Najtrudniejsze przykłady wzorów sztuki op-art

Op Art jest anomalią. Victor Vasarely zapoczątkował ten nurt w latach 30. XX wieku jako poważne badanie estetyczne. Jednak dziś równie często możemy zobaczyć wzór Op Art na obrazie w muzeum, co na parze butów, kuchennym przyborze czy samochodzie sportowym. A mimo to to, co zaczęło się jako formalne badanie optycznej estetyki, które potem zeszło do kiczu, ponownie zyskało status ważnego obszaru badań artystycznych. Według wielu współczesnych artystów abstrakcyjnych wzory Op Art stanowią punkt wyjścia do badania i poszerzania optycznych granic płaszczyzny dwuwymiarowej. Niektórzy używają Op Art, by wywołać wrażenie błysku lub tajemnicy. Inni eksplorują możliwości kinetyki. Jeszcze inni stosują go po prostu, by zachęcić widzów do dłuższego przyglądania się dziełom sztuki. Co jest godne podziwu, to fakt, że niezależnie od indywidualnych celów, artyści Op Art stworzyli fantastyczny wachlarz złudzeń estetycznych, używając stosunkowo ograniczonego zestawu technik. Oto osiem najtrudniejszych wzorów Op Art używanych przez naszych ulubionych artystów Op Art:

Wektory wymiarowe

Wektor można opisać jako linię wyrażającą zarówno wielkość, jak i kierunek. Victor Vasarely był mistrzem używania wektorów do przekształcania kształtów w formy. Ten beztytułowy sitodruk Vasarely’ego z 1975 roku łączy precyzyjne, symetryczne wektory z kształtami geometrycznymi, liniami poziomymi i pionowymi oraz gradientowymi kolorami. Mimo całkowitej płaskości, tworzy złudzenie, że duża masa wypukle wystaje z płaszczyzny obrazu.

Victor Vasarely - Bez tytułu, 1975. Sitodruk. © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż

Efekt tunelu

Kolejnym wzorem Op Art, którego mistrzem był Victor Vasarely, jest efekt tunelu. W tym triku powtarzające się kształty geometryczne o malejących rozmiarach umieszczone są w sobie tak, że zdają się znikać w punkcie zbiegu. W swoim obrazie z 1975 roku Vonal-Stri Vasarely użył kwadratów jako wybranego kształtu i stopniowo zmieniał grubość boków kwadratów, by stworzyć złudzenie, że tunel zaokrągla róg, zmierzając ku punktowi zbiegu.

Victor Vasarely - Vonal-Stri, 1975. Akryl na płótnie. © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż

Wypukłe zniekształcenie

Jednym z najbardziej fascynujących trików, jakich używają artyści Op Art, jest tzw. wypukłe zniekształcenie. To sytuacja, gdy powierzchnia wydaje się mieć zaokrąglony fałd, podobny do fali lub powiewającej flagi. Bridget Riley opanowała ten efekt i stosowała go w wielu obrazach. Jednym z jej najwcześniejszych i najskuteczniejszych pokazów wypukłego zniekształcenia był obraz z 1961 roku Ruch w kwadratach. W tym dziele użyła prostego wzoru poziomych i pionowych linii krzyżujących się, stopniowo zmniejszając odstęp między pionowymi elementami po obu stronach tego, co stało się zniekształceniem.

Bridget Riley - Ruch w kwadratach, 1961. Tempera na desce. © Bridget Riley

Zwężające się linie

Gdy prosta linia stopniowo staje się cieńsza lub grubsza przy końcach, powstaje złudzenie zwężania. Zwężające się linie mogą wywołać wrażenie ruchu obrazu lub jego trójwymiarowości. W 2015 roku Carlos Cruz-Diez połączył zwężające się linie z paletą gradientowych kolorów w swojej akwaforcie Caura-14. Starannie umieścił też przekątne w równoległym układzie w dolnej części obrazu, tworząc złudzenie spiralnej sprężyny unoszącej się w kołyszącej, pionowej przestrzeni.

Carlos Cruz-Diez - Caura-14, 2015. Litografia. 60 × 70 cm. Polígrafa Obra Gráfica, Barcelona. © Carlos Cruz-Diez

Warstwowy wzór krzyżujący się

Wzór krzyżujących się linii pochodzi z tkactwa. Gdy linie o różnych odcieniach nakładają się na dwuwymiarowej powierzchni i układają w wzór krzyżujący się, pojawia się złudzenie głębi powierzchni. Dodając kolejne warstwy i odcienie, złudzenie może stawać się coraz bardziej złożone. W swoim obrazie z 2008 roku #403 Niebiesko-Fioletowy Susie Rosmarin nałożyła ukośne linie w wzór krzyżujący się na gradientowe tło i dodała dodatkowe gradientowe wzory kolorów na liniach krzyżujących się. Wprowadziła też obszary wypukłego zniekształcenia, by stworzyć wrażenie pulsujących obszarów światła i cienia.

Susie Rosmarin - 403 Niebiesko-Fioletowy, 2008. Akryl na płótnie. © Susie Rosmarin

Gradientowe równoległe linie

Brzmi prosto, ale czasem samo umieszczenie linii obok siebie może stworzyć efekty optyczne. Efekty pojawiają się, gdy odcienie linii się zmieniają. Jak wyjaśnił Hans Hofmann w swojej teorii pchania i ciągnięcia, ciepłe kolory umieszczone obok chłodnych tworzą perspektywę, czyli złudzenie głębi, ponieważ ciepłe kolory sprawiają, że chłodne wydają się cofać w tło. Yaacov Agam pokazał to zjawisko w swoim arcydziele z 1979 roku zatytułowanym Lustro, w którym użył tylko pionowych linii i teorii pchania i ciągnięcia, by stworzyć wspaniałe złudzenie geometrycznych form unoszących się w przestrzeni wymiarowej.

Yaacov Agam - Lustro, 1979. Sitodruk na lustrze. © Yaacov Agam

Wir

Znany także jako wir wodny, spirala lub cyklon, wir jest powszechnym, lecz tajemniczym wzorem Op Art. Aby osiągnąć ten dziwny efekt, okrągłe lub eliptyczne kształty o malejących rozmiarach są umieszczane w sobie. Każda elipsa ma dwie szerokie i dwie zwężające się strony, a każda kolejna elipsa jest lekko obrócona w jednym kierunku. Wir doskonale pokazał Francis Celentano w 1967 roku, tworząc swoje Eliptyczne malarstwo kinetyczne, serię elips ułożonych dokładnie tak, jak opisano, a następnie zamocowanych do obracającego się silnika.

Francis Celentano - Eliptyczne malarstwo kinetyczne, 1967. Akryl na masonicie z silnikiem. Kolekcja Albright-Knox Gallery, Buffalo, NY, © Francis Celentano

Widoczne fale

Istnieje kilka sposobów na stworzenie złudzenia fal na dwuwymiarowej płaszczyźnie. Jednym z nich jest użycie wypukłego zniekształcenia, o którym była mowa wcześniej. Innym jest po prostu namalowanie serii zakrzywionych linii tak, by wyglądały jak fala. John Aslanidis opracował trzeci sposób. Poprzez nakładanie koncentrycznych kół o różnych odcieniach fale pojawiają się, gdy koła rosną i nakładają się na siebie. Kompozycje, które tworzy za pomocą tego triku, nazywa Kulami dźwiękowymi i opisuje je jako „rytmiczne oscylacje między różnymi kolorami, które nadają wizualną formę pulsowi rytmu.”

John Aslanidis - Sonic No-49, 2015. Olej i akryl na płótnie. 137 × 167 cm. © John Aslanidis

Zdjęcie główne: Victor Vasarely - Riu-Kiu-C (szczegół), 1960. © 2020 Artists Rights Society (ARS), Nowy Jork / ADAGP, Paryż
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio