O Último Expressionismo Abstrato nas Obras de Sam Francis

Algumas pessoas dizem que, para verdadeiros artistas, criar arte não é uma escolha; é uma compulsão. Eles fazem obras de arte quer sejam pagos ou não, mesmo que sejam ignorados. Em outras palavras, os artistas fazem arte porque não conseguem deixar de fazê-la. Por mais sério que isso pareça, Sam Francis considerava a relação entre artistas e a criação artística ainda mais intensa. Ele via a criação artística não como algo que o artista faz, mas como algo que simplesmente é porque o artista é. Ele disse: “o artista é sua obra e não mais humano.” Para Francis, separar a arte do artista era tão impossível quanto separar a chuva da nuvem. A chuva é a nuvem. A arte é o artista. Não há separação. Eles são um só.

A Escuridão É Apenas uma Cor

Ao olhar para a história do Expressionismo Abstrato, fica claro rapidamente que os artistas associados aos primeiros dias do movimento foram profundamente influenciados pelas ansiedades de sua época. Eles pertenciam a uma geração definida pelo sofrimento e sacrifício, assombrada pelos horrores da guerra e pelo medo da bomba atômica. Por meio de suas obras, tentaram sinceramente conectar-se com seu subconsciente e expressar seus estados internos de ser. A escuridão de seu tempo frequentemente parece evidente em sua arte, seja na paleta de cores ou na angústia dos gestos, formas, texturas ou composições. Mas essas mesmas obras também são reveladoras, levando os espectadores a experimentar estados transcendentais e contemplativos de consciência. Então, será que é realmente escuridão que eles expressam?

Sam Francis está associado à segunda geração do expressionismo abstrato. Ele ganhou destaque após ser incluído na exposição 12 American Artists no MoMA em 1956, o mesmo ano em que Jackson Pollock, a figura principal do movimento inicial, faleceu. Francis começou a pintar no hospital enquanto se recuperava de uma lesão na coluna que sofreu enquanto servia como piloto de caça na Segunda Guerra Mundial. Após a guerra, voltou a estudar em sua terra natal, Califórnia, obtendo um mestrado na UC Berkeley em 1950. Lá, conheceu alguns pintores da primeira geração do Expressionismo Abstrato, incluindo Mark Rothko, que lecionava na Escola de Belas Artes da Califórnia em São Francisco na época. Francis encontrou inspiração no foco desses criadores no ser e no tornar-se, e em seu compromisso com a busca do eu autêntico.

Sam Francis - Sem título, 1959, guache sobre papel, 11,5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

O Casamento da Escuridão e da Luz

Para Sam Francis, escuridão e luz não eram forças opostas. Eram forças complementares, ou talvez manifestações oscilantes da mesma qualidade. Ele disse certa vez: “Um aumento na luz traz um aumento na escuridão.” Estaria ele dizendo que luz e escuridão são uma só? Ou estaria falando sobre a forma como a luz projeta uma sombra, significando que quanto mais brilhante a luz, mais escura a sombra que ela projeta? Ou estaria se referindo à iluminação, e ao impacto metafísico de perceber que quanto mais aprendemos, mais percebemos o quanto sabemos pouco?

Ele poderia não ter querido dizer nenhuma dessas coisas. Também disse certa vez: “A cor nasce da interpenetração da luz e da escuridão.” Então, é possível que ele estivesse simplesmente falando sobre contrastes, e como o espaço branco em uma tela expressa a escuridão da tinta. Em todo caso, seus comentários oferecem ao menos uma perspectiva sutil para interpretar a aparente escuridão do movimento expressionista abstrato em geral. E nos dão um ponto de partida para entender como ele enfrentou a escuridão, a luz e a cor em suas próprias pinturas.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 Pintores Americanos

Francis exibiu sete pinturas em sua exposição coletiva de estreia no MoMA. Eram de grande escala. A menor tinha mais de um metro e oitenta de altura e a maior media mais de três metros e sessenta por três metros. Todas as pinturas tinham nomes de cores: Azul Preto, Amarelo, Grande Vermelho, Preto no Vermelho, Vermelho no Vermelho, Cinza e Laranja Profundo sobre Preto. Cada uma dessas pinturas compartilhava uma estética comum, que estabeleceu Francis como um pintor com um estilo visual definido. Eram compostas por formas biomórficas em camadas, realçadas por gotejamentos livres.

Essas telas envolvem os espectadores nas composições. A voz das obras redefine a palavra composição, focando menos no arranjo dos elementos estéticos e mais no que significa sentir-se composto. Elas emitem uma sensação de controle, confiança e harmonia. Transmitem a ideia de que tudo o que é necessário para entender a pintura está contido no espaço da tela. E ainda assim, sua natureza sensível e pessoal nos convida a uma exploração mais profunda do que mais permanece oculto dentro delas.

