Muzeum Sztuki Wadsworth Atheneum honoruje rzeźbiarza abstrakcyjnego ekspresjonizmu Herberta Ferbera

Herbert Ferber był zagadką. Był jednym z najbardziej wpływowych artystów XX wieku, a jednak większość ludzi dzisiaj nigdy o nim nie słyszała. Ferber towarzyszył na salonach najznamienitszym z najznamienitszych—Pollockowi, Krasner, de Kooningowi, Motherwellowi, Rothko. Nawet wystawiał obok nich w Betty Parsons Gallery. W rzeczywistości Ferber był jednym z 18 „Irascibles”, którzy napisali otwarty list do The Metropolitan Museum of Art w proteście przeciwko wystawie American Painting Today w 1950 roku. Jest uwzględniony w słynnej grupie, która towarzyszyła artykułowi w Life Magazine, który jest uznawany za wprowadzenie ekspresjonizmu abstrakcyjnego na świat. Mimo wszystkich tych osiągnięć, Ferber nie jest dokładnie nazwiskiem znanym w każdym domu. Jednym z powodów może być to, że tak właśnie chciał. Ferber jest niezwykle trudny do opisania, ponieważ był bardzo oddany idei, że sztuka powinna być znacznie ważniejsza niż artyści. Uważał, że to idea stojąca za dziełem powinna być omawiana, a pytanie o to, jak dobrze idea została zrealizowana, powinno być głównym tematem wszelkiego pisania o sztuce. Niemniej jednak, jakkolwiek ważny może być ten nieco egzystencjalny punkt widzenia, wydaje mi się istotne, aby w pewnym stopniu mówić o artyście. Bez artystów i ich osobliwości, które sprawiają, że robią to, co robią, nie byłoby w ogóle sztuki do oglądania czy pisania. Szczególnie w przypadku Ferbera, szczegóły jego życia osobistego są niezbędne do zrozumienia idei, które rozwijał. Jeśli nie jesteś zaznajomiony z jego ideami, to idealny moment, aby się z nimi zapoznać. Retrospektywna wystawa w Wadsworth Atheneum Museum of Art w Hartford, Connecticut, zatytułowana Herbert Ferber: Space in Tension, prezentuje 40 prac artysty, obejmujących całą jego karierę i kładących podwaliny pod zrozumienie jego znaczenia dla rozwoju sztuki abstrakcyjnej.

Zbuduj to, rozłóż to

Urodzony w Nowym Jorku w 1906 roku, Ferber trafił do rzeźby przez szkołę dentystyczną. Musiał wykonywać studia anatomiczne na zajęciach. Jeden z jego nauczycieli zauważył, że ma szczególny talent do rysowania części ciała i zalecił Ferberowi, aby zajął się sztuką jako rodzajem dodatkowego hobby dentystycznego. Ferber szybko zapisał się na zajęcia wieczorowe w Beaux-Arts Institute of Design w Nowym Jorku. Choć ukończył szkołę dentystyczną i nawet pracował jako dentysta w niepełnym wymiarze godzin, jego pasja do idei, które napotkał w szkole artystycznej, szybko pochłonęła cały jego wolny czas. Zaczął od rysowania i malowania, ale wkrótce poczuł większą atrakcję do konceptualnej sfery rzeźby.

Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Spadek po Herbercie Ferberze

Jego pierwsze eksperymenty rzeźbiarskie polegały na budowaniu warstw gipsu w celu stworzenia figuralnych modeli postaci ludzkiej. Ferber określił ten proces budowania formy rzeźbiarskiej warstwami jako „tradycję z długą historią”. Jednak jego ciekawość wymagała, aby poszukiwał innych metod. Był pod wrażeniem sposobu, w jaki architektura romańska tworzyła fałszywe poczucie skali i perspektywy. Podobało mu się, jak pusta przestrzeń wewnątrz, powiedzmy, kościoła, nabierała takiej samej wagi jak sama struktura fizyczna. Zainspirowała go ta idea ramy, która współpracuje z otwartą przestrzenią. Budowanie rzeźby, a nawet rzeźbienie rzeźby, nie mogło osiągnąć tego samego poczucia przestrzeni, więc postanowił pracować z metalem. Proces spawania pozwolił mu stworzyć to, co nazywał „otwartymi rzeźbami”, czyli formami, które były złożone, aby włączyć zarówno materiały stałe, jak i pustą przestrzeń.

Herbert Ferber - Apokaliptyczny Jeździec II, 1947, © Spadek po Herbercie Ferberze

Rzeźba Abstrakcyjna Gestualna

Pierwsza duża wystawa, którą otrzymał Ferber, miała miejsce w Galerii Betty Parsons. Zawierała to, co określał jako rzeźby „gesturalne” – „naturalistyczne” formy z „rodzajem gesturalnego układu”. Prace te były przez niektórych krytyków uważane za surrealistyczne, a przez innych za abstrakcyjne. Ferber powiedział, że żadna z tych definicji nie była do końca trafna. Po prostu eksperymentował z sposobami uchwycenia prostych idei. Chciał tworzyć formy, które przenikałyby przestrzeń. Chciał zrozumieć, jaka jest różnica między formą a przestrzenią. Chciał zbadać, jak fizyczny gest może manifestować się jako solidny obiekt. Chciał pozwolić swoim materiałom i procesom wyrażać swoją prawdę. Te kwestie, jak zauważył Ferber, były tematami, o których rozmawiali wszyscy artyści Nowojorskiej Szkoły w tamtym czasie. Nie były to jednak ważne kwestie dla kupującej publiczności, która w dużej mierze ignorowała Ferbera i większość jego współczesnych, przynajmniej w początkowych latach.

Herbert Ferber - Hołd dla Piranesiego IV B, 1963-64, © Spadek po Herbercie Ferberze

Mimo że był biedny i w dużej mierze ignorowany, Ferber i inni pozostali filozoficzni i idealistyczni. Wspomina, że bez końca rozmawiał z innymi artystami o jednym dziele sztuki, zagłębiając się coraz głębiej w jego koncepcyjne implikacje. Jak powiedział w wywiadzie w 1968 roku dla Smithsonian Archives of American Art: „nie rozmawialiśmy o tym, co słyszę dzisiaj, czyli gdzie wystawiasz lub co sprzedajesz, albo jakie masz zlecenia. Zawsze chodziło o pomysły związane z odrywaniem się od lub rozwijaniem w kierunku nowej formy lub nowego pomysłu.” Ostatecznie te pomysły dojrzały do dobrze ugruntowanych punktów dyskusji, które teraz definiują niezliczone wystawy muzealne i eseje o amerykańskiej sztuce połowy XX wieku. Ferber jednak przeszedł dalej. Nieustannie się rozwijał i popychał siebie w swoim studiu. Każdy wybór, który podejmował jako artysta, pozwalał mu zrealizować pomysł, a to pozostawało jego głównym celem aż do końca. Jego awersja do samouwielbienia mogła utrzymać go w cieniu mediów masowych, ponieważ zawsze przypisywał zasługi pomysłom, a nie swojemu nazwisku, ale również nadała jego pracy autentyczność, witalność i siłę. Herbert Ferber: Space in Tension trwa do 29 lipca 2018 roku w Wadsworth Atheneum Museum of Art.

Obraz wyróżniający: Herbert Ferber: Przestrzeń w napięciu, widok instalacji w Muzeum Sztuki Wadsworth Atheneum, © Muzeum Sztuki Wadsworth Atheneum

Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych

Autor: Phillip Barcio