W Galerii Yossi Milo, Wystawa Grupowa Artystów Malujących Światłem

17 stycznia 2019 roku galeria Yossi Milo w Nowym Jorku otworzy wystawę zbiorową badającą współczesny stan Fotografii Konkretniej. Tytuł wystawy to Malowanie światłem, a w jej skład wejdą prace ponad 25 artystów, którzy unikają tradycyjnych strategii fotograficznych na rzecz abstrakcyjnych, konceptualnych lub eksperymentalnych metod mobilizowania światła w celu zmiany powierzchni. Chociaż termin ten został wprowadzony dopiero w latach 60. XX wieku, idea Fotografii Konkretniej istnieje od ponad wieku. Różni się ona pod wieloma względami od fotografii dokumentalnej, a nawet od wielu typów fotografii abstrakcyjnej. Celem większości fotografii dokumentalnej jest uchwycenie ulotnego momentu w czasie, rejestrując częściowy obraz rzeczywistości, gdy przechodzi ona przed obiektywem aparatu. Fotografia abstrakcyjna również może dokumentować rzeczywistość, ale zamiast próbować uchwycić rozpoznawalne obrazy świata lub opowiedzieć narracyjną historię, intencją stojącą za abstrakcyjnym zdjęciem może być wyrażenie formalnych elementów, takich jak linia, ton, kształt, kolor czy forma w sposób symboliczny lub czysto plastyczny. To, co wyróżnia Fotografię Konkretną, to także intencja artysty, a także sposób, w jaki materiały, narzędzia i techniki fotografii są wykorzystywane. Fotografia Konkretną eliminuje pojęcie „robienia zdjęcia” i zastępuje je ideą wykorzystania światła do „stworzenia obrazu” na wrażliwej na światło powierzchni lub w inny sposób pozwala na powstanie kompozycji wizualnej poprzez pewne połączenie światła, powierzchni, aparatu, chemikaliów lub innych materiałów. Fotografie Konkretną można uznać za czyste w tym sensie, że ich misją nie jest odniesienie się do czegoś innego, ale raczej pozwolenie na powstanie czegoś samoreferencyjnego. Tutaj badamy metody siedmiu artystów, którzy zostali przedstawieni w Malowanie światłem: Richard Caldicott, Gottfried Jäger, Luuk de Haan, Jessica Eaton, Tenesh Webber, Sheree Hovsepian i Alison Rossiter. Każdy z tych artystów posiada unikalną metodę i dąży do idiosynkratycznego celu. A jednak każdy z nich podąża również za podobnym wątkiem koncepcyjnym: wiarą, że fotografia nie musi być zapisem czegokolwiek innego poza własnym istnieniem lub materiałami i procesami jej własnego powstania.

Richarda Caldicotta

Richard Caldicott czasami używa aparatu analogowego jako część swojego procesu, ale jego fotogramy i fotografie nie są osadzone w intencji dokumentowania. Zamiast tego, Caldicott starannie konstruuje kompozycje, które są minimalistyczne, kolorowe, geometryczne i samoreferencyjne. W jednej z jego serii, na przykład, tworzy odbitkę fotogramu z wyciętego papierowego negatywu, a następnie wyświetla odbitkę i negatyw obok siebie w dyptyku, stawiając pytania o naturę obiektu i podmiotu w fotografii oraz żartobliwie krytykując, gdzie mogą być punkty początkowe i końcowe procesu fotograficznego.

Richard Caldicott - Untitled 110/5, 1999. C-Print. 35,5 x 27,9 cm

Gottfried Jäger

Ojciec „Fotografii Generatywnej”, Gottfried Jäger jest uważany za jednego z najważniejszych pionierów Fotografii Konkretnej. Jäger podchodzi do tworzenia fotografii nie z perspektywy przedstawiania form ze świata naturalnego, lecz raczej z punktu wyjścia matematycznego systemu, który opracowuje, a który następnie determinuje ewolucję obrazu. Pomimo odrzucenia naturalnych obrazów, jego Fotografie Generatywne ujawniają fantastyczne, złożone systemy, które mimo to przywołują najbardziej istotne podstawowe aspekty fizycznego wszechświata.

