Rzeźby Ludzkie Jonathana Borofsky'
Kiedy rozpoczął swoją karierę artystyczną w latach 60. XX wieku, Jonathan Borofsky dążył do znalezienia sposobu na połączenie minimalizmu z pop-artem; do zlania zasadniczo abstrakcyjnych pojęć, takich jak czystość i prostota, z językiem wizualnym, który mógłby mieć masową atrakcyjność. Na przestrzeni lat Borofsky przeszedł przez liczne, odrębne cykle twórcze w poszukiwaniu tego nieuchwytnego celu. Jednym z pomysłów, które realizował, były liczby, które według niego mają pewną quasi-duchową moc: łączą ludzi, miejsca i rzeczy w konkretny sposób oraz determinują każdy aspekt sfery fizycznej i metafizycznej. Przez lata Borofsky codziennie zapisywał swój rosnący licznik i tworzył kilka dzieł sztuki, które po prostu przedstawiały liczbę, na której był w danym momencie. Podpisywał inne prace, które wydawały się niezwiązane z liczbami, nie swoim podpisem, lecz liczbą z dnia ukończenia dzieła. Oprócz serii liczbowej Borofsky stworzył cykl prac opartych na prostych, tekstowych deklaracjach umieszczonych na dwuwymiarowych powierzchniach, jak znaki. Inny cykl odtwarzał obrazy i przedmioty, które Borofsky widział w swoich snach. Każdy z tych eksperymentów dotykał na różne sposoby pojęć abstrakcji i figuracji. Każdy z nich był zarazem wysoce konceptualny i całkowicie dosłowny. Jednak żaden nie osiągnął prawdziwie tego, czego pragnął – ucieleśnienia minimalizmu i pop-artu, które mogłoby być natychmiast zrozumiane. Borofsky ostatecznie osiągnął swój cel, skupiając się na być może najbardziej skromnym temacie, jaki można sobie wyobrazić: ludzkiej postaci. Zaczynając od małoskalowych rzeźb do galerii, przechodząc do złożonych instalacji z setkami ludzkich postaci, a następnie rozszerzając się na przestrzeń publiczną, Borofsky stworzył ogromny zbiór rzeźb ludzkich. Wielu widzów, którzy spotykają się z tymi rzeźbami, odbiera je jako proste dzieła figuratywne, a jednak, spełniając jego ambicję, wielu innych dostrzega w nich cechy ukazujące obfite i złożone tajemnice niewidzialnego świata.
Istota Materiału i Obrazu
Jednym z najbardziej oczywistych sposobów, w jaki Borofsky połączył metody minimalizmu z tymi z pop-artu, jest nadanie jego ludzkim rzeźbom zwięzłej materialnej istoty. Materiały i procesy są kluczowymi aspektami etosu minimalizmu. Artyści tacy jak Donald Judd cenili przemysłowe materiały, takie jak metal, plastik i beton, za ich bezosobowe cechy, które z natury odrzucały wirtuozerię, ukrywając „rękę artysty”. Procesy przemysłowe są również preferowane przez artystów minimalizmu, ponieważ demokratyzują sztukę. Zamiast czcić dzieło za jego rzadkość, można je docenić za fakt, że może być nieograniczenie powielane – prawdziwe odzwierciedlenie epoki nowoczesnej. Oprócz odrzucenia wirtuozerii i rzadkości, minimalizm głosi także prostotę, dążąc do osiągnięcia czystości przez eliminację zbędnych detali. Choć jego ludzkie rzeźby przyjmują różnorodne cechy fizyczne i wizualne, Borofsky zawsze dba o wybór przemysłowych materiałów i procesów oraz o uproszczenie form, zapewniając, że dzieło wyraża te trzy ideały minimalizmu: demokrację, obfitość i czystość.
Jonathan Borofsky - Idący człowiek, 17 metrów wysokości, stalowa konstrukcja wewnętrzna z zewnętrzną powłoką z włókna szklanego. Stała instalacja, budynek Munich Re, Monachium, Niemcy, 1995. © Jonathan Borofsky
Jedną z zasadniczych różnic między pop-artem a minimalizmem jest to, że artyści minimalizmu niemal wyłącznie tworzą dzieła nienarracyjne, niefiguratywne, podczas gdy artyści pop-artu robią dokładnie odwrotnie, bezczelnie czerpiąc narracyjne, figuratywne treści bezpośrednio z kultury popularnej. W najbardziej ogólnym sensie postać ludzka może być uważana za ostateczny przykład przyjętego tematu kulturowego. Ale Borofsky na tym nie poprzestaje. W swoich ludzkich rzeźbach poszukuje szczególnych przejawów postaci ludzkiej, które odnoszą się do kultury popularnej w inny sposób, dodając warstwy do dzieła, które odnoszą się nie tylko do ludzkości w ogóle, ale do konkretnych ludzkich momentów. Często najbardziej narracyjne elementy dzieła ujawniają najbardziej ukryte, a czasem najbardziej cyniczne aspekty ludzkiej natury. Na przykład rzeźba ludzka, którą kiedyś zainstalował w Los Angeles, nawiązuje do sportowców obejmujących się po meczu. Część serii „Molecule Men”, rzeźba ma setki otworów przebitych przez formy. Jeden krytyk prymitywnie zinterpretował ją jako pomnik strzelanin z przejazdu, widząc otwory jako ślady po kulach i zakładając, że przyciemniony metal był komentarzem na temat rasy.
Jonathan Borofsky - Wieża Ludzi. 20 metrów wysokości, malowana stal. Stała instalacja, Park Olimpijski, Pekin, Chiny, 2008. © Jonathan Borofsky
Wszystko o Relacjach
W pewnym sensie w swoich ludzkich rzeźbach można powiedzieć, że Borofsky naśladuje, a przynajmniej stara się naśladować, cały zakres ludzkich możliwości. Nawet gdy wyróżnia jeden konkretny ludzki czyn, jak w swoich rzeźbach „Młotkujący człowiek”, które pokazują osobę wykonującą codzienną pracę manualną, udaje mu się wywołać oba skrajne bieguny spektrum kultury ludzkiej. W sensie materialnym „Młotkujący człowiek” jest niezwykle surowy. W sensie jego skali i potencjalnych politycznych konsekwencji jest jednak potencjalnie okazały. Prezentując połączenie obu skrajności w formie ludzkiej postaci, Borofsky zaprasza widzów do rozważań nie tylko nad tym, czym jest rzeźba, ale nad tym, czym jest dla nich samych. To szerokie społeczne przesłanie odzwierciedla słowa Walta Whitmana: „Zawieram w sobie wielość.”
Jonathan Borofsky - Młotkujący człowiek, Muzeum Sztuki w Seattle. © Jonathan Borofsky
Najbardziej fascynujące jest to, jak elementy najbardziej abstrakcyjne w Ludzkich Rzeźbach często mają największy wpływ na publiczną narrację, która rozwija się wokół dzieła. W przypadku wcześniej wspomnianej rzeźby z Los Angeles kolor i forma – dwa najbardziej abstrakcyjne elementy dzieła – stały się ważniejsze niż prawdziwa historia stojąca za dziełem. Tymczasem inne prace, takie jak te z serii „Ludzie idący ku niebu”, przedstawiają ogromne srebrne ukośne słupy, po których w górę idą małe ludzkie postacie. Temat narracyjny jest łatwo przyswajalny, ale to, co nadaje dziełu siłę i obecność, to jego silne cechy liniowe i metaliczne wykończenie. Te aspekty definiują związek dzieła z otaczającą architekturą. Definiują także jego związek z widzami, gdy uświadamiamy sobie, że tak naprawdę patrzymy na odbicie samych siebie. To my przemierzamy podłoże, które można łatwo opisać, maszerując radośnie ku nieznanemu.
Zdjęcie główne: Jonathan Borofsky - Ludzkie struktury i światło świadomości. Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park – 30 stycznia – 10 maja 2009. © Jonathan Borofsky
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
