Muzeum Sztuki Wadsworth Atheneum honoruje rzeźbiarza abstrakcyjnego ekspresjonizmu Herberta Ferbera
Herbert Ferber był zagadką. Był jednym z najbardziej wpływowych artystów XX wieku, a jednak większość ludzi dzisiaj nigdy o nim nie słyszała. Ferber obracał się w towarzystwie najsłynniejszych z najsłynniejszych — Pollocka, Krasnera, de Kooninga, Motherwella, Rothko. Wystawiał się nawet razem z nimi w galerii Betty Parsons. W rzeczywistości Ferber był jednym z 18 „Irascibles”, którzy napisali otwarty list do Metropolitan Museum of Art w proteście przeciwko wystawie American Painting Today w 1950 roku. Jest uwzględniony w słynnym zdjęciu tej niesławnej grupy, które towarzyszyło artykułowi w magazynie Life, uznawanemu za wprowadzenie ekspresjonizmu abstrakcyjnego do świata. Pomimo tych wszystkich zasług, Ferber nie jest dokładnie nazwiskiem znanym każdemu. Jednym z powodów może być to, że właśnie tego chciał. Ferber jest niezwykle trudny do opisania, ponieważ był bardzo oddany idei, że sztuka powinna być znacznie ważniejsza niż artyści. Uważał, że to idea stojąca za dziełem powinna być tematem dyskusji, a pytanie o to, jak dobrze idea została zrealizowana, powinno być głównym celem wszelkich tekstów o sztuce. Niemniej jednak, choć ten nieco egzystencjalny punkt widzenia jest ważny, wydaje mi się niezbędne, by mówić o artyście przynajmniej w pewnym stopniu. Bez artystów i ich osobliwości, które sprawiają, że robią to, co robią, nie byłoby sztuki do oglądania ani opisywania. Szczególnie w przypadku Ferbera szczegóły jego życia osobistego są kluczowe dla zrozumienia rozwijanych przez niego idei. Jeśli nie znasz jego pomysłów, to idealny moment, by się z nimi zapoznać. Retrospektywna wystawa w Wadsworth Atheneum Museum of Art w Hartford, Connecticut, zatytułowana Herbert Ferber: Space in Tension, prezentuje 40 dzieł artysty, obejmujących całą jego karierę i stanowiących podstawę do zrozumienia jego znaczenia dla rozwoju sztuki abstrakcyjnej.
Buduj, Rozbieraj
Urodzony w Nowym Jorku w 1906 roku, Ferber trafił do rzeźby przez szkołę dentystyczną. W ramach zajęć musiał wykonywać studia anatomiczne. Jeden z jego nauczycieli zauważył, że ma szczególny talent do rysowania części ciała i polecił Ferberowi rozwijanie sztuki jako swego rodzaju dodatkowego hobby poza stomatologią. Ferber natychmiast zapisał się na wieczorowe zajęcia w Beaux-Arts Institute of Design w Nowym Jorku. Choć ukończył szkołę dentystyczną i nawet pracował dorywczo jako dentysta, jego pasja do idei poznanych na studiach artystycznych szybko pochłonęła cały wolny czas. Zaczął od rysunku i malarstwa, ale wkrótce poczuł większe przyciąganie do konceptualnej sfery rzeźby.
Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Majątek Herberta Ferbera
Jego pierwsze eksperymenty rzeźbiarskie polegały na nakładaniu warstw gipsu, by tworzyć figuratywne modele postaci ludzkiej. Ferber nazywał ten proces budowania formy rzeźbiarskiej warstwami „tradycją z długim stażem”. Jednak jego ciekawość zmusiła go do poszukiwania innych metod. Był pod wrażeniem, jak architektura romańska tworzy fałszywe poczucie skali i perspektywy. Podobało mu się, jak pustka wewnątrz, na przykład kościoła, nabiera takiego samego znaczenia jak sama konstrukcja fizyczna. Zainspirowała go idea ramy współdziałającej z otwartą przestrzenią. Budowanie rzeźby lub nawet jej wycinanie nie mogło osiągnąć tego samego poczucia przestrzeni, więc postanowił pracować z metalem. Proces spawania pozwolił mu tworzyć to, co nazywał „rzeźbami otwartymi”, czyli formami złożonymi z materiałów stałych i pustej przestrzeni.
Herbert Ferber - Apocalyptic Rider II, 1947, © Majątek Herberta Ferbera
Gesturalna Rzeźba Abstrakcyjna
Pierwsza ważna wystawa Ferbera odbyła się w galerii Betty Parsons. Zawierała to, co nazywał „gesturalnymi” rzeźbami — „naturalistycznymi” formami z „rodzajem gesturalnego układu”. Prace te były przez niektórych krytyków uważane za surrealistyczne, przez innych za abstrakcyjne. Ferber twierdził, że żadna z tych definicji nie jest do końca trafna. Eksperymentował po prostu z metodami wyrażania prostych idei. Chciał tworzyć formy, które przenikają przestrzeń. Chciał zrozumieć różnicę między formą a przestrzenią. Chciał badać, jak fizyczny gest może przejawiać się jako obiekt stały. Chciał pozwolić swoim materiałom i procesom wyrazić ich prawdę. To, jak zauważył Ferber, były kwestie, o których wszyscy artyści Szkoły Nowojorskiej rozmawiali w tamtym czasie. Jednak nie były to ważne kwestie dla kupujących, którzy w dużej mierze ignorowali Ferbera i większość jego współczesnych, przynajmniej na początku.
Herbert Ferber - Hołd dla Piranesiego IV B, 1963-64, © Majątek Herberta Ferbera
Pomimo biedy i braku zainteresowania, Ferber i inni pozostawali filozoficzni i idealistyczni. Wspomina, jak bez końca rozmawiał z innymi artystami o pojedynczym dziele, zagłębiając się coraz bardziej w jego konceptualne znaczenia. Jak powiedział w wywiadzie w 1968 roku dla Archiwum Sztuki Amerykańskiej Smithsonian, „nie rozmawialiśmy o tym, gdzie wystawiamy, co sprzedajemy czy jakie zamówienia otrzymaliśmy. Zawsze chodziło o idee związane z odchodzeniem od lub rozwijaniem nowej formy czy nowej idei.” W końcu te idee dojrzały do dobrze ugruntowanych punktów dyskusji, które dziś definiują niezliczone wystawy muzealne i eseje o amerykańskiej sztuce połowy XX wieku. Ferber jednak poszedł dalej. Nieustannie się rozwijał i popychał siebie w swoim atelier. Każdy wybór, którego dokonywał jako artysta, pozwalał mu realizować ideę, i to pozostało jego głównym celem aż do końca. Jego niechęć do autopromocji mogła sprawić, że pozostawał poza zasięgiem mediów masowych, ponieważ zawsze przypisywał zasługi ideom, a nie swojemu nazwisku, ale jednocześnie nadała jego dziełom autentyczność, żywotność i siłę. Herbert Ferber: Space in Tension trwa do 29 lipca 2018 roku w Wadsworth Atheneum Museum of Art.
Zdjęcie główne: Herbert Ferber: Space in Tension, widok instalacji w Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
