Tydzień w sztuce abstrakcyjnej - Dlaczego to robimy?
Ostatnio widzieliśmy dwie historie o programach komputerowych tworzących sztukę abstrakcyjną. Jedna dotyczyła gry wideo opartej na pinballu, w której piłka rozbija cyfrowe plamy farby, a następnie śledzi farbę na ekranie, tworząc „abstrakcyjny obraz”. Druga podkreślała „byłego malarza” (nie jestem pewien, co to oznacza), który wprowadził do komputera tysiące obrazów sztuki abstrakcyjnej, a następnie kazał mu tworzyć własne obrazy na podstawie tego, czego się nauczył. Obie historie mówiły, że komputery tworzą „sztukę”. Ale czy to jest to, czym jest sztuka? Wynik? Prawdziwi artyści mają motywy. To nie tylko o tym, co robią; chodzi o to, dlaczego to robią. Oto kilka historii o prawdziwych artystach, których prace nie dotyczą tylko tego, co, ale także dlaczego. Bo oczywiście, komputery mogą naśladować rzeczy, które robią ludzie. Różnica polega na tym, że kiedy my to robimy, jest w tym sens.
Przeanalizuj to
W latach 70. XX wieku grupa włoskich artystów podjęła krucjatę na rzecz ocalenia malarstwa. Powszechnie wierzono, że poprzez różne ruchy sztuki abstrakcyjnej i modernistycznej malarstwo wyczerpało swoje możliwości. Wkrótce pojawił się ruch Pittura Analitica, czyli Malarstwo Analityczne, który dążył do ponownego rozłożenia malarstwa na jego podstawowe elementy, aby zrozumieć jego składniki i materiały oraz umiejscowić relację, jaką obrazy mają ze swoimi twórcami. Ruch ten nadał malarstwu nowe życie. Jeśli nigdy nie widziałeś prac tych artystów, londyńska galeria Mazzoleni Art prezentuje prace 14 malarzy Pittura Analitica, które można oglądać do 23 lipca.
Patrick Heron - Sześć w wermilionie z zielonym w żółtym, 1970
Kreatywność i Intencja
Inteligencja nie jest tym samym co kreatywność. Imitowanie sztuki stworzonej przez innych nie jest tym samym co bycie artystą. Tworzenie sztuki wymaga kreatywności i intencji. Brytyjski malarz Patrick Heron był przykładem właściwego sposobu czerpania inspiracji od innych artystów. W 1953 roku napisał esej, w którym szczegółowo opisał, jak niefiguratywni artyści paryscy tamtego czasu tworzyli najważniejsze dzieła od czasów kubizmu. Pierre Soulages, Nicolas de Staël i Hans Hartung nauczyli go, że iluzja przestrzeni istnieje w materialności powierzchni obrazu, coś, co zostało zlekceważone przez wcześniejszych artystów abstrakcyjnych, którzy koncentrowali się na płaskości. Powiedział, że materialność powierzchni obrazów ukazuje "wibrację przestrzeni." Obecna wystawa abstrakcyjnych obrazów Herona pożycza ten zwrot. Wibracja przestrzeni: Heron, de Staël, Hartung, Soulages jest obecnie wystawiana do 9 lipca w londyńskich galeriach Waddington Custot.
Robert Ryman - Bez tytułu, 1958
Prosto w czerni i bieli
Wielu ludzi narzeka na monochromy, potępiając je jako bezsensowne, łatwe, a nawet nudne, co dowodzi, że komputery nie są jedynymi, które niedoceniają sztuki. (Gdybyśmy pokazali komputerowi tysiąc monochromów, czy mógłby stworzyć jeden z własnych?) Dwie wystawy w Nowym Jorku tego lata skłaniają nas do głębszego myślenia o artystach, którzy decydują się ograniczyć swoją paletę kolorów. Do 31 lipca, Dia: Chelsea prezentuje kompleksową wystawę ukazującą pięć dekad achromatycznych powierzchni Roberta Rymana (to, co Google nazywa białymi obrazami). A otwierająca się 23 czerwca zaledwie trzy ulice na północ od Dia w galerii PACE, wystawa Czernie w Abstrakcji bada monochromatyczne czarne prace kuratorowane przez „międzynarodową i międzypokoleniową” grupę artystów.
Czy komputer mógłby być następnym Robertem Rymanem lub Patrickiem Heronem? Czy granie w grę wideo jest tym samym co tworzenie sztuki? W końcu będziemy musieli określić różnice między ludźmi a maszynami. Sztuka jest idealnym polem do zbadania tego pytania. Gdyby tysiąc artystów namalowało tysiąc białych monochromów, może Google nie byłby w stanie wyjaśnić różnicy między nimi. Ale wiemy, że nawet jeśli obrazy wyglądają podobnie, różnica tkwi w ich intencji. Dlaczego artysta to zrobił? To zawsze budzi zainteresowanie. Ponieważ motyw to to, co czyni nas ludźmi.
Obraz wyróżniony: Giorgio Griffa - Linie poziome, 1975, akryl na płótnie, 116 x 183 cm
