Tydzień w sztuce abstrakcyjnej - Dlaczego to robimy?

Ostatnio widzieliśmy dwie historie o programach komputerowych tworzących sztukę abstrakcyjną. Jedna dotyczyła gry wideo opartej na pinballu, w której piłka rozbija cyfrowe plamy farby, a następnie śledzi farbę na ekranie, tworząc „obraz abstrakcyjny”. Druga opowiadała o „byłym malarzu” (nie do końca wiadomo, co to znaczy), który wprowadził do komputera tysiące obrazów sztuki abstrakcyjnej, a potem kazał mu tworzyć własne obrazy na podstawie tego, czego się nauczył. Obie historie twierdziły, że komputery tworzą „sztukę”. Ale czy to jest sztuka? Efekt? Prawdziwi artyści mają motywy. Nie chodzi tylko o to, co robią; chodzi o to, dlaczego to robią. Oto kilka opowieści o prawdziwych artystach, których prace dotyczą nie tylko tego, co, ale także dlaczego. Bo jasne, komputery mogą naśladować to, co robią ludzie. Różnica polega na tym, że gdy my to robimy, jest w tym sens.

Przeanalizuj to

W latach 70. grupa włoskich artystów podjęła krucjatę na rzecz ratowania malarstwa. Powszechnie uważano, że poprzez różne ruchy sztuki abstrakcyjnej i nowoczesnej malarstwo wyczerpało swoje możliwości. Pojawił się ruch Pittura Analitica, czyli Malarstwo Analityczne, który dążył do ponownego rozłożenia malarstwa na jego podstawowe elementy, zrozumienia jego składników i materiałów oraz osadzenia relacji między obrazami a ich twórcami w kontekście. Ruch ten tchnął w malarstwo nowe życie. Jeśli nigdy nie widzieliście prac tych artystów, londyńska galeria Mazzoleni Art prezentuje dzieła 14 malarzy Pittura Analitica do 23 lipca.

Patrick Heron - Six in Vermilion with Green in Yellow, 1970

Kreatywność i zamiar

Inteligencja to nie to samo co twórczość. Naśladowanie sztuki innych nie jest tym samym, co bycie artystą. Tworzenie sztuki wymaga kreatywności i zamiaru. Brytyjski malarz Patrick Heron był przykładem właściwego sposobu czerpania inspiracji od innych artystów. W 1953 roku napisał esej, w którym opisał, jak niefiguratywni paryscy artyści tamtego czasu tworzyli najważniejsze dzieła od czasów kubizmu. Pierre Soulages, Nicolas de Staël i Hans Hartung nauczyli go, że w materialności powierzchni obrazu istnieje iluzja przestrzeni, coś, co było lekceważone przez wcześniejszych artystów abstrakcyjnych skupionych na płaskości. Powiedział, że materialność powierzchni obrazów ukazuje „wibrację przestrzeni”. Obecna wystawa abstrakcyjnych obrazów Herona zapożycza to określenie. Wibracja przestrzeni: Heron, de Staël, Hartung, Soulages jest prezentowana do 9 lipca w londyńskiej galerii Waddington Custot.

Robert Ryman - Bez tytułu, 1958

Tu, w czerni i bieli

Wielu ludzi narzeka na monochromy, potępiając je jako bezsensowne, łatwe lub nawet nudne, co dowodzi, że nie tylko komputery nie doceniają sztuki. (Gdybyśmy pokazali komputerowi tysiąc monochromów, czy potrafiłby stworzyć własny?) Dwie nowojorskie wystawy tego lata zachęcają do głębszego zastanowienia się nad artystami, którzy decydują się ograniczyć paletę barw. Do 31 lipca Dia: Chelsea prezentuje obszerną wystawę ukazującą pięć dekad achromatycznych powierzchni Roberta Rymana (to, co Google nazywa białymi obrazami). A od 23 czerwca, zaledwie trzy przecznice na północ od Dia, w galerii PACE otwiera się wystawa Czerń w abstrakcji, prezentująca monochromatyczne czarne prace wybrane spośród „międzynarodowej i międzypokoleniowej” grupy artystów.

Czy komputer mógłby zostać kolejnym Robertem Rymanem lub Patrickiem Heronem? Czy granie w grę wideo to to samo co tworzenie sztuki? W końcu będziemy musieli określić różnice między ludźmi a maszynami. Sztuka jest idealnym polem do badania tego pytania. Gdyby tysiąc artystów namalowało tysiąc białych monochromów, być może Google nie potrafiłby wyjaśnić różnicy między nimi. Ale wiemy, że nawet jeśli obrazy wyglądają podobnie, różnica tkwi w ich zamiarze. Dlaczego artysta to zrobił? To zawsze jest ważne. Bo motyw jest tym, co czyni nas ludźmi.

Zdjęcie główne: Giorgio Griffa - Linee Orizzontali, 1975, akryl na płótnie, 116 x 183 cm