O Que Pode Ser Considerado Abstrato na Obra de Robert Rauschenberg

Uma abstração é um ponto de partida. É a semente de uma ideia que poderia, sob as circunstâncias contemplativas certas, circunstâncias que exigem abertura para se manifestar, crescer em uma floresta de pensamento. A resposta curta, portanto, à pergunta sobre se a obra de Robert Rauschenberg pode ser considerada abstrata, é sim. Tudo a respeito dela pode ser lido como abstrato. Cada elemento de cada obra de arte que Rauschenberg fez ao longo de mais de 60 anos de sua carreira profissional foi concebido como um instigador de pensamento. Temos como prova as palavras do artista em inúmeras entrevistas, nas quais ele apontou repetidamente a importância do papel do espectador individual na determinação do significado de seus experimentos. E como uma demonstração adicional e decisiva da natureza abstrata de sua obra, temos a retrospectiva de Robert Rauschenberg que abriu em 1º de dezembro de 2016 no Tate Modern em Londres. É a primeira exposição abrangente de seu trabalho desde a morte do artista em 2008, e inclui mais de 200 obras de arte que abrangem toda a linha do tempo de sua carreira e toda a gama de mídias com as quais ele experimentou. A exposição viajará a seguir para São Francisco para uma estadia no SFMoMA, e depois para o MoMA em Nova York. As obras em seu catálogo oferecem uma chance de contemplar plenamente a vida e o trabalho de um artista que, acima de tudo, esperava nos convencer a olhar de perto para nosso mundo e nosso tempo, e a determinar seu significado por nós mesmos.

Arte do seu tempo

A mencionada retrospectiva de Robert Rauschenberg atualmente em exibição na Tate Modern apresenta a obra de Robert Rauschenberg em ordem sequencial, de acordo com o ano em que foi feita. Essa foi uma decisão não tomada por razões de simplicidade. O tempo é um elemento essencial em tudo que Rauschenberg fez. A cada passo de sua carreira, Rauschenberg foi um artista de seu momento. Não que ele simplesmente fizesse obras sobre seu tempo. Em vez disso, seu trabalho era um subproduto de seu tempo. Ele se manifestou através de sua interação com a cultura do presente e emergiu como uma definição do agora.

O primeiro corpo de trabalho que Rauschenberg fez e que definiu de forma ousada e precisa o agora foi uma série de grandes pinturas monocromáticas que ele pintou em várias cores, incluindo branco, preto, vermelho e dourado. Era o início da década de 1950 e ele estava imerso na cena artística de Nova York, que era dominada pelo Expressionismo Abstrato. Rauschenberg era amigo de muitos dos pintores do Ab Ex. Ele bebia com eles, os levava para casa quando bebiam demais e participava de suas conversas diárias sobre arte e vida. Suas monocromas eram o resultado inevitável de seu drama. Elas demonstram, embora de forma abstrata, o simples valor inerente em fazer algo completamente diferente do que todos os outros estão fazendo.

Robert Rauschenberg - Untitled (mate black monochrome, triptych), 1951, Oil on canvas, 72 x 108 in. © Robert Rauschenberg Foundation

Forças combinadas

Depois de fazer seu nome com seus monocromos, Robert Rauschenberg começou suas primeiras Combinações, assemblages de detritos do mundo real que habitam um meio-termo entre várias formas artísticas tradicionais. Elas são parte pintura, parte escultura, parte readymade e parte colagem. Elas anunciaram a conclusão já prevalente e inevitável de que as classificações formais tradicionais se tornaram irrelevantes e que toda arte poderia ser uma arte total.

Enquanto o Expressionismo Abstrato estava imerso nas emoções individuais dos próprios artistas, as Combinações feitas por Rauschenberg eram uma expressão de toda a cultura. Elas eram feitas de recortes de jornais, lixo, objetos encontrados, curiosidades, madeira de sucata e, claro, tinta. Elas são uma imagem exata e representacional do mundo, como existia nos dias em que foram feitas. Elas expressam simultaneamente o total da sociedade humana, enquanto estendem um convite aberto para contemplar sua natureza e valores.

Robert Rauschenberg - Odalisk, 1955 – 1958, oil, watercolor, pencil, crayon, paper, fabric, photographs, printed reproductions, miniature blueprint, newspaper, metal, glass, dried grass, and steel wool with pillow, wood post, electric lights, and rooster on wood structure mounted on four casters. © Robert Rauschenberg Foundation

Um Mundo de Imagens

Embora tenha sido seu contemporâneo Andy Warhol quem se tornou mais famoso pela prática, foi Robert Rauschenberg quem pioneirou o uso do processo de serigrafia industrial para criar pinturas que incorporam fotografias tiradas da cultura contemporânea, como deixa claro a atual retrospectiva da Tate. O icônico Retroactive II, uma serigrafia de Rauschenberg que apresenta uma imagem proeminente de John F. Kennedy ao lado de uma imagem de um astronauta, um medidor de clima, uma Polaroid de um copo de água que o artista tirou e várias outras imagens, parece ser especialmente estimado pela Tate, uma vez que foi usado em todos os seus materiais publicitários, incluindo a capa do catálogo.

