Rzeźby Ludzkie Jonathana Borofsky'

Kiedy rozpoczął swoją karierę artystyczną w latach 60., Jonathan Borofsky dążył do znalezienia sposobu na zjednoczenie minimalizmu z pop-artem; aby połączyć zasadniczo abstrakcyjne pojęcia, takie jak czystość i prostota, z językiem wizualnym, który mógłby przyciągać masową publiczność. Na przestrzeni lat Borofsky przeszedł przez liczne odrębne cykle prac w poszukiwaniu tego nieuchwytnego celu. Jednym z pomysłów, które realizował, były liczby, które, jak uważa, mają pewnego rodzaju quasi-duchową moc: łączą ludzi, miejsca i rzeczy w konkretny sposób i określają każdy aspekt sfery fizycznej i metafizycznej. Przez lata Borofsky codziennie zapisywał swój rosnący licznik i tworzył kilka dzieł sztuki, które po prostu wskazywały liczbę, na której był w danym momencie. Podpisywał inne dzieła sztuki, które wydawały się w przeciwnym razie niezwiązane z liczbami, nie swoim podpisem, ale swoim numerycznym wynikiem z dnia, w którym praca została ukończona. Oprócz swojej serii liczb, Borofsky stworzył cykl prac oparty na prostych, tekstowych deklaracjach umieszczonych na dwuwymiarowych powierzchniach, takich jak znaki. Inny cykl prac odtwarzał obrazy i obiekty, które Borofsky widział w swoich snach. Każdy z tych eksperymentów dotykał różnorodnych pojęć abstrakcji i figuralności. Każdy na swój sposób był zarówno wysoce konceptualny, jak i całkowicie dosłowny. Jednak żaden z nich nie osiągnął naprawdę tego, czego pragnął – ucieleśnienia minimalizmu i pop-artu, które mogłoby być natychmiastowo zrozumiane. Borofsky w końcu osiągnął swój cel, koncentrując się na tym, co być może jest najbardziej skromnym tematem, jaki można sobie wyobrazić: ludzkiej formie. Zaczynając od małych rzeźb do galerii, przechodząc do złożonych instalacji z setkami ludzkich form, a następnie rozszerzając się na sferę publiczną, Borofsky stworzył ogromny zbiór rzeźb ludzkich. Wielu widzów, którzy spotykają te rzeźby, odczytuje je jako proste prace figuralne, a jednak, w spełnieniu jego ambicji, wielu innych dostrzega w nich również cechy, które ujawniają obszerne i złożone tajemnice niewidzialnego świata.

Esencja Materiałowa i Obrazowa

Jednym z najbardziej oczywistych sposobów, w jaki Borofsky zjednoczył metody Minimalizmu z tymi z Pop Artu, jest nadanie jego ludzkim rzeźbom zwięzłej materialnej esencji. Materiały i procesy są kluczowymi aspektami etosu Minimalizmu. Artyści tacy jak Donald Judd cenili materiały przemysłowe, takie jak metal, plastik i beton, za ich bezosobowe cechy, które z natury odrzucały wirtuozerię, ukrywając „rękę artysty”. Procesy przemysłowe są również preferowane przez artystów Minimalizmu, ponieważ demokratyzują sztukę. Zamiast tego, aby dzieło sztuki było idolizowane z powodu swojej rzadkości, może być doceniane za to, że może być nieskończoność razy reprodukowane – prawdziwe odzwierciedlenie Nowej Ery. Oprócz pokonania wirtuozerii i rzadkości, Minimalizm również głosi prostotę, dążąc do osiągnięcia czystości poprzez eliminację zbędnych detali. Chociaż jego ludzkie rzeźby przybierają szeroką gamę cech fizycznych i wizualnych, Borofsky zawsze dba o wybór materiałów i procesów przemysłowych oraz o uproszczenie swoich form, zapewniając, że praca wyraża te trzy minimalizujące ideały: demokrację, obfitość i czystość.

