O Último Expressionismo Abstrato nas Obras de Sam Francis

Algumas pessoas dizem que, para verdadeiros artistas, fazer arte não é uma escolha; é uma compulsão. Eles criam obras de arte, quer sejam pagos ou não, mesmo que sejam ignorados. Em outras palavras, os artistas fazem arte porque não conseguem não fazer arte. Por mais sério que isso pareça, Sam Francis considerava a relação entre artistas e a criação artística ainda mais intensa. Ele via a criação artística não como algo que um artista faz, mas como algo que simplesmente é porque o artista é. Ele disse: “o artista é sua obra e não mais humano.” Para Francis, separar a arte de um artista era tão impossível quanto separar a chuva de uma nuvem. A chuva é a nuvem. A arte é o artista. Não há separação. Eles são um.

A Escuridão É Apenas uma Cor

Ao olhar para a história do Expressionismo Abstrato, torna-se evidente rapidamente que os artistas associados aos primeiros dias do movimento foram profundamente influenciados pelas ansiedades de seu tempo. Eles pertenciam a uma geração definida pelo sofrimento e sacrifício, assombrada pelos horrores da guerra e pelo medo da bomba atômica. Através de suas obras de arte, eles tentaram sinceramente se conectar com seu subconsciente e expressar seus estados internos de ser. A escuridão de seu tempo muitas vezes parece evidente em sua arte, seja na paleta de cores ou na angústia dos gestos, formas, texturas ou composições. Mas essas mesmas obras também são reveladoras, levando os espectadores a experimentar estados de consciência transcendentes e contemplativos. Então, é realmente a escuridão que eles expressam?

Sam Francis está associado à segunda geração do expressionismo abstrato. Ele ganhou destaque após ser incluído na exposição 12 American Artists no MoMA em 1956, o mesmo ano em que Jackson Pollock, a figura principal do movimento inicial, morreu. Francis começou a pintar no hospital enquanto se recuperava de uma lesão na coluna que sofreu enquanto servia como piloto de caça na Segunda Guerra Mundial. Após a guerra, ele voltou a estudar em sua Califórnia natal, obtendo um Mestrado na UC Berkeley em 1950. Enquanto estava lá, ele conheceu alguns pintores da primeira geração do Expressionismo Abstrato, incluindo Mark Rothko, que estava ensinando na California School of Fine Arts em San Francisco na época. Francis encontrou inspiração no foco que esses criativos tinham em ser e se tornar, e em seu compromisso com a busca pelo eu autêntico. 

Sam Francis - Untitled, 1959, gouache on paper, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

O Casamento da Escuridão e da Luz

Para Sam Francis, a escuridão e a luz não eram forças opostas. Eram forças complementares, ou talvez até mesmo manifestações flutuantes da mesma qualidade. Ele uma vez disse: “Um aumento na luz dá um aumento na escuridão.” Ele estava dizendo que luz e escuridão são uma só? Ou ele estava falando sobre a maneira como a luz projeta uma sombra, significando que quanto mais brilhante a luz se torna, mais escura é a sombra que ela projeta? Ou ele estava se referindo à iluminação, e ao impacto metafísico de perceber que quanto mais aprendemos, mais percebemos o quão pouco sabemos?

Ele poderia não ter se referido a nenhuma dessas coisas. Ele também disse uma vez: “A cor nasce da interpenetração da luz e da escuridão.” Portanto, é possível que ele estivesse simplesmente falando sobre contrastes e como o espaço em branco em uma tela expressa a escuridão da tinta. De qualquer forma, seus comentários pelo menos oferecem uma perspectiva nuançada a partir da qual interpretar a aparente escuridão do movimento expressionista abstrato em geral. E eles nos dão um ponto de partida para entender a maneira como ele confrontou a escuridão, a luz e a cor em suas próprias pinturas.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 Pintores Americanos

Francis mostrou sete pinturas em sua exposição em grupo no MoMA. Elas eram enormes em escala. A menor tinha mais de seis pés de altura e a maior tinha mais de doze pés por dez pés. As pinturas foram todas nomeadas por cores: Azul Preto, Amarelo, Grande Vermelho, Preto em Vermelho, Vermelho em Vermelho, Cinza, e Laranja Profundo sobre Preto. Cada uma dessas pinturas compartilhava uma estética comum, que estabeleceu Francis como um pintor com um estilo visual definido. Elas eram compostas por formas biomórficas em camadas, realçadas por gotejamentos desenfreados.

Essas telas envolvem os espectadores nas composições. A voz das obras redefine a palavra composição, para focar menos na disposição dos elementos estéticos e mais no que significa sentir-se composto. Elas emitem uma sensação de controle, de confiança e de harmonia. Elas transmitem a ideia de que tudo o que é necessário entender sobre a pintura está contido no espaço da tela. E, no entanto, sua natureza sensorial e pessoal nos convida a uma exploração mais profunda do que mais permanece oculto dentro.

Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation

Contenção

Assim que Sam Francis se tornou conhecido por sua estética única, ele a superou. Ele expandiu sua paleta de cores para incluir uma gama vívida de cores brilhantes e puras. E ele explorou uma infinidade de abordagens para a composição, incluindo a representação biomórfica em uma série de obras chamadas Blue Balls, que apresentam orbes azuis proeminentes inspirados em sua batalha contra a doença renal. Em meados da década de 1960, ele chegou a outro idioma estético distinto caracterizado por pinceladas coloridas ao redor das bordas de suas pinturas, cercando um espaço branco quase vazio dentro.

"Essas obras falam de forma direta e elegante sobre as noções que Francis expressou sobre leveza e escuridão. O aumento do espaço em branco, ou leveza, intensifica a expressão da escuridão que é transmitida através da cor. A cor é minimizada e, ainda assim, define a imagem. Essas imagens desafiam a natureza abrangente de tantas obras do expressionismo abstrato. Elas falam sobre o nada e sobre o poder da nuance, e trazem atenção ao que não está sendo expresso."

Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation

Sem Restrição

Ao longo da maior parte de sua carreira, Francis evitou a cena artística de Nova York, preferindo viver e trabalhar em Paris, Tóquio e Califórnia. Ele não era restrito por tendências. Usou as técnicas associadas à pintura de ação, como gotejamento, derramamento e respingos, e também utilizou manchas e trabalhou com pincéis tradicionais. Ele fez gravuras, litografias e monotipias, trabalhando com uma variedade de meios e superfícies diferentes. E ele evoluiu incansavelmente seu estilo composicional. Nas décadas de 1970 e 80, ele frequentemente incluía formas geométricas em suas pinturas, e às vezes até pintava obras geométricas de borda dura.

Ele é mais frequentemente lembrado pelas pinturas de respingos coloridos que criou na década de 1980. Sua adesão a técnicas há muito abandonadas por muitos outros pintores de sua geração os destacou com confiança. Suas qualidades primitivas dialogavam com as obras Neo-Expressionistas de pintores como Basquiat. Sua paleta de cores ecoava a da Pop Art e dos Imagistas de Chicago. E suas imagens evocavam a história da arte abstrata, remetendo a pintores como Miro, Calder e Gorky.

Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation

Além da Segunda Geração

Sam Francis nunca cessou sua evolução artística pessoal. Mesmo depois de perder o uso da mão direita pouco antes de sua morte, ele aprendeu a pintar com a mão esquerda e se dedicou à criação de um grande novo corpo de trabalho que continuou até morrer. Apesar de mudar seu estilo estético, ele nunca abandonou os princípios essenciais do expressionismo abstrato. Em sua dedicação a isso, no entanto, ele também transformou fundamentalmente o que o expressionismo abstrato poderia ser. Não para dizer que ele o alterou. Ele manteve seus elementos integrais. Ele nunca deixou de pintar intuitivamente, de se conectar com seu próprio estado interior de ser e de interagir com a tela como uma arena na qual um evento ocorre. Mas ele também acrescentou à definição. O que ele acrescentou é resumido de forma elegante em sua própria descrição do que é a pintura: “A pintura é sobre a beleza do espaço e o poder da contenção.”

Tudo está nas quatro palavras: beleza, espaço, poder e contenção. Sam Francis perseguiu a beleza sem vergonha. Ele abraçou tanto as limitações quanto as possibilidades de um espaço definido. Ele reconheceu e assumiu a responsabilidade pessoal pela realidade primal da busca humana por poder. E, finalmente, ele expressou a confiança e a segurança inerentes à sensação de que algo foi contido. Compare isso ao que Jackson Pollock disse uma vez sobre pintura: “A pintura tem vida própria. Eu tento deixá-la se manifestar.” Além de tudo o que seu trabalho representava, Pollock e a primeira geração de expressionistas abstratos foram irrestritos em suas experimentações. Eles estavam segurando um tigre selvagem pela cauda, empolgados para descobrir o que ele poderia fazer a seguir, completamente abertos às possibilidades e, acima de tudo, comprometidos em mantê-lo o mais selvagem possível pelo maior tempo possível. Sam Francis ajudou a domar o tigre. Ao fazer isso, ele também deu às próximas gerações de artistas a permissão para definir o que o expressionismo abstrato significa para eles.

Imagem em destaque:Sam Francis - Sem título, 1962, Acrílico e guache sobre papel. © The Sam Francis Foundation
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park