Além da serigrafia, Rauschenberg também utilizou uma variedade de outros processos de impressão, como a litografia, ao longo de sua carreira. Algumas de suas gravuras (Retroactive II em particular) soam como uma entrada de diário, como se quisessem simplesmente dizer: “isto é o que estou pensando hoje, embora não saiba o que significa.” Outras, como Earth Day, uma litografia de 1970, soam mais como propaganda, expressando uma posição de ativismo social direta. Outras ainda, como Renascence, uma serigrafia de 1962, parecem ser totalmente abstratas. Independentemente de seu conteúdo aparente, as gravuras de Rauschenberg demonstram a intenção abrangente que Rauschenberg sempre teve, que era expressar seu tempo. Como ele disse: “Eu sempre quis que minhas obras—o que quer que acontecesse no estúdio—parecessem mais com o que estava acontecendo do lado de fora da janela. O trabalho do artista é ser uma testemunha de seu tempo na história.”

Robert Rauschenberg - Renascence, 1962, Oil and silkscreen ink on canvas. © Robert Rauschenberg Foundation

O Mundo é um Palco

Além de seu trabalho em estúdio, Robert Rauschenberg também foi um colaborador ativo no mundo da performance. Ao longo de sua carreira, ele criou adereços de palco, cenários e figurinos para uma variedade de produções de teatro e dança. Ele até atuou ocasionalmente em algumas dessas produções. Uma de suas peças mais famosas, um combine de 1954 intitulado Minutiae, foi criada como uma peça de palco para um balé de Merce Cunningham. (Um filme do balé é apresentado na retrospectiva da Tate.)

A maneira como eles interagem especificamente com uma obra de arte maior faz com que seus trabalhos relacionados à performance se destaquem de seus outros esforços. Sua estrutura conceitual nos dá um contexto ampliado a partir do qual podemos interpretá-los. Se considerarmos Minutiae puramente como um objeto de arte abstrata, podemos chegar a uma série de interpretações pessoais com base em nosso relacionamento individual com sua forma e seus vários elementos estéticos. Mas, como um elemento de um balé, podemos nos afastar da responsabilidade da interpretação pessoal e vê-lo simplesmente como decoração ou uma declaração sobre a narrativa que se desenrola no palco. É tentador, de fato, questionar quais abstrações adicionais poderiam ser obtidas ao ler todo o trabalho de Rauschenberg como decoração ou adereços, em vez de arte.

Robert Rauschenberg - Minutiae, 1954, oil, paper, fabric, newspaper, wood, metal, and plastic with mirror on braided wire on wood structure. © Robert Rauschenberg Foundation

O que não é mostrado

Embora seus monocromos, Combines, gravuras e designs de palco sejam o que Robert Rauschenberg é mais conhecido, sua criatividade prolífica se manifestou em outros meios também. Como acontece com muitos artistas famosos, se os interesses financeiros do mercado não valorizam um determinado corpo de trabalho o suficiente, às vezes ele deixa de ser discutido no contexto mais amplo de sua obra. A atual exposição da Tate ajuda os visitantes a escapar dessa visão míope, oferecendo um vislumbre bem-vindo de muitos dos primeiros esforços que Rauschenberg fez, que precedem aquelas pinturas monocromáticas que primeiro o tornaram famoso. Por exemplo, está em exibição um belo exemplo de suas assombrosas gravuras monoprints expostas em blueprint. A exposição também dá a devida atenção a seus esforços fora do estúdio, oferecendo um vislumbre de alguns dos relicários arquivísticos de seu trabalho de caridade, exemplificado pela fundação sem fins lucrativos Rauschenberg Foundation.

Na sua vida privada, Robert Rauschenberg era um realista. Embora tivesse a mente de um filósofo, também era conhecido por sua paixão, simpatia, generosidade e senso de humor. E ele, às vezes, mostrava todas essas coisas em seu trabalho. Havia elementos realistas, apaixonados, amigáveis e humorísticos em cada um dos experimentos de Rauschenberg, enquanto ele tentava sem vergonha mostrar à sua geração o mundo deles. O que felizmente não é mostrado na atual retrospectiva da Tate são respostas conclusivas sobre o significado de seus muitos experimentos. O elemento mais obviamente abstrato do legado que Rauschenberg criou é que cada uma de suas obras de arte tem um número potencialmente infinito de significados, limitado apenas pela imaginação individual de cada espectador. Como Rauschenberg disse: “Eu gostaria de fazer uma pintura e uma situação que deixasse tanto espaço para a pessoa que a observa quanto para o artista.”

Imagem em destaque: Robert Rauschenberg - Charlene (detalhe), 1954, óleo, carvão, papel, tecido, jornal, madeira, plástico, espelho e metal em quatro painéis de Homasote, montados em madeira com luz elétrica. © Robert Rauschenberg Foundation
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park