Co musimy wiedzieć o obrazach Aleksandra Caldera
Alexander Calder jest najczęściej kojarzony z wprowadzeniem mobilu do sztuki pięknej. Jego fantazyjne, kinetyczne rzeźby kołyszą się przy najmniejszym wietrze, przekształcając się w niezliczone nowe konfiguracje. Mniej wiadomo o setkach obrazów Alexandra Caldera i tysiącach grafik, które również zasługują na święte miejsce w ważnych muzeach na całym świecie. Calder nie uważał się za wielkiego malarza. Zajmował się pracą dwuwymiarową bardziej jako gest eksploracyjny, jako sposób na zbadanie idei dotyczących koloru, przestrzeni i kompozycji. Niemniej jednak, chociaż może nie było to jego główne zainteresowanie, jego dorobek malarski wspaniale organizuje i kontekstualizuje jego idee dotyczące ruchu i relacji obiektów w tym, co nazywał systemem wszechświata.
Wczesne obrazy Aleksandra Caldera
Alexander Calder urodził się w artystycznej rodzinie. Jego ojciec był rzeźbiarzem, a pierwsze dzieła sztuki, które stworzył Calder, powstały w piwnicy, którą utrzymywał jego ojciec. Wierząc, że doprowadzi to do kariery w tworzeniu rzeczy, Calder studiował inżynierię mechaniczną w szkole. Ale pewnego dnia w 1924 roku, pracując jako inżynier w Północno-Zachodnim Pacyfiku, zwrócił uwagę na trzy ośnieżone szczyty górskie i poczuł chęć, by je namalować. Napisał do domu po materiały malarskie, które wysłała mu matka. W następnym roku znalazł się w Nowym Jorku, gdzie uczęszczał na zajęcia z malarstwa w Art Students League.
Alexander Calder - Latający trapez, 1925. Olej na płótnie. © Alexander Calder
Na zajęciach Calder nauczył się malować realistyczne tematy, do czego miał naturalny talent. Szybko zdobył pracę jako ilustrator w gazecie. Jednak urok tej pracy nie był wystarczająco silny, aby go zaangażować, i w 1926 roku wyjechał do Paryża. Tam nawiązał kontakty z awangardowymi artystami tamtych czasów. W 1930 roku, podczas wizyty w pracowni malarza Piet Mondriana, Calder powiedział, że odkrył abstrakcję. "Byłem szczególnie pod wrażeniem kilku prostokątów koloru, które miał przyczepione do swojej ściany," wyjaśnił Calder. "Wróciłem do domu i spróbowałem malować abstrakcyjnie."
"Bez tytułu" abstrakcyjny obraz, który Calder namalował w 1930 roku po wizycie w pracowni u Mondriana. © Alexander Calder
Relacje w przestrzeni
Calder szybko zdał sobie sprawę, że jego obrazy nie osiągają zamierzonego efektu, jakim było stworzenie ruchu. Dlatego wrócił do spędzania większości czasu w pracowni, pracując w przestrzeni trójwymiarowej. Niemniej jednak, nadal malował tu i tam, zawsze dążąc do tworzenia kompozycji, które wydawały się poruszać. Używał całego wszechświata jako inspiracji; szczególnie relacji, jakie ciała w przestrzeni mają ze sobą i swoim otoczeniem. Głównie ograniczał swoją paletę do czerni, bieli i czerwieni, komentując, że gdyby mógł, używałby tylko czerwieni. "Kolory drugorzędne i odcienie pośrednie służą tylko do mylenia i zamazywania wyrazistości i klarowności,” powiedział.
"Bez tytułu" abstrakcyjny obraz, który Calder namalował w 1930 roku po wizycie w pracowni u Mondriana. © Alexander Calder
Formy, na których głównie polegał w swoich abstrakcyjnych obrazach, to okręgi, sfery i dyski, które, jak powiedział, „reprezentują więcej niż to, czym są.” Ale stworzył także unikalny język kształtów przypominających trójkąty, kowadła i bumerangi. Te kształty określał jako sfery, po prostu „sfery innego kształtu.” Zaokrąglił je i próbował nadać im poczucie dynamizmu, jakby były w ruchu. Jedynym kształtem, którego użycia się wahał, był prostokąt, mówiąc: „Nie używam prostokątów – one zatrzymują. Czasami to robiłem, ale tylko wtedy, gdy chciałem zablokować, zatorować ruch.”
Alexander Calder - Bez tytułu, 1942. Gwasz i tusz na papierze. © Alexander Calder (Lewo) / Alexander Calder - Fetysze, 1944. Olej na płótnie. © Alexander Calder (Prawo)
Abstrakcyjna rzeczywistość
Choć większość ludzi uważa jego obrazy za abstrakcyjne, Calder uważał się za malarza realistycznego. Powiedział: „Jeśli potrafisz wyobrazić sobie coś, przywołać to w przestrzeni – wtedy możesz to stworzyć, a tout de suite jesteś realistą.” Niemniej jednak wiedział, że jego prace komunikują coś abstrakcyjnego. Był świadomy ograniczeń dwuwymiarowej przestrzeni, jeśli chodzi o reprezentowanie jego pomysłów, ale czuł, że tak długo, jak widzowie są zainspirowani do poszukiwania własnych znaczeń, może być usatysfakcjonowany. Powiedział: „To, że inni rozumieją to, co mam na myśli, wydaje się nieistotne, przynajmniej dopóki mają coś innego w swoich.”
Alexander Calder - Obiekty bezstronne, 1946. Olej na płótnie. © Alexander Calder
Przez całą swoją karierę Calder pozostawał elastyczny w swoim rozumieniu form i kompozycji w swoich obrazach. Ta elastyczność jest dobrze komunikowana przez zestawienie dwóch podobnych obrazów, które stworzył dziesięć lat później, a ich tytuły ujawniają ewoluującą relację, jaką Calder rozwijał wobec potencjalności w swojej pracy. Pierwszy, wykonany w 1946 roku, nosi tytuł Impartial Forms. Drugi, wykonany w 1956 roku, zawiera niemal identyczny język form, ale tym razem bezstronność zniknęła. Zamiast tego obraz nosi tytuł Santos, hiszpańskie słowo oznaczające świętych.
Alexander Calder - Santos, 1956. Olej na sklejce. © Alexander Calder
Obraz wyróżniony: Alexander Calder - Tunel przestrzenny (szczegół), 1932. Akwarela i tusz na papierze. © Alexander Calder
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
