Momentos Definidores na História da Arte Abstrata

As palavras podem ser tão controversas. Só queremos discutir a história da arte abstrata. Mas essa frase está cheia de perigos conceituais. (De quem é a história? O que é arte? O que significa ser abstrato?) Para ser preciso, talvez devêssemos intitular este artigo algo como “Momentos Definidores na Cadeia de Eventos que Compõem a Linha do Tempo Geralmente Aceita da Civilização Ocidental Relacionada a Objetos e Fenômenos Criados por Artistas Autodenominados que Não Pretendem Ser Representacionais da Realidade Visual Objetiva.” Mas isso não é exatamente um título atraente. (Ou é?) Pelo bem da sanidade, para este artigo vamos deixar a semântica de lado e começar pelo começo.

A Pré-História da Arte Abstrata

Entre as primeiras marcas dos habitantes pré-históricos das cavernas estavam linhas, arranhões e impressões de mãos. Nossa melhor interpretação é que eram simbólicas. Isso os torna os primeiros exemplos de arte abstrata ? Talvez. Mas mesmo as imagens representacionais deixadas por nossos ancestrais antigos não são exatamente fotorrealistas. O que falta em nossas análises é a compreensão da intenção dos nossos primeiros artistas. Quando falamos de arte abstrata, queremos dizer arte que foi especificamente destinada a ser abstrata. Como não podemos saber o que os artistas pré-históricos pretendiam comunicar por meio de suas imagens, não podemos julgar se era abstrata, ou mesmo se é arte. Pode ter tido propósitos utilitários, pelo que sabemos. Então vamos avançar, muito adiante, para um tempo melhor documentado, quando as intenções dos artistas eram mais claras.

Henri Matisse - Mulher com Chapéu, 1905, Óleo sobre tela, 31 3/4 × 23 1/2 pol, © Sucessão H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), Nova York

Antes do início dos anos 1800, é seguro dizer que a grande maioria dos artistas na maior parte do tempo não tinha o luxo de decidir o que fariam. A maioria dos artistas da Era Pré-Romântica dependia do apoio de instituições religiosas ou de algum outro poder autoritário para sobreviver. Reis e homens santos, portanto, determinavam o tema da maioria das obras desses artistas. À medida que esse sistema de patrocínio declinou, outras formas de sobrevivência se apresentaram aos artistas. Surgiu um sistema de galerias; comerciantes de arte independentes começaram a representar o trabalho dos artistas; indivíduos ricos e instituições privadas começaram a apoiar artistas e colecionar suas obras. Pela primeira vez, os artistas tiveram a chance de responder por si mesmos à pergunta: “O que eu quero fazer?” Imediatamente veio a próxima pergunta inevitável: “Por que eu quero fazer isso?” A resposta a essa pergunta é uma das principais causas da eventual ascensão da arte abstrata, e talvez o conceito mais duradouro a emergir da Era Romântica; um conceito expressado por muitos pensadores da época, e resumido pelos franceses como, “L'art pour l'art.” Arte pela arte. Ou como o escritor Edgar Allan Poe colocou em 1850: “…se apenas nos permitíssemos olhar para nossas próprias almas, descobriríamos imediatamente que sob o sol não existe nem pode existir nenhuma obra mais digna, mais suprema e nobre do que este próprio poema… escrito unicamente pelo poema.”

Andre Derain - As Velas Secando, 1905, óleo sobre tela, 82 x 101 cm, © Museu Pushkin, Moscou

Primeiras Impressões

Uma vez que os artistas foram libertados das restrições de temas predeterminados, começaram a se libertar de outras restrições também. De aproximadamente 1850 a 1870, o Movimento Estético capacitou os artistas a fazer arte puramente para fins estéticos, em vez de focar em temas relacionados à cultura, sociedade e política. Depois vieram os Impressionistas, artistas baseados em Paris que criaram obras focadas fortemente na representação das qualidades da luz, iniciando uma destilação dos elementos estéticos individuais de uma obra de arte. Na década de 1880, o pintor Georges Seurat desenvolveu uma técnica de construir uma imagem inteiramente a partir de pequenos pontos. Essa técnica, conhecida como Pontilhismo, criou imagens distorcidas, porém representacionais. Pontilhismo contribuiu para o surgimento de pinceladas experimentais e técnicas composicionais que sugeriam uma tendência para a abstração. Essa tendência foi ampliada durante o período Pós-Impressionista, quando os artistas começaram a experimentar com simbolismo e o uso arbitrário de cor, forma e linha.

Tudo é Subjetivo

Nos anos 1900, os Expressionistas contribuíram para a tendência da abstração pura com seu foco na subjetividade. Ao distorcer dramaticamente suas imagens, buscavam apresentar um ponto de vista profundamente pessoal, representativo mais da emoção do que da realidade física. Durante esse período também surgiu o movimento dos Fauves, pintores focados quase exclusivamente na cor vívida e na marcação pictórica. Para os Fauves, o tema era secundário aos componentes estéticos da obra. Nessa época, o surgimento da abstração pura era inevitável. Em todos os lugares, os artistas trabalhavam com representações simbólicas da realidade, esforçando-se para comunicar ideias e sentimentos de maneiras não relacionadas ao tema. Eles estavam, por definição, abstraindo. Mas quem foi o primeiro a conseguir fazer uma pintura que fosse puramente abstrata?

Hans Hofmann - Lua Crescente, 1965, Óleo sobre tela, Coleção Particular, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Quem é o Verdadeiro Primeiro Abstracionista, Por Favor Se Apresente?

Quase todos os historiadores concordam que a primeira pintura abstrata foi Sem Título (Primeira Aquarela Abstrata) de Wassily Kandinsky, pintada em 1910. Consistindo em manchas vibrantes de cores, círculos, linhas, rabiscos e campos de cor montados de forma aparentemente aleatória, a obra de forma alguma faz referência a elementos visuais pré-existentes do mundo físico. De forma conspiratória, poderíamos, só por diversão, postular que Sem Título (Primeira Aquarela Abstrata) de Kandinsky não foi a primeira pintura puramente abstrata. Um ano antes, em 1909, o pintor francês de vanguarda Francis Picabia pintou Caoutchouc, uma obra proto-cubista com formas geométricas irreconhecíveis envoltas em campos de cor aparentemente não relacionados. Essa obra parece de forma alguma representar a realidade visual objetiva. No entanto, a palavra Caoutchouc significa grosso modo seiva natural da borracha, uma referência à matéria-prima para fazer borracha vulcanizada. Nunca tendo analisado os elementos visuais da borracha não vulcanizada, não podemos afirmar, mas talvez essa pintura seja representacional. Quem sabe? O que sabemos é que Kandinsky foi um entusiasta teórico da arte e escritor prolífico. Ele escreveu com entusiasmo sobre sua busca para criar a primeira obra puramente abstrata do mundo. Falou abertamente tanto de sua intenção de se tornar o fundador da arte abstrata quanto de seu sucesso em alcançá-la. Ninguém pode negar que sua intenção era ser o primeiro, independentemente de alguém antes dele ter acidentalmente chegado lá primeiro.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Óleo sobre tela, 85 1/4 x 73 1/2 pol (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), Nova York

O Que Kandinsky Definitivamente Fez

Ao anunciar abertamente sua intenção de fazer arte abstrata pura, Kandinsky libertou os artistas de sua dependência de referências ao mundo observável. Ele desvinculou a arte de sua lógica anterior. Abriu o campo para experimentações profundas e rápidas. Ele levou à maturidade a promessa dos românticos, que, como disse Caspar David Friedrich, o artista romântico alemão, “O sentimento do artista é sua lei.”

Wassilly Kandinsky - Composição IV, 1911, óleo sobre tela, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Alemanha

O Mundo em Guerra

Ao longo das décadas seguintes, os artistas experimentaram intensamente com a abstração. Muitos novos estilos surgiram, influenciados pelo chamado da abstração à liberdade, e também pelos horrores da Primeira Guerra Mundial e pela ascensão da era mecânica. O Cubismo influenciou os artistas a reduzir sua linguagem visual aos seus blocos básicos. O Futurismo demonstrou a vitalidade e o poder da linha. Dadaísmo desafiou o significado da arte, reafirmando a liberdade da arte e rejeitando a burguesia. Nos anos 1920, o Surrealismo abriu as mentes dos artistas para o poder do subconsciente. Com seu foco em imagens oníricas e sua rejeição da lógica consciente, influenciou profundamente os artistas abstratos a experimentar mais com técnicas, meios e métodos que pudessem conectá-los mais diretamente ao seu eu inconsciente.

Wassiliy Kandinsky - Composição 6, 1913, Óleo sobre tela, 76 2/5 × 115 7/10 pol, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nova York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Faça Algo Novo!

Nos anos 1930, o pintor germano-americano Hans Hofmann é creditado por espalhar para a América as filosofias essenciais do que veio a ser conhecido como Modernismo, a última iteração da rejeição dos modos e métodos do passado. Ele próprio um pintor abstrato, Hofmann incentivou seus alunos da Califórnia a Nova York a adotar novos métodos de criação de imagens, em busca de maneiras de enfrentar e expressar as ansiedades e maravilhas da sociedade em rápida industrialização. Em 1934, o poeta Ezra Pound resumiu a atitude dos modernistas com seu agora famoso chamado aos artistas: “Faça algo novo!” Pound foi uma figura controversa, mudando-se finalmente para a Itália, onde apoiou as principais figuras fascistas da Segunda Guerra Mundial. No entanto, sua rejeição entusiástica do antigo enraizou-se nas mentes dos artistas abstratos, levando a mudanças poderosas no horizonte próximo.

Wasilly Kandinsky - Ponto Preto I (detalhe), 1912, Óleo sobre tela. 39,4 × 51,2 pol (100,0 × 130,0 cm), Museu Russo, São Petersburgo, Rússia

Uma Nova Pureza

Após duas guerras mundiais, uma depressão global, fomes, atrocidades e dois ataques nucleares em cidades populosas, a extensão em que o ser humano médio experimentava ansiedade em meados da década de 1940 não pode ser subestimada. Essa ansiedade deu origem a um interesse novo e amplo no campo relativamente jovem da psicanálise. Entre os muitos milhões de pessoas que recorreram à psicanálise nessa época estava Jackson Pollock , um dos principais membros de um grupo de artistas conhecidos como Expressionistas Abstratos. Pollock foi exposto à psicanálise enquanto estava em reabilitação. Isso abriu sua mente para o mundo do conhecimento primitivo trancado em seu subconsciente. Muitos de seus contemporâneos buscavam novas formas de se conectar à essência oculta de sua humanidade, trabalhando para expressar emoção crua e primal por meio de suas pinturas. Pollock buscava imagens ocultas, esperando poder se conectar a algo profundo dentro de si mesmo, algo mais puro do que havia sido expresso até então pela arte abstrata. Por volta de 1947, Pollock pioneirou sua agora icônica técnica de gotejamento. Essa técnica envolvia a aplicação de tinta a uma superfície usando forças como gravidade e impulso, em vez do contato direto de ferramentas com a tela. Abraçando esse novo nível de fisicalidade, e rejeitando totalmente qualquer sentido de forma reconhecível, Pollock entrou em um novo reino de pura abstração baseado inteiramente na intenção subconsciente, cor, movimento, poder e força.

Wassily Kandinsky - Primeira aquarela abstrata de Kandinsky, 1910, Aquarela, tinta indiana e lápis sobre papel, 19,5 × 25,5 pol (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centro Georges Pompidou

O Fim do Começo

O trabalho de Pollock, em muitos aspectos, cumpriu a promessa da abstração: a total libertação do artista das restrições da expectativa estética. Talvez também seus esforços tenham levado ao fim lógico da abstração. Pollock trouxe para foco nítido a importância da textura, materialidade, processo e a ideia de ver uma obra de arte não como uma superfície para transmitir arte, mas como uma forma unificada em si mesma. Embora refletidos de forma primal no trabalho de Pollock, esses conceitos são parte integral do trabalho dos Minimalistas , que substituíram os expressionistas abstratos como os artistas mais influentes da década de 1960. Assim como Kandinsky, o principal membro do movimento Minimalista, Donald Clarence Judd, foi um entusiasta teórico da arte e escritor. Embora tenha rejeitado o rótulo Minimalista, Judd tornou-se representante das ideias de reduzir a linguagem visual e purificar os conceitos de forma e espaço. Em vez de rejeitar referências visuais reconhecíveis e a realidade objetiva, artistas minimalistas como Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt e Frank Stella focaram na forma, no uso de cor vibrante e pura, linha de contorno nítida, textura mínima e materialidade moderna. Em vez de abstrair a realidade, os Minimalistas manifestaram as formas, cores, formas e linhas frequentemente exploradas na arte abstrata, habitando-as no espaço físico de maneira representacional.

Jackson Pollock - Convergência, 1952, Galeria de Arte Albright-Knox, Buffalo, NY, EUA

O Novo Novo

A história da arte abstrata é a história da busca dos artistas pela liberdade. O que isso significa hoje é que os artistas são livres para se expressar da maneira que escolherem, explorando qualquer método que os atraia. A beleza do estilo aberto de hoje é que um artista pode usar qualquer estilo, meio ou método que funcione melhor para a realização de uma ideia. Embora o Minimalismo possa ter deixado a arte abstrata de lado nos anos 1970, a abstração voltou a estar na vanguarda da prática de muitos artistas. Os pintores abstratos contemporâneos se beneficiam da mentalidade aberta de seus predecessores. A abstração continua a nos conectar a algo que a realidade objetiva não pode explicar; algo profundo dentro de nós que vai além da realidade visível.

Imagem em destaque: Wassily Kandinsky - Primeira aquarela abstrata de Kandinsky, 1910, foto via Wikipedia

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos

Por Phillip Barcio