Za Nocturne w czerni i złocie – Spadająca rakieta Jamesa McNeilla Whistlera

Kiedy James McNeill Whistler po raz pierwszy wystawił „Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket” w 1877 roku, mały (60,3 × 46,6 cm) obraz wywołał ogromną debatę publiczną. Jak sugeruje tytuł, obraz przedstawia pokaz fajerwerków w nocy. Scena rozgrywa się w Ogrodach Cremorne, popularnym miejscu spotkań obok mostu nad rzeką Tamizą w Londynie. Jednak to nie temat był kontrowersyjny, lecz sposób, w jaki Whistler go przedstawił – jako w większości czarną i szaro-skalową powierzchnię splamioną kroplami żółtego, z jedynymi rozpoznawalnymi elementami będącymi kilkoma upiornymi, humanoidalnymi formami unoszącymi się na dole kadru. W swoich własnych słowach Whistler stwierdził: „Nie zamierzałem, aby to było 'poprawne' portretowanie mostu. Moim całym zamysłem było jedynie osiągnięcie pewnej harmonii kolorów.” Miał nadzieję, że kolory skłonią widzów do odczuwania pewnego nastroju lub atmosfery. Chciał emocji, a nie rozpoznania. Obraz został pokazany w Grosvenor Gallery, która dopiero co została otwarta i która reklamowała się jako dedykowana pokazywaniu dzieł spoza brytyjskiego mainstreamu. John Ruskin, wiodący krytyk sztuki tamtych czasów, uczestniczył w wystawie. Ruskin miał już reputację za nienawidzenie wszystkiego, co było poza mainstreamem. Zbeształ obraz w swojej recenzji, pisząc, że galerzysta „nie powinien był dopuszczać do galerii dzieł, w których źle wykształcone zarozumialstwo artysty tak blisko podchodziło do aspektu świadomego oszustwa.” Kontynuował: „Widziałem i słyszałem wiele o cockneyowskiej bezczelności, ale nigdy nie spodziewałem się usłyszeć, że pawian prosi o dwieście guineas za rzucenie garnka farby w twarz publiczności.” Ruskin przedstawił Whistlera jako leniwie próbującego narzucić publiczności niedokończoną pracę, podczas gdy w rzeczywistości obraz był osadzony w teorii i technikach, które zajęły Whistlerowi dziesięciolecia, aby je dopracować. W odpowiedzi Whistler pozwał Ruskina za zniesławienie i wygrał. Reakcja jednak zrujnowała Whistlera finansowo i zniszczyła jego reputację wśród jego dawnych kolekcjonerów. Jednakże, umocniła jego reputację wśród młodszych artystów, którzy rozumieli jego wysiłki i podążali jego koncepcyjnymi śladami, dumnie i publicznie nazywając siebie jego uczniami.

Wzrost estetyki

Whistler namalował „Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket” w środku tego, co teraz nazywamy Ruchem Estetycznym. Ruch ten pojawił się na początku La Belle Époque, czyli Pięknej Ery, czasem, kiedy w całej Europie Zachodniej kultura była wypełniona optymizmem i dobrobytem gospodarczym. Zainspirowani artystami impresjonistycznymi, którzy priorytetowo traktowali element światła w swoich obrazach, artyści związani z Ruchem Estetycznym odrzucili ideę, że sztuka musi być realistyczna lub mieć jakąkolwiek treść narracyjną. Skupili się na indywidualnych cechach estetycznych, podkreślając wszystko, co postrzegali jako piękne. Kolor, ton, tekstura i linia nie były już używane w służbie jakiegoś innego tematu – same stały się tematami zainteresowania.

Jak zauważył Whistler, jeśli wysokość artystycznego wyrazu polega jedynie na wiernym kopiowaniu tego, co już istnieje, fotograf byłby „królem artystów”. Ruch estetyczny dotyczył poszukiwania tego, co jeszcze malarz mógłby wprowadzić do obrazu poza tym, co jest łatwo dostrzegalne w świecie. Artyści ruchu estetycznego dążyli do uchwycenia uczucia, emocji i dramatu życia. „Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket” była próbą przekazania mistycznych zjawisk, które pojawiają się i znikają z mgły podczas pokazu fajerwerków. To, co krytykowi wyglądało jak rozpryskiwana farba, było w rzeczywistości energetyczną próbą uchwycenia ulotnej dynamiki migoczących świateł ognia. Obraz chwytał coś prymarnego i podświadomego: strach i zdumienie związane z przechadzaniem się po ulicach miasta nocą.

Delikatna sztuka robienia wrogów

Po tym, jak Whistler wygrał swoją sprawę o zniesławienie przeciwko krytykowi, opublikował transkrypt procesu jako część książki zatytułowanej „Sztuka delikatnego czynienia wrogów”. Książka jest nieoceniona, ponieważ upamiętnia powszechne uprzedzenia wobec sztuki wizualnej pod koniec XIX wieku.^t Wieku, nie tylko w wiktoriańskiej Anglii, ale w całym zachodnim świecie. „Szczegół i kompozycja” oraz „poprawna reprezentacja” są wynoszone na piedestał jako istotne znaki prawdziwej sztuki. Nawet inny artysta, który został wezwany do zeznawania w procesie, nazwał „obraz”, który namalował Whistler, „tylko jednym z tysiąca niepowodzeń w malowaniu nocy”. Dowcipne odpowiedzi, które Whistler wygłaszał, jasno pokazały, że nie uważał tego obrazu za „obraz” w ogóle. Uważał go za narzędzie transcendencji, oferujące każdemu indywidualnemu widzowi szansę na osobistą podróż odkrywania siebie. Opowiadał się za prawem widza do widzenia tego, co chce zobaczyć, i do odczuwania tego, co chce poczuć. I zaatakował krytyków, mówiąc: „szerzą uprzedzenia; tysiące są ostrzegane przed dziełem, którego jeszcze nie widziały.”

Mimo że Whistler miał rację, że rzeczywiście zyskał wielu wrogów, odważając się skoczyć na główkę w niejasny i jeszcze niedorozwinięty świat sztuki abstrakcyjnej, zyskał również wielu przyjaciół, choć może nie zdążył ich poznać. Jego obrazy i słowa inspirowały artystów takich jak Hilma af Klint, która miała 15 lat, gdy powstał „Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket”, i która całkowicie przyjęła mistyczne cechy koloru, linii i kształtu; Wassily Kandinsky, który dziesięciolecia później przyjął porzucenie obrazu jako uosobienie duchowości w sztuce; oraz Jackson Pollock, który dumnie, genialnie i dosłownie rzucał wiadra farby w twarz publiczności. Odwaga, jaką Whistler wykazał, odważając się pokazać swoje obrazy nocne w pierwszej kolejności, a następnie broniąc swoich pomysłów publicznie, mogła nieodwracalnie zaszkodzić jego karierze. Ale nauczył pokolenia przyszłych artystów wartości i piękna w abstrakcji oraz znaczenia zniszczenia uprzedzeń przeszłości.

Obraz wyróżniony: James Abbott McNeill Whistler - Nocturne w czerni i złocie – Spadająca rakieta. około 1872–77. Olej na płótnie. 60,3 cm × 46,6 cm (23,7 in × 18,3 in). Instytut Sztuki w Detroit, Detroit
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio