają się wielokrotnie, a potem wracają do pierwotnego stanu, raz po raz, na zawsze. Jeśli istnieje duchowy odpowiednik, to odnosi się on do naturalnych cykli, reinkarnacji i nieustannych powtarzających się konfliktów istnienia.

Jeremy Blake - trylogia Winchester, 2002 - 2004, widok instalacji, Project Los Altos: SFMOMA, Silicon Valley, 2013

Prosimy o Odpowiedzialne Oglądanie

Chociaż zwracamy dużą uwagę na ich z natury zmienny charakter, projekcje Jeremy’ego Blake’a są także stałymi sumami. Nie będą się dalej zmieniać w nowe, nieprzewidziane formy w przyszłości. Możemy je obejrzeć w całości, a potem obejrzeć ponownie i będą takie same. W tym sensie nie różnią się od rzeźby kinetycznej na silniku czy obrazu Op Art, który zdaje się poruszać, gdy się na niego patrzy. Ale podnoszą efekty takich dzieł na wyższy poziom. Jeremy Blake miał instynkt rozumienia, jak technologia cyfrowa wpływa na sposób, w jaki konsumujemy obrazy. Czuł, że ludzie chcą być biernie rozrywką, a ruchome obrazy są dla wielu widzów bardziej pociągające niż statyczne, ponieważ wymagają mniejszego zaangażowania czasu i intelektu.

Jednak w sztuce, która nie wymaga kontemplacji, jest coś manipulacyjnego. Widz jest zaproszony do innej relacji z dziełem, które go prowadzi, niż z dziełem, które po prostu jest. My jako widzowie nie możemy pozwolić, by nasza kontemplacja została zahamowana tylko dlatego, że nie możemy zatrzymać ruchomych obrazów. Musimy w pewien sposób ignorować zmiany i interpretować dzieła Jeremy’ego Blake’a jako środowiska. Są jak Skyspace Jamesa Turrella. Zmieniają się na naszych oczach, ale jeśli znajdziemy sposób, by być w nich, możemy zmieniać się razem z nimi, jak powiedział Bruce Lee, zmieniając się wraz ze zmianą, osiągając „stan niezmienności.”

Jeremy Blake - Slipping Into Sleep, 2003 Cyfrowy wydruk C 27 x 65 cali, zdjęcia dzięki uprzejmości Honor Fraser Gallery

Mieszane Intencje

To wszystko może brzmieć zbyt poważnie. Intencje Jamesa Turrella czy Marka Rothko mogą być tak odległe od intencji Jeremy’ego Blake’a, że porównywanie ich może być zniewagą dla wszystkich. Jeśli chodzi o własne intencje Blake’a, powiedział: „Staram się myśleć o tym, ile elastyczności potrzebujesz jako artysta i ile możesz wyciągnąć z medium… Ale to, co wychodzi, to, jak sądzę, fajna mieszanka nowego i starego.” Ale też dodał: „Chcę stworzyć przebudzone marzenie, które potem proszę, byś zinterpretował.”

W innym oświadczeniu Blake zasugerował, że być może wcale nie traktuje swojej sztuki poważnie. „Jako dziecko byłem prawdziwym zgrywusem,” powiedział. „Myślę, że wiele z mojego podejścia, gdy dorastałem i zagłębiałem się, cóż, moje podejście nadal jest trochę humorystyczne.” Niemniej jednak nie jesteśmy zobowiązani do interakcji z jego dziełami zgodnie z jego intencjami. Możemy mieć własne. Weźmy pod uwagę serię prac Blake’a o Winchester Mansion, szalonym domu zbudowanym przez maniakalną wdowę po wynalazcy karabinu Winchester. Dom został zbudowany, jak powiedział Blake, jako „miejsce dla duchów.” Czujemy, że w jego dziełach, niezależnie od tego, czy wchodzimy z nimi w relację kontemplacyjną, hipnotyczną, estetyczną czy halucynogenną, Blake osiągnął ten sam cel. Stworzył przestrzenie dla naszych duchów, które pozwalają nam, jeśli chcemy, wejść w przebudzone marzenia.

Jeremy Blake - Station to Station, 2001 Pięciokanałowa cyfrowa animacja z dźwiękiem na DVD 16-minutowa ciągła pętla, zdjęcia dzięki uprzejmości Honor Fraser Gallery

Zdjęcie główne: Jeremy Blake - Sodium Fox, 2005, statyczne obrazy z DVD, zdjęcia dzięki uprzejmości Honor Fraser Gallery
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio