W Galerii Yossi Milo, Wystawa Grupowa Artystów Malujących Światłem

17 stycznia 2019 roku galeria Yossi Milo w Nowym Jorku otworzy wystawę zbiorową badającą współczesny stan Fotografii Konkretnej. Pod tytułem Malowanie światłem wystawa obejmie prace ponad 25 artystów, którzy odrzucają tradycyjne strategie fotograficzne na rzecz abstrakcyjnych, konceptualnych lub eksperymentalnych metod wykorzystania światła do zmiany powierzchni. Choć termin ten został ukuty dopiero w latach 60. XX wieku, idea Fotografii Konkretnej istnieje od ponad wieku. Różni się ona pod wieloma względami od fotografii dokumentalnej, a nawet od wielu rodzajów fotografii abstrakcyjnej. Celem większości fotografii dokumentalnej jest utrwalenie ulotnej chwili w czasie, uchwycenie fragmentu rzeczywistości przechodzącej przed obiektywem aparatu. Fotografia abstrakcyjna również może dokumentować rzeczywistość, ale zamiast próbować uchwycić rozpoznawalne obrazy świata lub opowiedzieć narracyjną historię, intencją fotografii abstrakcyjnej może być wyrażenie formalnych elementów takich jak linia, ton, kształt, kolor czy forma w sposób symboliczny lub czysto plastyczny. To, co wyróżnia Fotografię Konkretą, to także intencja artysty oraz sposób wykorzystania materiałów, narzędzi i technik fotograficznych. Fotografia Konkretna eliminuje pojęcie „robienia zdjęcia” i zastępuje je ideą wykorzystania światła do „tworzenia obrazu” na światłoczułej powierzchni lub umożliwienia powstania wizualnej kompozycji poprzez kombinację światła, powierzchni, aparatu, chemikaliów lub innych materiałów. Fotografie Konkretne można uznać za czyste w tym sensie, że ich misją nie jest odniesienie do czegoś innego, lecz umożliwienie powstania czegoś samoodniesionego. Tutaj przyglądamy się metodom siedmiu artystów prezentowanych na wystawie Malowanie światłem: Richard Caldicott, Gottfried Jäger, Luuk de Haan, Jessica Eaton, Tenesh Webber, Sheree Hovsepian i Alison Rossiter. Każdy z tych artystów posiada unikalną metodę i dąży do indywidualnego celu. A jednak wszyscy podążają podobną koncepcyjną nitką: przekonaniem, że fotografia nie musi być zapisem czegokolwiek poza własnym istnieniem lub materiałami i procesami własnego powstania.

Richard Caldicott

Richard Caldicott czasem używa aparatu analogowego jako części swojego procesu, ale jego fotogramy i fotografie nie mają na celu dokumentowania. Zamiast tego Caldicott starannie konstruuje kompozycje, które są minimalistyczne, kolorowe, geometryczne i samoodniesione. W jednej ze swoich serii na przykład tworzy odbitkę fotogramu z wyciętego papierowego negatywu, a następnie prezentuje odbitkę i negatyw obok siebie w dyptyku, stawiając pytania o naturę obiektu i podmiotu w fotografii oraz żartobliwie krytykując, gdzie mogą zaczynać się i kończyć procesy fotograficzne.

Richard Caldicott - Bez tytułu 110/5, 1999. C-Print. 35,5 x 27,9 cm

Gottfried Jäger

Ojciec „Fotografii Generatywnej”, Gottfried Jäger jest uważany za jednego z najważniejszych pionierów Fotografii Konkretnej. Jäger podchodzi do tworzenia fotografii nie z perspektywy przedstawiania form ze świata naturalnego, lecz od punktu wyjścia, jakim jest system matematyczny, który sam opracowuje, a który następnie determinuje rozwój obrazu. Pomimo odrzucenia naturalnych obrazów, jego Fotografie Generatywne ukazują fantastyczne, złożone systemy, które mimo to przywołują najistotniejsze podstawowe aspekty fizycznego wszechświata.

Luuk de Haan

W konceptualnym zwrocie współczesnych trendów, Luuk de Haan zaczyna swój proces na komputerze, a kończy aparatem. Tworzy minimalistyczną, geometryczną kompozycję za pomocą cyfrowego oprogramowania, a następnie fotografuje obraz bezpośrednio z ekranu komputera. Poprzez zmianę warunków oświetleniowych podczas fotografowania oraz wykonywanie gestów aparatem, osiąga nieoczekiwane efekty, które nadają jego kompozycjom poczucie dynamizmu.

Luuk De Haan - dwa połączone kwadraty 1, 2013. Unikat. Ultrachrome HD tusz na papierze hahnemuhle. 42 x 57,8 cm

Jessica Eaton

Używając tradycyjnego aparatu wielkoformatowego, Jessica Eaton stosuje techniki takie jak rozmycie ruchu i wielokrotne naświetlanie, aby tworzyć ultrajasne kompozycje, które często nawiązują do wizualnych języków historii sztuki modernistycznej. Wykorzystuje sam proces fotograficzny, by podważyć jego rolę jako indeksatora. Zamiast rozważać temat swoich fotografii lub metody ich tworzenia, jej odbitki zapraszają widzów do transcendentnej, konceptualnej sfery wizualnej.

Tenesh Webber

Aby stworzyć swoje fotografie bez użycia aparatu, Tenesh Webber układa warstwami nici, papier, ręcznie wykonane przedmioty i oznaczone szklane arkusze na światłoczułym papierze, który następnie naświetla w ciemni. Powstałe fotogramy rejestrują negatywny obraz fizycznych materiałów użytych do ich stworzenia. Końcowy obraz wykracza poza zapis materiałów i procesów. Wzory, linie, kształty i puste przestrzenie współdziałają, tworząc poczucie głębi i złożoności, przywołując myśli o ogromie światów fizycznego i pojęciowego.

Tenesh Webber - Shift, 2004. Fotografia czarno-biała. 20,5 x 20,5 cm

Sheree Hovsepian

Zamiast przypisywać fotografii zdolność opowiadania pełnej historii, Sheree Hovsepian podkreśla fakt, że nawet najbardziej realistyczne zdjęcie ukazuje jedynie fragmenty prawdy. Jej fotogramy powstają przez selektywne naświetlanie obszarów światłoczułego papieru. Czasem prezentuje powstały obraz jako samodzielny obiekt, a innym razem używa odbitki srebrowo-żelatynowej jako pojedynczego elementu większej kompozycji, która może zawierać różnorodne materiały, takie jak nylon, szpilki, gwoździe, sznurek, drewno, taśma czy znalezione przedmioty.

Alison Rossiter

Pod pewnymi względami Alison Rossiter można opisać bardziej jako odkrywczynię obrazów niż ich twórczynię. Od 2007 roku Rossiter zbiera przeterminowane rolki nieużytej kliszy, sięgające w niektórych przypadkach niemal wieku. Wywołuje nieeksponowaną kliszę, pozwalając, by elementy obrazowe ujawniły się w wyniku upływu czasu, który odciska swoje ślady na papierze. Niezwykłe, dramatyczne obrazy powstałe w tym procesie można postrzegać jako współpracę między producentem filmu, osobami, które go przechowywały i obsługiwały przez dziesięciolecia, a Rossiter, która podejmuje estetyczne i techniczne decyzje o tym, kiedy i jak powstaje ostateczny obraz.

Malowanie światłem będzie dostępne do oglądania od 17 stycznia do 23 lutego 2019 roku w galerii Yossi Milo, 245 Tenth Avenue, w dzielnicy Chelsea w Nowym Jorku.

Zdjęcie wyróżniające: Liz Nielsen - Stone Arch Toro, 2018, analogowy chromogeniczny fotogram, unikat, na Fujiflex, 30 x 40. © Liz Nielsen. Za zgodą galerii Danziger, Nowy Jork
Autor: Phillip Barcio