Łukasz de Haan

W koncepcyjnym zwrocie współczesnych trendów, Luuk de Haan rozpoczyna swój proces na komputerze, a kończy go aparatem. Tworzy minimalną, geometryczną kompozycję za pomocą oprogramowania cyfrowego, a następnie fotografuje obraz bezpośrednio z ekranu komputera. Zmieniając warunki oświetleniowe, w jakich wykonywana jest fotografia, oraz wykonując gesty z aparatem, osiąga nieoczekiwane rezultaty, które nadają jego kompozycjom poczucie dynamizmu.

Luuk De Haan - dwa mostkowane kwadraty 1, 2013. Unikat. Tusz Ultrachrome HD na papierze Hahnemühle. 42 x 57,8 cm

Jessica Eaton

Używając tradycyjnej kamery wielkoformatowej, Jessica Eaton stosuje techniki takie jak rozmycie ruchu i wielokrotne naświetlenia, aby stworzyć ultra-luminescencyjne kompozycje, które często nawiązują do wizualnych języków historii sztuki modernistycznej. Wykorzystuje sam proces fotograficzny, aby obalić jego rolę jako indeksatora. Zamiast kontemplować tematykę swoich fotografii lub metody ich tworzenia, jej odbitki zapraszają widzów do transcendentnej, konceptualnej sfery wizualnej.

Tenesh Webber

Aby stworzyć swoje fotografie bez użycia aparatu, Tenesh Webber nakłada nici, papier, ręcznie robione obiekty i oznaczone arkusze szkła na papier światłoczuły, który następnie eksponuje na światło w ciemni. Powstałe fotogramy rejestrują negatywny obraz fizycznych materiałów użytych do ich stworzenia. Ostateczny obraz wykracza poza bycie zapisem materiałów i procesów. Wzory, linie, kształty i pustki spiskują, aby stworzyć poczucie głębi i złożoności, wywołując myśli o ogromie światów fizycznych i koncepcyjnych.

Tenesh Webber -Shift, 2004. Fotografia czarno-biała. 20,5 x 20,5 cm

Sheree Hovsepian

Zamiast nadawać agencję idei, że fotografia może opowiedzieć kompletną historię, Sheree Hovsepian podkreśla fakt, że nawet najbardziej realistyczna fotografia ujawnia tylko fragmenty prawdy. Jej fotogramy są tworzone poprzez selektywne naświetlanie obszarów papieru wrażliwego na światło. Czasami eksponuje powstały obiekt obrazu samodzielnie, a innym razem wykorzystuje odbitkę na żelu srebrnym jako pojedynczy element w większej kompozycji, która może również zawierać szereg materiałów, takich jak nylon, szpilki, gwoździe, sznurki, drewno, taśma lub znalezione przedmioty.

Alison Rossiter

W pewnych aspektach, Allison Rossiter można opisać jako bardziej odkrywcę obrazów niż ich twórcę. Od 2007 roku Rossiter zbiera przeterminowane rolki nieużywanego filmu, sięgające w niektórych przypadkach niemal wieku. Drukuje nieeksponowany film, pozwalając elementom obrazowym ujawniać się, gdy zniszczenia czasu wyrażają się na papierze. Przerażające, dramatyczne obrazy, które wyłaniają się z tego procesu, można postrzegać jako współpracę między producentem filmu, kimkolwiek, kto go przechowywał i obsługiwał przez dziesięciolecia, a Rossiter, która podejmuje estetyczne i techniczne decyzje dotyczące tego, kiedy i jak powstaje ostateczny obraz.

Malowanie Światłem będzie wystawiane od 17 stycznia do 23 lutego 2019 roku w Yossi Milo Gallery, 245 Tenth Avenue, w dzielnicy Chelsea w Nowym Jorku.

Obraz wyróżniający: Liz Nielsen - Stone Arch Toro, 2018, fotogram analogowy chromogeniczny, unikatowy, na Fujiflex, 30 x 40. © Liz Nielsen. Dzięki uprzejmości Danziger Gallery, Nowy Jork
Autor: Phillip Barcio