Podemos encontrar um elemento abstrato na arte expressionista alemã?

Escuro. Ansioso. Assustador. Primitivo. Cru. Estas são algumas das palavras que as pessoas usam para descrever a arte Expressionista Alemã. Para uma referência visual do que essas pessoas querem dizer, imagine O Grito, a famosa pintura recriada várias vezes pelo artista norueguês Edvard Munch a partir de 1893. Essa imagem distorcida, emotiva e horrivelmente bela incorpora as muitas razões pelas quais Munch foi uma inspiração primária para os pintores Expressionistas Alemães. Então, quem eram esses artistas e o que os levou a desenvolver uma estética tão ameaçadora? Talvez uma pergunta mais interessante seja se a estética deles é realmente tão ameaçadora quanto parece. Muitas pessoas acham que as pinturas dos Expressionistas Alemães são assombrosas e evocativas. Alguns até as consideram reveladoras sobre o espírito humano. Talvez haja elementos abstratos na arte Expressionista Alemã que, se pudéssemos interagir com eles, poderiam nos levar a uma compreensão mais profunda do significado dessas obras. Poucos movimentos artísticos foram tão influentes quanto o Expressionismo, cujas tendências reapareceram repetidamente em outros movimentos ao longo da história moderna da arte. Se pudermos expandir nossa compreensão das nuances e origens desse fascinante movimento, também poderemos entender melhor o Expressionismo Abstrato, o Neo-Expressionismo e certos desenvolvimentos atuais na arte contemporânea. Podemos até ser capazes de aprender algo essencial sobre nós mesmos.

Tão romântico

O Expressionismo Alemão foi um movimento artístico do século 20, datando de cerca de 1905 a 1920. Mas para entender suas raízes, precisamos olhar um pouco mais para trás. Muitas das mudanças mais profundas na história da arte ocidental começaram no meio do século 19. A razão pode ser resumida em duas palavras: Revolução Industrial. Antes de cerca de 1760, a maioria das pessoas no mundo ocidental vivia uma vida rural ou artesanal. Elas trabalhavam na terra ou em um ofício não mecanizado. Mas durante um período de 90 anos, entre aproximadamente 1760 e 1850, essa realidade de vida de longa data mudou dramaticamente graças ao rápido avanço da tecnologia e das máquinas.

No meio do século XIX, mudanças nos processos químicos e de fabricação tornaram a maior parte da força de trabalho agrícola e artesanal obsoleta. Mas a atividade industrial urbana estava aumentando exponencialmente. Em um grau nunca antes visto, a população mudou do campo para a cidade, e junto com isso, o estilo de vida do humano típico mudou de maneiras radicais. Havia benefícios, como água limpa e alimentos e roupas acessíveis, mas também desafios, como poluição e superlotação. O mais disruptivo foi o egocentrismo da urbanidade, que mudou a forma como os humanos comuns se relacionavam entre si.

Egon Schiele - Self-Portrait with Black Vase and Spread Fingers, 1911, 34 x 27.5 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Impressões Artísticas

O primeiro movimento artístico a surgir da Revolução Industrial foi o Romantismo. Ele emergiu à medida que aqueles dezenas de milhões de novos urbanitas perceberam que ansiavam pelas maneiras bucólicas e agrárias de seus ancestrais. Artistas românticos retrataram a beleza do mundo natural e a elegância de tempos passados. Após os Românticos vieram os Impressionistas. Esses artistas também se concentraram em temas um tanto idílicos, mas estilisticamente deram passos ousados em direção ao que eventualmente se tornaria abstração. Em vez de pintar imagens precisamente realistas, eles usaram novas técnicas e exageraram suas paletas de cores para transmitir de forma bela e magistral a impressão de seus sujeitos, com uma ênfase particular em capturar as qualidades da luz.

Mas, na virada do século, mais uma geração de artistas estava surgindo, uma que não tinha conexão com o passado agrário e nenhum desejo de continuar com as tradições estéticas existentes. Esses eram os filhos dos filhos da Revolução Industrial. Eles estavam completamente alienados de qualquer mundo idealista que os Impressionistas, muito menos os Românticos, estavam se esforçando para representar. Esses artistas estavam cheios de angústia. Suas pinturas não retratavam o mundo exterior objetivo. Em vez disso, expressavam o mundo interior subjetivo de emoções e experiências de vida.

Oskar Kokoschka - A Noiva do Vento, 1913 - 1914, Óleo sobre tela, 181 cm × 220 cm (71 pol × 87 pol), Kunstmuseum Basel

Os Expressionistas Alemães

Essas experiências de vida subjetivas eram dominadas pela ansiedade, medo, desapego da natureza e alienação de outros seres humanos. Como essa experiência era ubíqua em todo o mundo industrializado, várias versões da tendência expressionista se manifestaram em diferentes países, todas ao mesmo tempo. No entanto, quando a maioria dos historiadores se refere ao Expressionismo, eles primeiro se referem ao Expressionismo Alemão, uma vez que os artistas que estabeleceram a maioria das importantes tendências estéticas do movimento viveram ou trabalharam na Alemanha no auge do período.

Ao procurar tendências abstratas no trabalho dos Expressionistas Alemães, é útil analisar os dois pintores que mais os influenciaram. O primeiro, como mencionamos anteriormente, foi Edvard Munch. Seu estilo de pintura exuberante, escuro, dramático e altamente evocativo capturou a sensibilidade alienada da vida urbana na virada do século. Seus gestos exagerados e a extrema paleta de cores incitaram emoção nos espectadores e os conectaram aos sentimentos do pintor. Gustav Klimt foi o outro pintor que inspirou os Expressionistas, mas ele fez isso de uma maneira diferente. Klimt foi influenciado pelos Simbolistas. Ele usou figuras míticas e pesadelo em seu trabalho, e incorporou imagens sombrias e simbólicas. Suas telas continham grandes campos de imagens abstratas, e os elementos figurativos eram grotescamente distorcidos para maximizar o drama e a emoção.

Gustav Klimt - The Three Ages of Woman, 1905, Oil on canvas, 1.8m x 1.8m, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome, Italy

A Ponte

Duas principais escolas do Expressionismo Alemão eventualmente surgiram, e refletiram as diversas influências de Munch e Klimt. A primeira foi um grupo de quatro pintores aspirantes, Ernst Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff e Fritz Bleyl, que se chamavam A Ponte. O nome deles foi inspirado por uma citação do livro Assim Falou Zaratustra: Um Livro para Todos e Nenhum, de Friedrich Nietzsche, que diz: “O que é grande no homem é que ele é uma ponte e não um fim.”

A figuração distorcida e as paletas de cores extremas uniram os artistas da Ponte; influências diretas de Edvard Munch. As figuras nas xilogravuras de Erich Heckel são isoladas, estoicas e desconectadas. Seus rostos brutais parecem animalísticos. Elas aparecem como esqueletos ambulantes. Nas paisagens chocantes, neon, urbanas de Ernest Kirchner, todas as figuras estão isoladas, anônimas, sozinhas em sua luta, exceto as prostitutas que parecem felizes, mas que representam a comercialização e destruição suprema do espírito humano.

Ernst Ludwig Kirchner - Rua, Berlim, 1913, Óleo sobre tela, 47 1/2 x 35 7/8 pol, 120,6 x 91,1 cm, Coleção do MoMA

Os Cavaleiros Azuis

O outro principal grupo expressionista alemão era chamado de O Cavaleiro Azul. Incluía Wassily Kandinsky, Franz Marc e Paul Klee, entre vários outros. Eles foram nomeados em homenagem a uma figura em uma pintura de Kandinsky chamada O Último Julgamento. A pintura havia sido rejeitada de uma exposição com base em seu conteúdo abstrato, e assim Kandinsky invocou a pintura como uma referência simbólica.

Na pintura, o Cavaleiro Azul simbolizava a transição do objetivo para o mundo místico, que Kandinsky via como análoga à transição que ele e os outros estavam tentando alcançar com sua arte. Os pintores do Cavaleiro Azul confiavam menos na forma e na figuração, e mais em qualidades formais como a cor para transmitir estados emocionais. Suas composições eram dramáticas, vibrantes e caóticas. Elas comunicavam uma sensação de violência e angústia, mas também insinuavam um brilho cósmico e as harmonias subjacentes do reino espiritual.

Wassily Kandinsky - O Último Julgamento, 1912, Óleo sobre tela, Coleção Privada

Abstração no Expressionismo

Claramente, muitos Expressionistas Alemães abraçaram totalmente a abstração em seu trabalho. Eles divorciaram cor, forma e linha da representação objetiva, usando-os para transmitir estados emocionais e evocar respostas emocionais dos espectadores. Mas o que podemos dizer que é abstrato sobre o trabalho expressionista mais figurativo? Um elemento abstrato é certamente a qualidade redutiva de suas pinturas. Tudo que não é necessário para a composição desaparece. Isso expressa diretamente a ansiedade do início do século 20. A indústria e a guerra fizeram muitas pessoas sentirem que a humanidade era apenas uma massa de pessoas anônimas, grotescas e sombrias. Qualquer um que fosse desnecessário parecia desaparecer. Talvez seja isso que as pessoas querem dizer quando afirmam que a arte expressionista alemã é sombria, ansiosa, assustadora, primitiva ou crua.

Mas outro elemento abstrato do Expressionismo Alemão envia a mensagem oposta. Este elemento emana das pinceladas giratórias e da imagética codificada e simbólica. Tantas figuras nessas pinturas parecem estar engolfadas em um mundo sem significado. Elas estão em movimento, mas cercadas pela incerteza. No entanto, elas são emotivas. Isso comunica algo, se apenas de forma abstrata. Diz que as emoções de uma única pessoa importam. Seja a emoção do pintor, como nas pinturas de Wassily Kandinsky e Franz Marc, ou as emoções da figura na obra, como nas pinturas de Edvard Munch, Erich Heckel e Ernst Kirchner, os Expressionistas comunicaram que, apesar da tendência da modernidade de nos fazer sentir desumanizados, o espírito humano individual importa. Isso é indomabilidade. É a crença de que expressar-se é sempre relevante. É o que inspirou os Expressionistas Abstratos e os Neo-Expressionistas, e o que continua a inspirar artistas hoje. E é o que Ernst Kirchner quis dizer quando afirmou sobre os Expressionistas: “Todo aquele que representa diretamente e honestamente o que o impulsiona a criar é um de nós.”

Imagem em destaque: Edvard Munch - O Grito, 1893, Óleo, têmpera e pastel sobre papelão, 91 cm × 73,5 cm, 36 pol × 28,9 pol, Galeria Nacional, Oslo, Noruega
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park