Kiedy Piero Manzoni stworzył sztukę abstrakcyjną z Achromes

14 lutego 2019 roku Hauser & Wirth Los Angeles otworzy wystawę skoncentrowaną na „Achromes” Piero Manzoni. Tytuł wystawy to Piero Manzoni: Materiały jego czasów, a jej kuratorką jest Rosalia Pasqualino di Marineo, dyrektorka Fundacji Piero Manzoni w Mediolanie. Wystawa stanowi rzadką okazję dla amerykańskiej publiczności, aby stanąć twarzą w twarz z legendarnym ciałem sztuki konceptualnej. Rozpoczęta w 1957 roku, seria Achromes odegrała kluczową rolę w ekscytowaniu włoskiej awangardy podczas tzw. „włoskiego cudu gospodarczego”, okresu odbudowy po II wojnie światowej, kiedy codzienne życie i standardy życia Włochów zmieniały się szybciej i bardziej dramatycznie niż kiedykolwiek wcześniej. To był czas, kiedy miliony migrantów ekonomicznych przepływały z obszarów wiejskich do miast, powodując nieodwracalne zmiany w architekturze, ruchu drogowym, nawykach żywieniowych i picia, a także w sztuce i kulturze. Urodzony w 1933 roku, Manzoni rozwinął się jako artysta w tym czasie. Jego rozbity świat był naznaczony traumą, niepewnością i nieustającym strachem przed wojną nuklearną. Jego pierwsza wystawa, która miała miejsce w 1956 roku, składała się z przejmujących, figuratywnych obrazów codziennych przedmiotów zredukowanych do cienia, osadzonych na tle ognistych, radioaktywnych blasków. Jednak wszystko w jego metodzie zmieniło się w 1957 roku, kiedy wystawa niebieskich monochromatycznych obrazów Yves'a Kleina dotarła do Mediolanu. Manzoni postrzegał tę wystawę jako wezwanie do działania. Porzucił poszukiwania malowanego obrazu, poświęcając się zamiast tego poszukiwaniu tego, co można by uznać za prawdziwą sztukę, czyli sztukę, która ucieleśnia oryginalność i ponadczasowość natury. Jego Achromes były pierwszym krokiem w kierunku czegoś całkowicie oryginalnego. Poprowadziły Manzoniego do rozwoju każdego innego ciała pracy, które stworzył, i wyznaczyły mu drogę do stania się jednym z najbardziej wpływowych artystów XX wieku.

Bezbarwna Powierzchnia

Manzoni przez dwa lata tworzył i wystawiał solidne białe dzieła sztuki – to, co teraz nazywamy jego serią „Achrome” – zanim w końcu w 1959 roku wymyślił nazwę „Superfici Acrome”, czyli Bezbarwna Powierzchnia. W nazwie tkwi ironia. Naukowcy uważają, że brak koloru to czernie, a nie biel, ponieważ kolor wymaga światła, aby być postrzeganym, a czerń pochłania całe światło. Najwcześniejsze tak zwane Bezbarwne Powierzchnie, które stworzył Manzoni, powstały po prostu przez pokrycie arkuszy płótna białym gesso, kredowym białym pigmentem, który zazwyczaj używają malarze do przygotowania powierzchni do malowania. Po prostu nakładając gesso na płótno i nazywając to skończonym, Manzoni przewyższył Yves'a Kleina, który osiągnął wiele, redukując malarstwo do jednego odcienia, ale wciąż pozostawiając miejsce na uproszczenie.

Piero Manzoni - Achrome, 1961. Włókno syntetyczne. 42 x 33 cm / 16 1/2 x 13 in. Muzeum Sztuki Współczesnej w Herning (HEART). Zdjęcie: Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Mediolan

Jednakże, nawet po całkowitym wyeliminowaniu koloru, Manzoni odkrył, że ślad jego ręki wciąż był widoczny w dziele, ponieważ nałożył gesso na powierzchnię. Pragnął czegoś niereprodukowalnego, naprawdę oryginalnego, co oznaczało, że musiał wycofać się z pracy i pozwolić naturze wyrazić się wolno, bez jego ingerencji. W swoich następnych Achromach wlał płynny kaolin, białą substancję przypominającą glinę, na arkusze surowego płótna, a następnie pozwolił ciężarowi medium manipulować powierzchnią według woli. Z biegiem czasu medium spowodowało, że powierzchnia zgięła się i zniekształciła w sposób podobny do wyżłobionego przez wodę dna rzeki lub wiatrem wymytych grzbietów piaszczystej pustyni. Ale nawet ta interwencja wydawała się zbyt wiele dla Manzoniego. W poszukiwaniu Achromu, który całkowicie ukryłby dowody jego obecności, pokrył bułki kaoliną, pokrył arkusze polistyrenu farbą fosforescencyjną i zszył sekcje białego płótna w siatkę. Jego najbardziej udane próby to być może Achromy, które wykorzystywały materiały, które były już białe, takie jak bawełna, włókno szklane i futro królika. Dla nich po prostu zorganizował kompozycje, a następnie pozwolił materiałowi mówić samemu za siebie.

Piero Manzoni - Achrome, 1961. Kwadratowa bawełniana watolina i chlorek kobaltu. 56,2 x 47,2 cm / 22 1/8 x 18 5/8 in. Muzeum Sztuki Współczesnej w Herning (HEART). Zdjęcie: Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Mediolan

Naprawdę prawdziwe

To, co Manzoni miał nadzieję osiągnąć dzięki swoim „Superfici Acrome”, było czymś, co było naprawdę prawdziwe: artystycznym wyrazem tautologii – czymś tak oryginalnym, że wciąż wyraża swoją wrodzoną prawdę redundantnie na zawsze, niezależnie od tego, jak ktokolwiek na to reaguje. Grawitacja jest tautologiczna, podobnie jak upływ czasu. Jest to niezaprzeczalne, autentyczne i całkowicie unikalne. Niektórzy artyści uważają, że stworzenie sztuki tautologicznej to dążenie bezcelowe, niemożliwe do osiągnięcia. Wierzą, że gdy tylko ludzka idea manifestuje się w świecie fizycznym, ujawnia swoją sztuczność, stając się parodią natury i prawdy, a nie jej reprezentantem. Manzoni nie był jednak tak cyniczny. Wierzył, że możliwe jest stworzenie niepowtarzalnych dzieł sztuki, a oprócz swoich Achromów, dążył do osiągnięcia tego celu w kilku innych cyklach prac.

Piero Manzoni - Achrome, ok. 1960. Wełna bawełniana. 31 x 25 cm / 12 1/4 x 9 7/8 in. Dzięki uprzejmości Fondazione Piero Manzoni, Mediolan i Hauser & Wirth. Zdjęcie: Genevieve Hanson. © Fondazione Piero Manzoni, Mediolan

W serii zatytułowanej „Fiato d'Artista” (Oddech Artysty) sprzedawał balony, które mogły być nadmuchiwane przez kupującego lub przez artystę, przy czym w drugim przypadku cena rosła. Oddech uwięziony w każdym balonie był niepowtarzalny, a dokładny rozmiar i kształt każdego balonu były unikalne. Najlepsze w tym wszystkim było to, że te dzieła z czasem blakły, ostatecznie uwalniając swój cenny towar w naturalnym procesie samozniszczenia. W innej serii zatytułowanej „Konsumpcja Sztuki przez Publiczność Pożerającą Sztukę” Manzoni odbił swój odcisk palca na jajkach, które następnie zaprosił widzów do spożycia razem z nim. W swoich „Sculture viventi” (Żywe Rzeźby) zaangażował ludzi, aby pozwolili mu podpisać ich ciała. A w przypadku jego najsłynniejszej serii „Merda d’Artista” (Gówno Artysty) Manzoni wysuszył i zapakował 90 puszek swojego własnego ekskrementu, a następnie sprzedał je po bieżącej cenie złota. Być może najbliżej, jak Manzoni kiedykolwiek zbliżył się do osiągnięcia swojego celu niepowtarzalności, było wtedy, gdy stworzył „Socle du Monde” (Postument Świata), odwrócony cokół umieszczony na polu w Danii. Prezentując cały świat jako dzieło sztuki, ten utwór sugeruje, że tylko akceptując ostateczną władzę natury, artysta może naprawdę wyrazić jej prawdę.

Piero Manzoni Materiały Jego Czasu będzie wystawiana w Hauser & Wirth Los Angeles od 14 lutego do 7 kwietnia 2019.

Obraz wyróżniający: Piero Manzoni - Achrome, 1961. Słoma, proszek refleksyjny i kaolin, wypalona drewniana podstawa. 68,3 x 45,8 x 44,5 cm / 26 7/8 x 18 x 17 1/2 in. Muzeum Sztuki Współczesnej w Herning (HEART). Zdjęcie: Søren Krogh. © Fondazione Piero Manzoni, Mediolan.
Autor: Phillip Barcio