Pinturas Abstratas Famosas Que Mudaram a Maneira Como Percebemos a Arte

“Quais imagens podemos ter, pode-se dizer, depende de quem está fazendo a imaginação.” - John Hospers, de An Introduction to Philosophical Analysis

"Dependemos de visionários para abrir portas escondidas, para que possamos vislumbrar partes do mundo e partes de nós mesmos que, de outra forma, poderiam permanecer ocultas. A visão é a especialidade dos artistas abstratos, e ao longo dos últimos 100 anos, muitas famosas pinturas abstratas conseguiram ampliar a visão da humanidade. Os visionários que criaram essas imagens não apenas nos dotaram, nós, os espectadores, com o presente de novas coisas para ver; eles nos ofereceram maneiras completamente novas de ver."

Pinturas Abstratas Famosas: 1910 – 1920

Admitidamente, algumas de nossas seleções neste artigo podem se mostrar controversas, uma vez quecada amante da arte abstrata tem gostos diferentes. Mas a maioria provavelmente concordaria com nossa primeira seleção de pinturas abstratas que mudaram a maneira como percebemos a arte. Sem Título (Primeira Aquarela Abstrata) de Wassily Kandinsky foi pintada em 1910 e é considerada pelos historiadores da arte como a primeira pintura puramente abstrata. A ousada representação de manchas, borrões e linhas vibrantes renuncia a toda referência visual à realidade objetiva. Esta pintura libertou os artistas da escravidão do tema e convidou os espectadores a se envolverem de uma maneira totalmente nova com o conceito do que uma imagem pode ser.

Wassily Kandinsky - Sem Título (Primeira Aquarela Abstrata), 1910. Aquarela e tinta indiana e lápis sobre papel. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Onze anos depois, em 1921, Piet Mondrian pintou seu icônico Tableau I. Após um período de experimentação com sua nova voz emergente, Tableau I solidificou o que se tornaria o estilo definidor de Mondrian. As linhas pretas duras e os campos de cor compartimentados ofereceram aos espectadores um vislumbre de geometria purificada e precisão matemática. As linhas limpas e a precisão da obra não faziam referência a nada além de forma, cor e linha. A obra deu início a um estilo que influenciaria gerações de pintores, escultores, arquitetos e designers, e continua a guiar pensadores criativos hoje.

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Óleo sobre tela. 96,5 cm x 60,5 cm. Museu Ludwig, Colônia, Alemanha.

Em 1925, Joan Miró dissolveu as barreiras entre Abstração e Surrealismo com sua pintura La mancha roja (A mancha vermelha). Miró não se considerava um abstracionista. Ele disse que voltava para sua pequena casa, faminto e exausto, e pintava as imagens que via em sua cabeça. La mancha roja (A mancha vermelha) equilibra-se na fina linha entre a figuração antropomórfica, totemismos oníricos e pura abstração. Algo infantil, mas horrível, espreita dentro da imagem. Com este corpo de trabalho, Miró abriu a porta para a iconografia oculta de nossos pesadelos e sonhos.

Joan Miro - La mancha roja (A mancha vermelha), 1925. Óleo e pastel sobre tela. 146 x 114 cm. Coleção do Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © Fundação Joan Miro, Barcelona

Pinturas Abstratas Famosas: Anos 1930 – 1940

À medida que o mundo ocidental mergulhava em depressão, fome e guerra pela segunda vez no século XX, a abstração estava firmemente estabelecida como uma força importante no mundo da arte. Uma fantástica gama de métodos estava sendo empregada por artistas que trabalhavam nesse estilo, cada um contribuindo para os crescentes esforços de se conectar com algo puro, algo verdadeiro e algo livre dentro do espírito humano. Na Grã-Bretanha, o pintor Ben Nicholson expandiu seu trabalho abstrato em um corpo do que ele chamou de pinturas em relevo branco. Uma de suas obras seminais, 1935 (relevo branco), quebrou novas barreiras visuais, estabelecendo Nicholson como uma das vozes mais importantes da Abstração Inglesa. Nicholson era amigo e influenciado pelo pintor Piet Mondrian. As obras em relevo branco expandiram o uso de linhas de borda dura e espaço geométrico de Mondrian, introduzindo camadas dimensionais e uma paleta monocromática. As primeiras pinturas em relevo branco de Nicholson foram criadas em 1933, e quando 1935 (relevo branco) foi criada, ele havia solidificado um estilo que combinava elementos de abstração, construtivismo, arte concreta, e que sugere as primeiras sementes do Minimalismo e Abstração Pós-Pintural.

No outro extremo do espectro, durante as décadas de 1930 e 1940, estavam os Expressionistas Abstratos, também conhecidos como a Escola de Nova York. Rejeitando completamente a geografia racional e a redução espacial de artistas como Mondrian e Nicholson, os Ab Ex-ers buscavam se conectar com a emoção primal em seu trabalho. Nenhum Expressionista Abstrato foi tão influente e bem-sucedido em incorporar o estilo quanto Jackson Pollock.

Um notório alcoólatra e neurótico, Pollock foi inspirado por psicanálises a mergulhar profundamente em seu subconsciente em busca de inspiração. Seu trabalho se baseou na fisicalidade e em imagens totem inconscientes para criar retratos ferozes da ansiedade moderna e pós-guerra. Uma das primeiras pinturas por gotejamento de Pollock, Full Fathom Five, pintada em 1947, mudou para sempre a arte abstrata. Esta obra é uma amalgama de seu estilo anterior de pincel e sua técnica visionária de gotejamento. Inclui moedas, bitucas de cigarro e outros pedaços aleatórios de seu estúdio, projetando um nível de textura e profundidade totalmente novo para a Abstração. Full Fathom Five marcou um ponto de virada na carreira de Pollock e mudou para sempre nossa relação com a tela.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Óleo sobre tela com pregos, tachinhas, botões, chave, moedas, cigarros, fósforos, etc. 50 7/8 x 30 1/8 pol. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Pinturas Abstratas Famosas: Anos 1950

Na década de 1950, os Expressionistas Abstratos haviam tomado firmemente a imaginação do mundo da arte. Em toda parte, os artistas se esforçavam para se conectar com o eu primitivo, a mente inconsciente e a imagética oculta do subconsciente. No meio desse fervor, surgiu uma tendência em direção à calma, nascida parcialmente de um crescente interesse entre muitos artistas por filosofias orientais como o Taoísmo e o Zen Budismo. Um dos movimentos mais profundos que emergiram dessa época foi um estilo de pintura abstrata conhecido como Pintura de Campo de Cor.

O objetivo da Pintura de Campo de Cor, como geralmente é compreendido, era explorar a cor independentemente do assunto, forma, linha e outras restrições da criação de imagens. Uma qualidade meditativa era buscada pelos pintores e, se bem-sucedida, era posteriormente transferida da obra para seus espectadores.

A pintora abstrata Helen Frankenthaler foi uma das vozes mais profundas do movimento Color Field. Com sua pintura Montanhas e Mar, pintada em 1952, Frankenthaler apresentou ao mundo uma nova técnica de pintura que ela havia inventado chamada de "processo de imersão e mancha". Nesse processo, Frankenthaler usou terebintina para diluir a consistência de suas tintas. Ela delicadamente despejou a tinta diluída sobre uma tela não tratada no chão, permitindo que a tinta penetrasse completamente na tela, dando à obra uma textura e aparência totalmente novas. O processo de imersão e mancha criou campos sublimes de cor que assumiram configurações orgânicas e mutáveis, tocando o sereno. Montanhas e Mar de Frankenthaler é considerada uma das primeiras sucessos do movimento Color Field e continua sendo uma de suas imagens mais queridas hoje.

Helen Frankenthaler - Montanhas e Mar, 1952. Óleo e carvão sobre tela. 86 5/8 x 117 ¼ pol. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Talvez o artista mais famoso associado aos artistas do Color Field seja Mark Rothko, um artista que também rejeitou veementemente isso e a maioria das outras etiquetas. Rothko trabalhou inteiramente com cor, esforçando-se para abrir um plano espiritual no qual ele e os espectadores pudessem experimentar a profundidade da emoção humana. Embora totalmente focado na cor, Rothko a descartou como apenas um veículo através do qual essa conexão espiritual poderia ser feita. Uma das obras iniciais definidoras de Rothko foi No. 2, Green, Red and Blue, pintada em 1953. Esta peça é icônica do futuro corpo de trabalho de Rothko, estabelecendo sua voz como um habitante singularmente cativante tanto dos mundos da arte abstrata quanto da espiritualidade transcendente.

Mark Rothko - No. 2, Verde, Vermelho e Azul, 1953. Coleção particular

Pinturas Abstratas Famosas: Anos 1960 – 1970

À medida que a Abstração entrou nas décadas de 1960 e 1970, muitos pintores já estavam rejeitando suas ideias fundamentais, retornando à figuração e explorando o reino da arte conceitual. No entanto, o poder da clareza e liberdade da Abstração ainda prometia muito. Uma das vozes mais sublimes desse período foi a pintora abstrata americana Agnes Martin. Conhecida por suas pinturas de grade com linhas, Martin perdura como uma voz icônica da Arte Abstrata.

A pintura de Agnes Martin Night Sea, feita em 1963, é um dos primeiros exemplos do que se tornaria seu estilo definitivo. Na obra, um fundo azul quase monocromático é interseccionado por um padrão de grade meticulosamente pintado em folha de ouro. Esta obra abraça a cor, enquanto coloca igual poder na linha. Ela abraça a simplicidade enquanto comunica simultaneamente vastidão, complexidade e um senso de interdependência entrelaçada. Martin falou sobre como a linha, para ela, representava inocência. Ela esperava que a sensação de inocência fosse transferida para os espectadores através de seu trabalho. A simplicidade de suas imagens e a clareza da emoção que ela esperava comunicar foram fundamentais para unir a lacuna entre o Expressionismo Abstrato e o Minimalismo.

Agnes Martin - Mar Noturno, 1963. Óleo e folha de ouro sobre tela. 72 x 72 pol. © Espólio de Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Na década de 1970, Robert Motherwell agitou o mundo da Abstração mais uma vez com uma voz que parecia ser a antítese do apelo do Minimalismo. Seus gestos primais e robustos transmitiam energia, força e ansiedade ao mesmo tempo. Havia uma força estoica neles e, no entanto, uma emoção profunda emergia que incorporava o poder e a liberdade da pura Abstração.

O trabalho definidor de Motherwell veio em 1971 e foi chamado de Elegy to the Spanish Republic No. 110. A energia furiosa desta pintura envolve o espectador e parece explodir da tela. Há uma vitalidade chocante nela, uma agressão que transfere emoção e fúria para o espaço. Em um momento em que muitos pintores consideravam que a Abstração havia se esgotado, Motherwell injetou uma poderosa nova força vital no estilo. Sua visão fresca e voz confiante ajudaram a Abstração a perdurar e continuam a inspirar e empoderar artistas Abstratos até hoje.

Robert Motherwell - Elegia à República Espanhola No. 110, 1971. Acrílico com grafite e carvão sobre tela. 82 x 114 pol. Museu Solomon R. Guggenheim. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Licenciado pela VAGA na Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque.

Mudando Nossa Percepção do Futuro

Os artistas contemporâneos de Abstract de hoje devem uma dívida a cada um desses artistas, tanto pelas maneiras como buscaram liberdade em seus modos de expressão quanto pelas maneiras como ajudaram os espectadores a abrir suas mentes para novas formas de ver. A abstração continua a abrir novas portas para nós enquanto tentamos compreender as complexidades sem fim que nossa sociedade em evolução nos apresenta. Ao nos basearmos nos exemplos dos grandes artistas de Abstract do passado, os artistas de Abstract de hoje e do amanhã podem, esperançosamente, nos ajudar a traduzir nossas ansiedades e medos contemporâneos e nos ajudar a ver além das limitações de nossos próprios olhos.

Imagem em destaque: Wassily Kandinsky - Composição VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park