Moc kompozycji Pieta Mondriana z czerwonym, niebieskim i żółtym

Piet Mondrian namalował „Kompozycję z czerwonym, niebieskim i żółtym” w 1930 roku. Oznacza ona subtelny punkt zwrotny w ewolucji jego charakterystycznego, wyjątkowego stylu malarskiego, który nazwał neoplastycyzmem. Jego wizualny głos powstał dzięki skrupulatnemu, codziennemu dążeniu do całkowitej abstrakcji, którą uważał za sposób wyrażenia uniwersalnej czystości poprzez sztuki plastyczne. To właśnie w 1920 roku, w tym samym roku, w którym opublikował swoją książkę Le Néo-Plasticisme, Mondrian namalował swoje pierwsze obrazy z siatką, z czarnymi poziomymi i pionowymi liniami oraz prostokątnymi polami czystych kolorów, z których jest teraz najbardziej znany. Na wczesnym etapie eksploracji tej unikalnej pozycji Mondrian eksperymentował z wieloma kolorami i odcieniami oraz badał różnorodne układy zarówno swoich płócien, jak i kształtów w swoich kompozycjach. Do czasu swojej śmierci w 1944 roku osiągnął fantastycznie złożoną i dojrzałą wizję, uosobioną przez swoje arcydzieło „Broadway Boogie Woogie”. To właśnie w trakcie tej ewolucji namalował „Kompozycję z czerwonym, niebieskim i żółtym”. Może nie być od razu oczywiste, dlaczego to dzieło jest wyjątkowe lub dlaczego oznacza ważny punkt zwrotny. Jednak istnieją pewne jego aspekty, które wyraźnie odróżniają je od wielu innych obrazów Mondriana i które sygnalizują moment w jego rozwoju, gdy sam Mondrian zaczął się przemieniać.

Odczytywanie linii

Niektórzy mówią, że aby zrozumieć prawdziwe przesłanie tego, co ktoś mówi, trzeba czytać między wierszami. W przypadku „Kompozycji z czerwonym, niebieskim i żółtym” to właśnie linie niosą ukryte przesłanie. Powszechnie wiadomo, że Mondrian dążył do równowagi w swojej pracy. Pisał obszernie o harmonii kompozycyjnej jako reakcji na chaos. Osiągał to poczucie harmonii, nieustannie poszukując równowagi między plastycznymi elementami swoich obrazów. Umiejscowienie kolorów, rozmiar kształtów i cechy powierzchni oddziaływały na siebie w sposób, który albo sprawiał, że czuł się niezrównoważony, albo w równowadze. Celem było zawsze odkrycie idealnego punktu, w którym kompozycja osiągała pewien rodzaj bezruchu.

Jednak z czasem, Mondrian zaczął nie znosić właśnie tego poczucia bezruchu, którego kiedyś szukał. Jego późniejsze obrazy tworzone w Nowym Jorku, inspirowane ruchem miasta i energią muzyki jazzowej, zdają się niemal wibrować i brzmieć. „Kompozycja z czerwonym, niebieskim i żółtym” oznacza punkt wyjścia w jego zdolności nadawania obrazom tej energii. Sekret tkwi w liniach. Może być to niemal niezauważalne na pierwszy rzut oka, ale jeśli spojrzeć na czarne linie na tym obrazie, zobaczymy, że linia w lewym górnym rogu kompozycji jest dwukrotnie grubsza od pozostałych linii. Mondrian uważał, że ten wybór, by jedna z linii była dwukrotnie szersza, ożywia jego kompozycję. Przekształcał swoje myśli, odchodząc od wiary w bezruch jako uniwersalną konieczność, ku idei, że nawet całkowicie abstrakcyjna i harmonijna kompozycja potrzebuje energii, by czuć się żywa.

Zawieszone na równi

Pomimo dążenia do energii i ruchu, które Mondrian wyraził przez swoją dwukrotnie szeroką linię, „Kompozycja z czerwonym, niebieskim i żółtym” pozostaje najwyższym przejawem malarskiej harmonii. W dziwny sposób energia wprowadzona do obrazu przez szerokie linie równoważy pozostałe elementy malarskie, które inaczej mogłyby wydawać się zbyt konkretne. Mam tu na myśli przede wszystkim masywny czerwony kwadrat dominujący na tym obrazie. Wizualna waga tego kwadratu odpowiada idealnie kwadratowemu kształtowi płótna. Przywodzi to na myśl porównania do obrazu Malevicha sprzed dziesięcioleci. Łatwo byłoby uznać czerwony kwadrat za temat dzieła, co wyprowadziłoby ten obraz poza sferę czystej abstrakcji. Mondrian wyraźnie starał się użyć jak najmniejszej liczby innych elementów malarskich w kompozycji. Posunął się do przeciwnego ekstremum z malutkim żółtym prostokątem na dole płótna, a niebieski prostokąt umieścił pośrodku. Jednak to dziwnie właśnie dwukrotnie szeroka linia sugeruje, że w tej kompozycji dzieje się coś więcej niż tylko proste kolorowe kształty.

Innym interesującym aspektem tego obrazu, przynajmniej dla mnie, jest to, że Mondrian pozostawił pola kolorów nieobramowane na krawędziach płótna. Nie zawsze tak robił. Często jego prostokąty są całkowicie otoczone czarnymi liniami. Pozostawiając kształty otwarte w tym przypadku, pozostawia nas z myślą, że może linie nigdy nie miały być ramami. Może miały być polami koloru równorzędnymi z innymi kolorowymi kształtami. A może miały pełnić funkcję czegoś konkretnego, a kolor miał być postrzegany bardziej jak światło — coś eterycznego wypełniającego pustą przestrzeń. W tym obrazie, ponieważ nie są one obramowane czarnymi liniami, kolorowe przestrzenie mogą rozszerzać się w nieskończoność poza krawędź płótna. Jeśli tak jest, to niemal tak, jakby Mondrian wykadrował obraz, który widział w swojej wyobraźni. Mogę sobie wyobrazić, że zamiast być wszechwiedzącym narratorem fikcyjnego świata wizualnego, był bardziej dokumentalistą, widzącym to, co przed nim i edytującym to w taki sposób, byśmy wszyscy mogli to zrozumieć tak, jak on. Być może ta myśl zirytowałaby Mondriana, ponieważ był zdecydowany w swoim dążeniu do czystej abstrakcji. Ale to właśnie częściowo sprawia, że „Kompozycja z czerwonym, niebieskim i żółtym” jest tak przełomowym obrazem. Nie tylko przemieniła jego własny rozwój jako malarza — także zmienia naszą zdolność do obcowania z dziedzictwem jego twórczości w sposób, który wykracza poza nawet jego własne oczekiwania.

Zdjęcie wyróżnione: Piet Mondrian – Kompozycja w czerwieni, błękicie i żółci. 1930. Olej i papier na płótnie. 46 x 46 cm. Kunsthaus Zürich
Autor: Phillip Barcio