Momentos Definidores na História da Arte Abstrata

As palavras podem ser tão controversas. Nós só queremos discutir a história da arte abstrata. Mas essa frase está repleta de perigos conceituais. (De quem é a história? O que é arte? O que significa ser abstrato?) Para ser preciso, talvez devêssemos intitular este artigo algo como: “Momentos Definidores na Cadeia de Eventos que Compreendem a Linha do Tempo Geralmente Aceita da Civilização Ocidental Relacionada a Objetos e Fenômenos Criados por Artistas Autodeclarados que Não Intendem Ser Representacionais da Realidade Visual Objetiva.” Mas isso não é exatamente um título clicável. (Ou é?) Para o bem da sanidade, para este artigo, vamos deixar a semântica de lado e apenas começar do começo.

A Pré-História da Arte Abstrata

Entre as primeiras marcas dos habitantes pré-históricos das cavernas estavam linhas, arranhões e impressões de mãos. Nossa melhor interpretação é que eram simbólicas. Isso as torna os primeiros exemplos de arte abstrata ? Talvez. Mas mesmo as imagens representacionais deixadas por nossos ancestrais antigos não são exatamente foto-realistas. O que falta em nossas análises é uma compreensão da intenção de nossos primeiros artistas. Quando falamos sobre arte abstrata, queremos dizer arte que foi especificamente destinada a ser abstrata. Como não podemos saber o que os artistas pré-históricos pretendiam comunicar por meio de suas imagens, não podemos julgar se era abstrato, ou mesmo se é arte. Poderia ter tido propósitos utilitários, pelo que sabemos. Então, vamos pular adiante, muito adiante, para um tempo melhor documentado, quando as intenções dos artistas eram mais claras.

Henri Matisse - Mulher com Chapéu, 1905, Óleo sobre tela, 31 3/4 × 23 1/2 pol, © Succession H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Antes do início dos anos 1800, é seguro dizer que a vasta maioria dos artistas, a maior parte do tempo, não tinha o luxo de decidir o que iria criar. A maioria dos artistas do período pré-romântico dependia do apoio de instituições religiosas ou de algum outro poder autoritário para sobreviver. Reis e homens sagrados, portanto, determinavam o tema da maioria das obras desses artistas. À medida que esse sistema de patrocínio declinou, outros modos de sobrevivência se apresentaram aos artistas. Um sistema de galerias surgiu; comerciantes de arte independentes começaram a representar o trabalho dos artistas; indivíduos ricos e instituições privadas começaram a apoiar artistas e a colecionar suas obras. Pela primeira vez, os artistas tiveram a chance de responder por si mesmos à pergunta: "O que eu quero criar?" Imediatamente surgiu a próxima pergunta inevitável: "Por que eu quero criar isso?" A resposta a essa pergunta é uma das principais causas do eventual surgimento da arte abstrata e é talvez o conceito mais duradouro a emergir da Era Romântica; um conceito expresso por muitos pensadores da época e resumido pelos franceses como: "L'art pour l'art." Arte pela arte. Ou como o escritor Edgar Allan Poe colocou em 1850: "...se apenas nos permitíssemos olhar para nossas próprias almas, imediatamente descobriríamos que sob o sol não existe nem pode existir nenhuma obra mais digna, mais suprema e nobre do que este poema... escrito unicamente pelo bem do poema."

Andre Derain - As Velas Secas, 1905, óleo sobre tela, 82 x 101 cm, © Museu Pushkin, Moscovo

Primeiras impressões

Uma vez que os artistas foram libertados das limitações de temas predeterminados, eles começaram a se libertar de outras restrições também. De aproximadamente 1850 a 1870, o Movimento Estético capacitou os artistas a fazer arte puramente para fins estéticos, em vez de se concentrar em temas relacionados à cultura, sociedade e política. Então vieram os Impressionistas, artistas baseados em Paris que produziram obras que se concentravam fortemente na representação das qualidades da luz, iniciando uma destilação dos elementos estéticos individuais de uma obra de arte. Na década de 1880, o pintor Georges Seurat desenvolveu uma técnica de construção de uma imagem inteiramente a partir de pequenos pontos. Essa técnica, conhecida como Pontilhismo, criou imagens distorcidas, mas representativas. Pontilhismo contribuiu para o surgimento de pinceladas experimentais e técnicas composicionais que sugeriam uma tendência em direção à abstração. Essa tendência foi ampliada ao longo do período Pós-Impressionista, à medida que os artistas começaram a experimentar com simbolismo e o uso arbitrário de cor, forma e linha.

É tudo subjetivo

No século XX, os Expressionistas contribuíram para a tendência da abstração pura com seu foco na subjetividade. Ao distorcer dramaticamente suas imagens, eles buscavam apresentar um ponto de vista profundamente pessoal, representativo mais da emoção do que da realidade física. Durante esse período, também surgiu o movimento dos Fauvistas, pintores que se concentravam quase exclusivamente em cores vívidas e na marcação pictórica. Para os Fauvistas, o assunto era secundário em relação aos componentes estéticos da obra. A essa altura, o surgimento da abstração pura era inevitável. Em toda parte, artistas trabalhavam com representações simbólicas da realidade, esforçando-se para comunicar ideias e sentimentos de maneiras não relacionadas ao assunto. Eles estavam, por definição, abstraindo. Mas quem foi o primeiro a conseguir fazer uma pintura que era puramente abstrata?

Hans Hofmann - Lua Crescente, 1965, Óleo sobre tela, Coleção Privada, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

"O Verdadeiro Primeiro Abstractor Pode Se Levantar?"

Quase todos os historiadores concordam que a primeira pintura abstrata foi Sem Título (Primeira Aquarela Abstrata) de Wassily Kandinsky, pintada em 1910. Consistindo em manchas coloridas vibrantes, círculos, linhas, ziguezagues e campos de cor montados de uma maneira aparentemente aleatória, a obra de forma alguma faz referência a elementos visuais pré-existentes do mundo físico. Conspiratoriamente, poderíamos, apenas por diversão, postular que Sem Título (Primeira Aquarela Abstrata) de Kandinsky não foi a primeira pintura puramente abstrata. Um ano antes, em 1909, o pintor francês da vanguarda Francis Picabia pintou Caoutchouc, uma obra proto-cubista com formas geométricas irreconhecíveis envoltas em campos de cor aparentemente não relacionados. Esta obra parece de forma alguma representar a realidade visual objetiva. No entanto, a palavra Caoutchouc significa vagamente seiva de borracha natural, uma referência à matéria-prima para a fabricação de borracha vulcanizada. Nunca tendo analisado os elementos visuais da borracha não vulcanizada, não podemos afirmar, mas talvez esta pintura seja representacional. Quem sabe? O que sabemos é que Kandinsky era um ávido teórico da arte e um prolífico escritor de arte. Ele escreveu entusiasticamente sobre sua busca para criar a primeira obra de arte puramente abstrata do mundo. Ele falou abertamente sobre sua intenção de se tornar o fundador da arte abstrata e seu sucesso em alcançá-la. Ninguém pode negar que era sua intenção ser o primeiro, independentemente de alguém que o precedeu ter acidentalmente chegado antes.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Óleo sobre tela, 85 1/4 x 73 1/2 pol (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

O que Kandinsky definitivamente fez

Ao anunciar abertamente sua intenção de fazer arte abstrata pura, Kandinsky libertou os artistas de sua dependência em relação a referências ao mundo observável. Ele divorciou a arte de sua lógica anterior. Ele abriu o campo para experimentações profundas e rápidas. Ele trouxe à maturidade a promessa dos Românticos, que, como disse Caspar David Friedrich, o artista romântico alemão, “O sentimento do Artista é sua lei.”

Wassilly Kandinsky - Composição IV, 1911, óleo sobre tela, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Alemanha

O mundo em guerra

Ao longo das décadas seguintes, os artistas experimentaram de forma intensa com a abstração. Muitos novos estilos surgiram, influenciados pelo apelo à liberdade da abstração e também pelos horrores da Primeira Guerra Mundial e pela ascensão da era mecânica. O Cubismo influenciou os artistas a reduzir sua linguagem visual aos seus blocos de construção mais básicos. O Futurismo demonstrou a vitalidade e o poder da linha. Dadaísmo desafiou o significado da arte, reafirmando a liberdade da arte em relação e a rejeição do burguês. Na década de 1920, o Surrealismo abriu a mente dos artistas para o poder do subconsciente. Com seu foco em imagens oníricas e sua rejeição da lógica consciente, influenciou profundamente os artistas abstratos a experimentarem mais com técnicas, meios e métodos que poderiam conectá-los de forma mais direta com seus eus inconscientes.

Wassiliy Kandinsky - Composição 6, 1913, Óleo sobre tela, 76 2/5 × 115 7/10 pol, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Faça-o Novo!

Na década de 1930, o pintor americano nascido na Alemanha Hans Hofmann é creditado por espalhar na América as filosofias essenciais do que veio a ser conhecido como Modernismo, a mais recente iteração da rejeição dos modos e métodos do passado. Ele mesmo um pintor abstrato, Hofmann encorajou seus alunos da Califórnia a Nova York a adotar novos métodos de criação de imagens, em busca de maneiras de confrontar e expressar as ansiedades e maravilhas de uma sociedade em rápida industrialização. Em 1934, o poeta Ezra Pound resumiu a atitude dos Modernistas, com seu agora famoso apelo aos artistas: “Faça algo novo!” Pound foi uma figura controversa, acabando por se mudar para a Itália, onde apoiou as principais figuras fascistas da Segunda Guerra Mundial. No entanto, sua rejeição entusiástica do antigo enraizou-se na mente dos artistas abstratos, levando a mudanças poderosas no horizonte próximo.

Wasilly Kandinsky - Ponto Preto I (detalhe), 1912, Óleo sobre tela. 39,4 × 51,2 pol (100,0 × 130,0 cm), O Museu Russo, São Petersburgo, Rússia

Uma Nova Pureza

Após duas guerras mundiais, uma depressão global, fomes, atrocidades e dois ataques nucleares em cidades populosas, a extensão da ansiedade que o ser humano médio estava experimentando em meados da década de 1940 não pode ser subestimada. Essa ansiedade deu origem a um novo e amplo interesse no campo relativamente jovem da psicanálise. Entre os muitos milhões de pessoas que recorreram à psicanálise durante esse período estava Jackson Pollock , um dos membros principais de um grupo de artistas conhecido como Expressionistas Abstratos. Pollock foi exposto à psicanálise enquanto estava em reabilitação. Isso abriu sua mente para o mundo do conhecimento primitivo trancado em seu subconsciente. Muitos de seus contemporâneos estavam buscando novas maneiras de se conectar à essência oculta de sua humanidade, trabalhando para expressar emoções cruas e primais através de suas pinturas. Pollock buscou imagens ocultas, na esperança de que pudesse se conectar a algo profundo dentro de si mesmo, algo mais puro do que havia sido expresso pela arte abstrata até então. Por volta de 1947, Pollock pioneirou sua agora icônica técnica de gotejamento. Essa técnica envolvia a aplicação de tinta em uma superfície usando forças como gravidade e momento, em vez de contato direto com ferramentas em uma tela. Abraçando esse novo nível de fisicalidade e rejeitando completamente qualquer sentido de forma reconhecível, Pollock entrou em um novo reino de pura abstração baseado inteiramente na intenção subconsciente, cor, movimento, poder e força.

Wassily Kandinsky - A primeira aquarela abstrata de Kandinsky, 1910, Aquarela e tinta indiana e lápis sobre papel, 19,5 × 25,5 pol, (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centre Georges Pompidou

O Fim do Começo

O trabalho de Pollock, de muitas maneiras, cumpriu a promessa da abstração: a total libertação do artista das restrições da expectativa estética. Talvez também, seus esforços levaram ao fim lógico da abstração. Pollock trouxe para o foco agudo a importância da textura, materialidade, processo e a ideia de ver uma obra de arte não como uma superfície na qual transmitir arte, mas como uma forma unificada em si mesma. Embora refletidos de maneira primal no trabalho de Pollock, esses conceitos são integrais ao trabalho dos Minimalistas , que substituiriam os expressionistas abstratos como os artistas mais influentes da década de 1960. Assim como Kandinsky, o membro líder do movimento Minimalista, Donald Clarence Judd, era um ávido teórico da arte e escritor. Embora tenha rejeitado o rótulo Minimalista, Judd se tornou representativo de suas ideias de reduzir a linguagem visual e purificar os conceitos de forma e espaço. Em vez de rejeitar referências visuais reconhecíveis e a realidade objetiva, artistas minimalistas como Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt e Frank Stella focaram na forma, no uso de cores vibrantes e puras, linhas de borda dura, textura mínima e materialidade moderna. Em vez de abstrair a realidade, os Minimalistas manifestaram as formas, cores, formas e linhas frequentemente exploradas na arte abstrata, habitando-as no espaço físico de maneira representacional.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

O Novo Novo

A história da arte abstrata é a história da busca dos artistas pela liberdade. O que isso significa hoje é que os artistas são livres para se expressar da maneira que escolherem, explorando qualquer método que os atraia. A beleza do estilo aberto de hoje é que um artista pode usar qualquer estilo, meio ou método que funcione melhor para a realização de uma ideia. Embora o Minimalismo possa ter deixado a arte abstrata de lado na década de 1970, a abstração voltou ao primeiro plano das práticas de muitos artistas. Os pintores abstratos contemporâneos se beneficiam da mentalidade aberta de seus predecessores. A abstração continua a nos conectar a algo que a realidade objetiva não pode explicar; algo profundo dentro de nós que se estende além da realidade visível.

Imagem em destaque: Wassily Kandinsky - A primeira aquarela abstrata de Kandinsky, 1910, foto via Wikipedia

Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.

Por Phillip Park