Jonathan Borofsky - Człowiek spacerujący, 17 metrów wysokości, stalowa wewnętrzna struktura z zewnętrzną powłoką z włókna szklanego. Instalacja stała, budynek Munich Re, Monachium, Niemcy, 1995. © Jonathan Borofsky

Jedną z istotnych różnic między Pop Artem a Minimalizmem jest to, że artyści minimalistyczni mają tendencję do tworzenia niemal wyłącznie dzieł nienarracyjnych i niefiguratywnych, podczas gdy artyści popowi robią wręcz przeciwnie, bezczelnie czerpiąc narracyjne, figuratywne treści bezpośrednio z kultury popularnej. W najbardziej ogólny sposób, figura ludzka może być uważana za ostateczny przykład przywłaszczonego tematu kulturowego. Ale Borofsky na tym nie poprzestaje. W swoich rzeźbach ludzkich poszukuje szczególnych przejawów figury ludzkiej, które odnoszą się do kultury popularnej w inny sposób, dodając warstwy do dzieła, które odnoszą się nie tylko do ludzkości jako całości, ale także do konkretnych ludzkich momentów. Często najbardziej narracyjne elementy w dziele ujawniają najbardziej ukryte, a czasem najbardziej cyniczne aspekty ludzkiej natury. Na przykład, jedna z rzeźb ludzkich, którą zainstalował w Los Angeles, odnosi się do sportowców przytulających się po meczu. Część serii „Molecule Men”, rzeźba ta ma setki otworów wyciętych w formach. Jeden krytyk wulgarnie zinterpretował to jako pomnik ofiar strzelanin, widząc otwory jako ślady po kulach i zakładając, że przyciemniony metal był stwierdzeniem na temat rasy.

Jonathan Borofsky - Wieża Ludzi. 20 metrów wysokości, malowana stal. Instalacja stała, Park Olimpijski, Pekin, Chiny, 2008. © Jonathan Borofsky

Wszystko o związkach

W pewnych aspektach jego ludzkich rzeźb można powiedzieć, że Borofsky imituje, a przynajmniej stara się naśladować, cały zakres ludzkiego potencjału. Nawet gdy wyodrębnia jeden konkretny ludzki czyn, jak w przypadku jego rzeźb „Hammering Man”, które przedstawiają osobę zaangażowaną w codzienny akt pracy manualnej, udaje mu się wywołać oba skrajne punkty spektrum kultury ludzkiej. W sensie materialnym „Hammering Man” jest niezwykle surowy. Jednak w kontekście jego skali i potencjalnych politycznych konsekwencji może być potencjalnie ostentacyjny. Prezentując połączenie obu skrajności w obrębie figury ludzkiej, Borofsky zaprasza widzów do spekulacji nie tylko na temat tego, czym jest rzeźba, ale także na temat tego, czym jest dla nich. To szerokie społeczne stwierdzenie echo słów Walta Whitmana: „Zawieram mnóstwo.”

Jonathan Borofsky - Hammering Man, Muzeum Sztuki w Seattle. © Jonathan Borofsky

Najbardziej fascynujące jest to, jak elementy, które są najbardziej abstrakcyjne w Rzeźbach Ludzkich, często mają największy wpływ na publiczną narrację, która rozwija się wokół dzieła. W przypadku wcześniej wspomnianej rzeźby w Los Angeles, kolor i forma – dwa z najbardziej abstrakcyjnych elementów dzieła – stały się ważniejsze niż prawdziwa historia stojąca za tym dziełem. Tymczasem inne prace, takie jak te w serii „Ludzie idący do nieba”, przedstawiają masywne srebrne ukośne słupy, na których małe ludzkie formy idą w górę. Tematyka narracyjna jest łatwo przyswajalna, ale to, co nadaje dziełu moc i obecność, to jego silne cechy liniowe i metalowe wykończenie. Te aspekty definiują relację dzieła do otaczającej architektury. Definiują również jego relację do widzów, gdyż uświadamiamy sobie, że to, na co naprawdę patrzymy, jest odbiciem nas samych. To my przechodzimy po podłożu, które można łatwo opisać, maszerując radośnie w nieznane.

Obraz wyróżniający: Jonathan Borofsky - Ludzkie struktury i światło świadomości. Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park - 30 stycznia - 10 maja 2009. © Jonathan Borofsky
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio