O que é Pintura Conceitual?

Toda obra de arte foi, em algum momento, apenas uma ideia na cabeça de alguém. É um pensamento curioso, considerando o quão efêmeras as ideias podem ser e como pode ser difícil transformar até as melhores ideias em realidade. Pintura conceitual, como campo de prática artística, tenta confrontar a lacuna entre ideias e realidade física. Ela considera a possibilidade de que, para cada pintura que acaba sendo pendurada em uma parede, existem inúmeras outras que nunca chegaram à tela, e inúmeras formas alternativas de pintar aquela que foi para a parede. Vai até o ponto de dizer que a pintura pode não importar; que a única coisa que realmente importa é a ideia.

Apenas Pense

Às vezes, a melhor maneira de fazer algo é não pensar sobre isso. Apenas faça, como diz o slogan. Quando paramos para pensar sobre a natureza do que estamos fazendo, isso pode nos paralisar, pois questionamos se o que estamos fazendo vale o esforço ou tem algum valor. Quando os primeiros pintores abstratos começaram sua busca por criar obras puramente abstratas, havia muito pensamento envolvido, e eles estavam cheios de ideias. Mas, ao mesmo tempo, alguns artistas questionavam o valor dessas ou de quaisquer outras ideias.

Em 1917, Marcel Duchamp criou uma obra de arte intitulada “Fountain.” Era um mictório virado de cabeça para baixo e assinado “R. Mutt.” Duchamp pegou um objeto comum e o transformou, neste caso, virando-o de cabeça para baixo e retirando-o de seu ambiente utilitário, tornando seu uso original obsoleto e convidando a novas possibilidades de significado. “Fountain” foi rejeitada pela exposição à qual foi submetida, mas tornou-se o marco para o que viria a ser conhecido como Arte Conceitual, uma tendência a valorizar as ideias do artista acima dos processos ou objetos do artista.

Sarah Hinckley - 2009, 38 x 25 cm, © Sarah Hinckley

A Imagem é Nada

Muitas das primeiras pinturas conceituais nem eram pinturas. Em 1953, o artista Robert Rauschenberg teve a ideia de apagar uma pintura. Ele pretendia fazer o objeto desaparecer, deixando apenas a ideia, e assim elevá-la a uma nova reverência. Ele acreditava que, para alcançar a plena manifestação de sua ideia, outra pessoa precisava valorizar o objeto. Ele precisava apagar a obra de outro pintor, caso contrário seria como negar algo que nunca existiu.

Rauschenberg recorreu ao seu amigo Willem de Kooning e pediu que ele doasse uma pintura querida para seu conceito. Embora de Kooning tenha resistido no início, acabou dando a Rauschenberg um desenho, um que ele odiava ver desaparecer e que seria difícil de apagar. Rauschenberg usou mais de uma dúzia de borrachas durante mais de um mês, finalmente conseguindo apagar toda a imagem. O resultado, chamado “Erased de Kooning Drawing,” afirmava com confiança a noção de que a ideia de uma obra de arte é o que mais importa, e que a obra pode nem existir.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, vestígios de material de desenho em papel, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, Museu de Arte Moderna de São Francisco (SFMOMA), São Francisco, © Fundação Robert Rauschenberg

Fazendo o Invisível

A noção da importância primordial da ideia se espalhou rapidamente pelo mundo ocidental. Artistas começaram a experimentar todas as possíveis manifestações de uma ideia, acreditando que, se uma ideia deve se manifestar, pode se manifestar de várias formas. Uma arte sobre a imagem de uma árvore poderia se manifestar como uma fotografia de uma árvore, uma pintura de uma árvore, um desenho de uma árvore, uma pintura abstrata de uma árvore, as palavras “imagem de uma árvore” escritas em uma superfície, um intérprete apontando para uma árvore real, uma dança interpretativa imitando uma árvore, ou até mesmo um artista sentado no chão com os olhos fechados pensando na imagem de uma árvore.

Em 1958, o artista Yves Klein realizou uma exposição de pinturas em Paris frequentemente chamada de “O Vazio.” O título completo da mostra era “A Especialização da Sensibilidade no Estado Bruto do Material em Sensibilidade Pictórica Estabilizada, O Vazio.” Segundo a lenda, mais de 3000 visitantes foram ver a exposição. Ao entrar na galeria, os espectadores se deparavam com uma sala branca sem pinturas, contendo apenas um armário vazio. Klein disse sobre a exposição: “Minhas pinturas agora são invisíveis e eu gostaria de mostrá-las de forma clara e positiva.”

Fieroza Doorsen - Sem título (Id. 1281), 2017, óleo sobre papel, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

Em 1968, o pintor abstrato Sol LeWitt acrescentou outra dimensão ao campo da pintura conceitual. Ele teorizou que não importa se uma ideia se manifesta como uma pintura física, nem importa como ela é pintada ou quem a pinta. O que importa é a ideia original expressa pelo artista. Como demonstração desse conceito, LeWitt começou a desenhar murais de parede que poderiam ser, e geralmente eram, executados por pessoas que não ele mesmo.

A ideia de LeWitt era que cada mão desenharia cada linha de forma diferente, então, mesmo trabalhando a partir dos mesmos planos, cada artista desenharia o mural de forma diferente dos demais. Os produtos finais variariam do desenho original e entre si, mas como o desenho original é o que importa, a variação é irrelevante, assim como os meios de produção. O legado da ideia de LeWitt é que seus murais conceituais ainda são reproduzidos hoje, após sua morte.

John Monteith - O Céu Noturno, 2010, grafite em papel artesanal, 61 x 45 cm, © John Monteith

O Futuro das Ideias

A pintura conceitual contemporânea continua a ampliar nossa apreciação das ideias que formam a base de uma obra de arte. O trabalho da pintora abstrata americana contemporânea Debra Ramsay está enraizado em ideias fundamentais para o nosso tempo. Seu processo é acompanhar as mudanças de cores da natureza, como as das flores sazonais, e depois analisar essas mudanças de cor em um programa de computador. Os dados resultantes são usados para criar uma paleta que referencia as cores naturais em transformação. Ela então usa essa paleta para criar uma representação abstrata de objetos no espaço mudando ao longo do tempo.

O trabalho de Ramsay traz à mente duas ideias fundamentais que dominam nossa cultura atual. A primeira é a ideia de dados, e a noção de que todos os aspectos de nossas vidas estão sendo monitorados, digitalizados, calculados e analisados em uma busca monumental por compreensão. A outra é a ideia de que a natureza está mudando, e que agora talvez só possamos assistir a isso acontecer e, de alguma forma, encontrar beleza estética nisso. As ideias de Ramsay são belamente representadas na forma de pinturas abstratas, mas são as próprias ideias que tornam seu trabalho tão relevante para nossa cultura hoje.

Debra Ramsay- Um Ano de Cor, Ajustado para a Duração do Dia, 2014, acrílico sobre filme de poliéster, 101 x 152 cm.

H7

O pintor abstrato canadense John Monteith trabalha em vários meios diferentes enquanto busca a manifestação física mais bem-sucedida de seus conceitos artísticos. Um campo que ele frequentemente explora é o do texto. Monteith extrai pedaços de texto de outras fontes que encontra enquanto trabalha, como notícias diárias, um livro ou uma conversa. Ele então apresenta o texto fora de contexto em um ambiente de galeria, o que convida a novas interpretações conceituais das ideias contidas nas palavras.

Ao recorrer a múltiplas fontes de mídia para o texto que usa nas obras, os desenhos baseados em texto de Monteith trazem um ponto de vista contemporâneo para os trabalhos de artistas conceituais da primeira geração, como Robert Barry, que também frequentemente trabalha com texto. O trabalho de Barry envolve exibir pedaços de texto em papel, tela, paredes, pisos ou qualquer outra superfície adequada à ideia. Suas palavras são frequentemente suas próprias, mas às vezes são retiradas de outros textos, e são apresentadas de forma a convidar a novas associações e significados. Frequentemente, essas obras conceituais apresentam muito mais informação do que uma pintura tradicional poderia, exigindo a participação da imaginação do espectador.

Matéria e Significado

Em 1965, em uma obra seminal da arte conceitual chamada Uma e Três Cadeiras, o artista conceitual Joseph Kosuth apresentou uma cadeira real, uma fotografia de uma cadeira e uma descrição escrita do que é uma cadeira. Como tantas outras obras conceituais, trouxe à tona a questão da diferença entre ideias, objetos e abstrações.

Hoje aceitamos que uma pintura conceitual não precisa ser uma pintura, nem precisa existir em forma material. Mas quando existe, isso é importante? Importa que ela esteja aqui, no mundo físico? Realmente não há diferença entre o objeto e a ideia? Valorizamos mais a ideia? Se estivéssemos famintos, preferiríamos uma receita, uma pintura de comida ou comida de verdade? Em termos práticos, a pintura conceitual tanto pergunta quanto responde uma das questões mais importantes da humanidade: importa o que fazemos?

Imagem em destaque: Robert Barry - Sem título (Algo que nunca pode ser uma coisa específica), 1969, datilografia em papel, 10 x 15 cm, © Robert Barry

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos