O que é Pintura Conceitual?

Toda obra de arte foi uma vez apenas uma ideia na cabeça de alguém. É um pensamento engraçado considerando quão efêmeras podem ser as ideias, e quão difícil pode ser transformar até mesmo as melhores ideias em realidade. Pintura conceitual, como um campo de prática artística, tenta confrontar a lacuna entre ideias e realidade física. Considera a possibilidade de que para cada pintura que acaba sendo pendurada em uma parede, existem inúmeras outras que nunca chegaram à tela, e inúmeras maneiras alternativas de pintar aquela que realmente foi para a parede. Chega até a afirmar que a pintura pode não importar nem um pouco; que a única coisa que realmente importa é a ideia. 

Apenas pense nisso

Às vezes, a melhor maneira de fazer algo é não pensar sobre isso. Apenas faça, como diz o slogan. Quando paramos e pensamos sobre a natureza do que estamos fazendo, isso pode nos paralisar, enquanto questionamos se o que estamos fazendo vale o esforço ou tem algum valor. Quando os primeiros pintores abstratos começaram sua busca para criar obras puramente abstratas, havia muita reflexão acontecendo, e eles estavam cheios de ideias. Mas, simultaneamente, alguns artistas estavam fazendo perguntas sobre o valor dessas ou de quaisquer outras ideias.

Em 1917, Marcel Duchamp criou uma obra de arte intitulada “Fonte.” Era um mictório virado de cabeça para baixo e assinado “R. Mutt.” Duchamp pegou um objeto comum e o transformou, neste caso, virando-o de cabeça para baixo e removendo-o de seu ambiente utilitário, tornando seu uso original obsoleto e convidando novas possibilidades de significado. “Fonte” foi rejeitada pela exposição à qual foi submetida, mas se tornou o marco do que eventualmente seria conhecido como Arte Conceitual, uma tendência de colocar o valor das ideias de um artista acima do valor dos processos ou objetos do artista.

 Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9.8 in, © Sarah Hinckley

Imagem não é nada

Muitas das primeiras pinturas conceituais não eram pinturas de fato. Em 1953, o artista Robert Rauschenberg teve a ideia de apagar uma pintura. Ele pretendia fazer o objeto real desaparecer, deixando apenas a ideia, e assim elevá-la a uma nova reverência. Ele acreditava que, para alcançar a plena manifestação de sua ideia, alguém precisava valorizar o objeto. Ele precisava apagar a obra de outro pintor, caso contrário, seria como negar algo que nunca existiu.

Rauschenberg virou-se para seu amigo Willem de Kooning e pediu que ele doasse uma pintura amada para seu conceito. Embora de Kooning tenha resistido no início, ele acabou dando Rauschenberg, um desenho, um que ele odiava ver desaparecer e que seria difícil de apagar. Rauschenberg passou por mais de uma dúzia de borrachas ao longo de mais de um mês, conseguindo finalmente apagar toda a imagem. O resultado, chamado “Desenho de de Kooning Apagado,” afirmava com confiança a noção de que a ideia de uma obra de arte é o que mais importa, e que a obra não precisa existir de forma alguma.

Robert Rauschenberg - Desenho apagado de de Kooning, 1953, Vestígios de mídia de desenho em papel, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA), São Francisco, © Fundação Robert Rauschenberg 

Fazendo o Invisível

A noção da importância primária da ideia se espalhou rapidamente pelo mundo ocidental. Artistas começaram a experimentar com todas as possíveis manifestações de uma ideia, acreditando que, se uma ideia deve se manifestar, ela pode se manifestar de várias maneiras. A arte sobre uma imagem de uma árvore poderia se manifestar como uma fotografia de uma árvore, uma pintura de uma árvore, um desenho de uma árvore, uma pintura abstrata de uma árvore, as palavras "imagem de uma árvore" escritas em uma superfície, um performer apontando para uma árvore real, uma dança interpretativa imitando uma árvore, ou até mesmo um artista sentado no chão com os olhos fechados pensando em uma imagem de uma árvore.

Em 1958, o artista Yves Klein realizou uma exposição de pintura em Paris frequentemente referida como “O Vazio.” O título completo da mostra era “A Especialização da Sensibilidade no Estado de Matéria Bruta em Sensibilidade Pictórica Estabilizada, O Vazio.” Segundo a lenda, mais de 3000 visitantes vieram ver a exposição. Ao entrar na galeria, os espectadores se depararam com uma sala branca desprovida de pinturas, contendo apenas um armário vazio. Disse Klein sobre a exposição: “Minhas pinturas agora são invisíveis e eu gostaria de mostrá-las de uma maneira clara e positiva.”

Fieroza Doorsen - Sem Título (Id. 1281), 2017, Óleo sobre papel, 27 x 19 cm.

Sol Le Witt

Em 1968, o pintor abstrato Sol LeWitt adicionou outra dimensão ao reino da pintura conceitual. Ele teorizou que não apenas não importa se uma ideia algum dia se manifesta como uma pintura física, mas também não importa como ela é pintada ou quem a pinta. O que importa é a ideia original expressa pelo artista sobre a pintura. Como uma demonstração desse conceito, LeWitt começou a projetar murais que poderiam ser, e geralmente eram, executados por pessoas que não eram ele mesmo.

A ideia de LeWitt era que cada mão individual desenharia cada linha de forma diferente, então, mesmo trabalhando a partir dos mesmos planos, cada artista desenharia o mural de maneira diferente dos demais. Os produtos acabados variariam do design original e entre si, mas como o design original é tudo o que importa, a variação é irrelevante, assim como os meios de produção. O legado da ideia de LeWitt é que suas pinturas murais conceituais ainda estão sendo reproduzidas hoje, após sua morte.

John Monteith - O Céu Noturno, 2010, grafite em papel feito à mão, 24 x 17,7 pol, © John Monteith

O Futuro das Ideias

A pintura conceitual contemporânea continua a expandir nossa apreciação das ideias que formam a base de uma obra de arte. O trabalho da pintora abstrata americana contemporânea Debra Ramsay está enraizado em ideias que são fundamentais para o nosso tempo. Seu processo consiste em rastrear as cores mutáveis da natureza, como as da flora sazonal, e então analisar essas mudanças de cor em um programa de computador. Os dados resultantes são usados para criar uma paleta que faz referência às cores naturais em mudança. Ela então usa essa paleta para criar uma representação abstrata de objetos no espaço mudando ao longo do tempo.

O trabalho de Ramsay traz à mente duas ideias fundamentais que dominam nossa cultura atual. A primeira é a ideia de dados, e a noção de que cada aspecto de nossas vidas está sendo monitorado, digitalizado, calculado e analisado em uma busca monumental por compreensão. A outra é a ideia de que a natureza está mudando, e que agora podemos apenas assistir a isso acontecer e, de alguma forma, encontrar beleza estética nisso. As ideias de Ramsay são belamente representadas na forma de pinturas abstratas, mas são as próprias ideias que tornam seu trabalho tão relevante para nossa cultura agora.

Debra Ramsay- Um Ano de Cor, Ajustado para o Comprimento do Dia, 2014, Acrílico sobre filme de poliéster, 39,8 x 59,8 pol.

H7

O pintor abstrato canadense John Monteith trabalha em uma série de diferentes meios enquanto busca a manifestação física mais bem-sucedida de seus conceitos artísticos. Um campo que ele frequentemente explora é o da texto. Monteith extrai trechos de texto de outras fontes que encontra enquanto trabalha, como as notícias diárias, um livro ou uma conversa. Ele então apresenta o texto fora de contexto em um ambiente de galeria, o que convida novas interpretações conceituais das ideias contidas nas palavras.

Ao recorrer a múltiplas fontes de mídia para o texto que utiliza nas obras, os desenhos baseados em texto de Monteith trazem um ponto de vista contemporâneo para as obras de artistas conceituais da 1ª geração, como Robert Barry, que também costuma trabalhar com texto. O trabalho de Barry envolve exibir trechos de texto em papel, tela, paredes, pisos ou qualquer outra superfície adequada à ideia. Suas palavras são frequentemente suas, mas às vezes são retiradas de outros textos, e são apresentadas de uma forma que convida a novas associações e significados. Muitas vezes, essas obras conceituais apresentam muito mais informação do que uma pintura tradicional poderia, ao exigir a participação da própria imaginação do espectador. 

Matéria e Significado

Em 1965, em uma obra seminal de arte conceitual chamada Uma e Três Cadeiras, o artista conceitual Joseph Kosuth apresentou uma cadeira real, uma fotografia de uma cadeira e uma descrição escrita do que é uma cadeira. Como tantas outras obras conceituais, trouxe à tona a questão de qual é a diferença entre ideias, objetos e abstrações.

Agora aceitamos que uma pintura conceitual não precisa ser uma pintura, nem precisa existir em forma material. Mas quando ela existe, isso é importante? Importa que esteja aqui, no reino físico? Realmente não há diferença entre o objeto e a ideia? Valorizamos a ideia mais? Se estivéssemos morrendo de fome, preferiríamos ter uma receita, uma pintura de comida ou comida de verdade? Em termos práticos, a pintura conceitual tanto pergunta quanto responde uma das perguntas mais importantes da humanidade: Importa o que fazemos?

Imagem em Destaque: Robert Barry - Sem Título (Algo que nunca pode ser uma coisa específica), 1969,  Datilografia em papel, 4 x 6 pol., © Robert Barry

Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.