Tydzień w sztuce abstrakcyjnej – koncepcje i machinacje
Mamy pytanie do współczesnych artystów: „Jaka jest różnica między koncepcją a machinacją?” Brytyjskie BBC4 ogłosiło nowy jesienny sezon programów poświęconych artystom konceptualnym. BBC4 stawia na konceptualizm będzie zawierać oryginalne programy obejmujące głównych artystów i wydarzenia z ruchu sztuki konceptualnej, w tym głosy jej krytyków. Jako zagorzali zwolennicy sztuki konceptualnej uważamy, że jej odwaga i geniusz polegają na tym, że opiera się na ideach: ulotnych, niematerialnych ideach. Ale czasem zastanawiamy się, kiedy idea przechodzi w produkt, a może nawet w sztuczkę? Jedna z historii, którą przeczytaliśmy w tym tygodniu (https://1ric.com/work/oas/), dotyczyła artysty, który używa skanera do tłumaczenia fal mózgowych na abstrakcyjne obrazy barwne, które następnie są drukowane przez komputer. Inna historia dotyczyła artysty, który przyczepia się do ogromnego, zaprogramowanego ramienia robota, które następnie ciągnie go po różnych powierzchniach niczym ludzki pędzel malarski. Obaj artyści korzystają z technologii, dziedziny pełnej konceptualnych obietnic. Czy są potomkami Josepha Beuysa i Yves’a Kleina, którzy przede wszystkim wierzyli w świętość idei? Czy używają technologii, by zgłębiać pytanie, co znaczy być artystą? A może wyśmiewają przekonanie Beuysa, że „każdy człowiek jest artystą”, pozwalając maszynom przejąć proces tworzenia sztuki? Co gorsza, czy po prostu wykorzystują kulturę zafascynowaną techniką, by na niej zarobić? Pozostawiamy to pytanie artystom. Tymczasem przedstawiamy trzy aktualne wystawy abstrakcyjne, które naszym zdaniem oddają sprawiedliwość dziedzictwu i zamierzeniom sztuki konceptualnej.
Bad Faith, James Fuentes Gallery, Nowy Jork, NY
Na wystawie do 11 września 2016
Ta konceptualna wystawa grupowa skupia się na siedmiu obiektach wykonanych przez czterech artystów w Nowym Jorku w latach 1982–1994. Prezentując prace Naylanda Blake’a, Jessiki Diamond, Petera Halley’a i Roberta Morrisa, Bad Faith porusza zagadnienia związane z kulturą, polityką i tożsamością, oferując model sposobów, w jakie zjawiska estetyczne mogą angażować się w protest społeczny.
Giuseppe Penone: Byłem, będę, nie jestem, Marian Goodman Gallery, Londyn i Paryż
Na wystawie od 8 września (Londyn) i 9 września (Paryż) do 22 października 2016
Włoski artysta Giuseppe Penone tworzy prace, które badają związek człowieka z naturą. Szczególnie interesują go takie pojęcia jak starzenie się i wzrost, które słynnie eksploruje poprzez serię prac in situ, w których odlewa własne ramię w metalu i przytwierdza je do młodego drzewa, regularnie wracając, by dokumentować proces, w którym drzewo rośnie wokół i otacza formę ludzkiej ręki, która z kolei je obejmuje. Na tę podwójną wystawę Marian Goodman Gallery prezentuje jednocześnie prace Penone zarówno w swoich galeriach w Londynie, jak i w Paryżu.
Giuseppe Penone - Być rzeką, powtarzać las, widok instalacji w Nasher Sculpture Center, Dallas
Rockaway! In situ w Gateway National Recreation Area przy Fort Tilden, Nowy Jork
Na wystawie do 30 listopada 2016
Niemiecka artystka Katharina Grosse tworzy prace, które badają naturę malarstwa i jego potencjał do przekraczania tradycyjnych i przewidywalnych granic. W ramach tego projektu prezentowanego przez MoMA PS1, Grosse wykorzystała rozpadającą się powłokę budynku, który stał się bezużyteczny po huraganie Sandy, jako punkt centralny monumentalnej pracy site-specific. Rockaway! łączy techniczne elementy sztuki ziemi, instalacji i lirycznego malarstwa abstrakcyjnego. Osiągnięcie to stawia pytania dotyczące zamieszkania, ochrony architektury, problemów środowiskowych oraz estetycznej wartości przestrzeni przyrodniczych.
Katharina Grosse - Rockaway!
Zdjęcie wyróżniające: Bad Faith w James Fuentes Gallery