Sam Francis - Laranja Profundo sobre Preto, 1955, óleo sobre tela. © The Sam Francis Foundation

Contenção

Mal Sam Francis ficou conhecido por sua estética única, ele a ultrapassou. Ampliou sua paleta de cores para incluir uma gama vívida de cores brilhantes e puras. E explorou múltiplas abordagens para a composição, incluindo a representação biomórfica em uma série de obras chamada Bolas Azuis, que apresentam orbes azuis proeminentes inspirados em sua luta contra uma doença renal. Em meados da década de 1960, chegou a outro idioma estético distinto, caracterizado por pinceladas coloridas nas bordas de suas pinturas, cercando um espaço branco quase vazio no centro.

Essas obras falam direta e elegantemente às noções que Francis expressou sobre leveza e escuridão. O aumento do espaço branco, ou leveza, intensifica a expressão da escuridão transmitida pela cor. A cor é minimizada e ainda assim define a imagem. Essas imagens desafiam a natureza uniforme de muitas obras expressionistas abstratas. Elas falam do nada e do poder da nuance, e chamam a atenção para o que não está sendo expresso.

Sam Francis - Sem título, 1965, guache sobre papel (Esquerda) e Sam Francis - Sem título (SF-106A), 1969, litografia (Direita). © The Sam Francis Foundation

Sem Restrições

Durante a maior parte de sua carreira, Francis evitou a cena artística de Nova York, preferindo viver e trabalhar em Paris, Tóquio e Califórnia. Ele não se deixou prender por modismos. Usou técnicas associadas à pintura de ação, como gotejamento, derramamento e respingos, além de tingimento e trabalho com pincéis tradicionais. Fez gravuras, litografias e monotipias, trabalhando com uma variedade de meios e superfícies. E evoluiu incansavelmente seu estilo composicional. Nas décadas de 1970 e 80, frequentemente incluía formas geométricas em suas pinturas, e às vezes até pintava obras geométricas de bordas duras.

Ele é mais lembrado pelas pinturas de respingos coloridos que criou nos anos 1980. Sua adesão a técnicas há muito abandonadas por muitos outros pintores de sua geração os destacava com confiança. Suas qualidades primitivas dialogavam com as obras neoexpressionistas de pintores como Basquiat. Sua paleta de cores ecoava a da Arte Pop e dos Imagistas de Chicago. E suas imagens evocavam a história da arte abstrata, remetendo a pintores como Miró, Calder e Gorky.

Sam Francis - Sem título, 1983, monotipia (Esquerda) e Sam Francis - Sem título (SF-330), 1988, litografia em papel encorpado (Direita). © The Sam Francis Foundation

Além da Segunda Geração

Sam Francis nunca cessou sua evolução artística pessoal. Mesmo depois de perder o uso da mão direita pouco antes de sua morte, aprendeu a pintar com a mão esquerda e criou um grande novo conjunto de obras que continuou até falecer. Apesar de mudar seu estilo estético, nunca abandonou os princípios essenciais do expressionismo abstrato. Em sua dedicação a ele, porém, também transformou fundamentalmente o que o expressionismo abstrato poderia ser. Não que tenha alterado sua essência. Manteve seus elementos integrais. Nunca deixou de pintar intuitivamente, de conectar-se com seu próprio estado interno de ser e de interagir com a tela como uma arena onde um evento ocorre. Mas também acrescentou à definição. O que ele acrescentou está bem resumido em sua própria descrição do que é pintar: “Pintar é sobre a beleza do espaço e o poder da contenção.”

Tudo está nas quatro palavras: beleza, espaço, poder e contenção. Sam Francis buscou a beleza sem vergonha. Abraçou tanto as limitações quanto as possibilidades de um espaço definido. Reconheceu e assumiu a responsabilidade pessoal pela realidade primal da busca humana por poder. E, finalmente, expressou a confiança e segurança inerentes à sensação de que algo foi contido. Compare isso ao que Jackson Pollock disse certa vez sobre pintura: “A pintura tem vida própria. Eu tento deixá-la vir à tona.” Além de tudo o que suas obras representavam, Pollock e a primeira geração de expressionistas abstratos eram irrestritos em sua experimentação. Eles seguravam um tigre selvagem pela cauda, ansiosos para descobrir o que ele faria a seguir, completamente abertos às possibilidades e, acima de tudo, comprometidos em mantê-lo o mais selvagem possível pelo maior tempo possível. Sam Francis ajudou a domar o tigre. Ao fazer isso, também deu às próximas gerações de artistas permissão para definir o que o expressionismo abstrato significa para eles.

Imagem em destaque:Sam Francis - Sem título, 1962, acrílico e guache sobre papel. © The Sam Francis Foundation
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio