Cor e Geometria Marcantes na Pintura de Gillian Ayres

A aclamada artista abstrata britânica Gillian Ayres tem feito arte profissionalmente por quase 70 anos. Desde que se formou na Camberwell School of Art em Londres em 1950, ela nunca se desviou de sua única paixão pura: a pintura. Mesmo em meio a tendências globais como Arte Conceitual, Arte de Performance, Arte da Terra, Arte de Instalação e Arte Multimídia, cada uma das quais desafiou a relevância de seu trabalho, Ayres permaneceu dedicada à proposta simples de criar imagens com tinta. Seu trabalho sempre foi abstrato, embora seu estilo tenha evoluído continuamente. Quando perguntada sobre o significado de sua obra, ou qual foi o impulso para qualquer trabalho específico que ela criou, ela redireciona a conversa para longe das palavras. “É uma experiência visual”, ela diz, “não uma literária.”

Uma Certa Ratidão

Quando fala sobre seus primeiros dias na escola de arte, Gillian Ayres adota uma espécie de aspecto astuto. Ela se lembra de ter ficado completamente desanimada com os métodos de ensino de muitos de seus professores. Ela e os outros alunos eram obrigados a passar dias inteiros focados em coisas como desenhar repetidamente uma parte do corpo de um modelo ou esboçar uma cena em frente a um café em Londres. Ela percebia a repetição e a precisão incansável como mundanas. Ela ansiava por descobrir a arte modernista e arte abstrata, e criar o tipo de arte que a fizesse sentir-se viva, vibrante e livre.

Ela se descreve naqueles dias como subversiva. No entanto, ela disse: “Não é uma ambição ir contra a corrente. Eu não acho que havia um desejo de ser subversiva. Eu acho que a gente apenas se sentia irritada.” Essa irritação foi finalmente validada no início dos anos 1950, quando ela encontrou pela primeira vez o trabalho de Jackson Pollock. As imagens que viu dele trabalhando no chão, manuseando a tinta de uma maneira solta, ativa e viva, a inspiraram, e ela imediatamente soube que queria ser livre assim. Até hoje, Ayres considera Pollock uma grande inspiração; não que ela tenha copiado sua técnica, estilo ou a aparência de seu trabalho, mas sim que ele lhe mostrou um caminho para romper com a confusão clássica.

Gillian Ayres - Distillation, 1957. Oil paint and household paint on hardboard. 84 x 60 in. © Gillian Ayres

Uma verdadeira vocação

Recém-empoderada, Ayres passou a década de 1950 desenvolvendo um estilo abstrato dinâmico e vibrante. Mas, embora o trabalho lhe trouxesse o respeito de outros pintores e, em pequena medida, do público, o Modernismo e a abstração ainda não eram amplamente aceitos na Grã-Bretanha. Ela havia exposto e vendido um pequeno número de pinturas, mas o sucesso financeiro a eludia. Assim, aceitou feliz quando lhe foi oferecida uma posição temporária de professora na Academia de Arte de Bath, uma escola de arte conhecida por ser progressista. Ela acabou ficando em Bath por sete anos, depois se mudando para lecionar na Escola de Arte Saint Martin por 12 anos, e para chefiar o departamento de pintura na Escola de Arte de Winchester por três anos.

Enquanto ensinava, Ayres continuou a evoluir seu estilo. Ela experimentou com formas biomórficas, explorou uma variedade de paletas de cores e oscilou entre obras pictóricas, impasto e superfícies planas. E sua reputação como uma rebelde cresceu, enquanto ela continuava a defender veementemente a pintura, quando quase todos os seus colegas estavam direcionando seus alunos para outros meios mais contemporâneos. Mas então, no final da década de 1970, ela teve um momento de clareza. Depois de quase morrer de um caso de pancreatite aguda, ela percebeu que, apesar de seu sucesso como educadora, tudo o que realmente queria fazer era pintar. Ela rapidamente encerrou sua carreira acadêmica e se mudou para o campo do País de Gales para se dedicar em tempo integral à sua arte.

Gillian Ayres - Lure, 1963. Oil on canvas. 152.4 x 152.4 cm. © Gillian Ayres

Cor e Forma

Recém-rededicada, Ayres se imergiu em seu amor pela pintura. Ela já estava se inclinando para um estilo mais impasto e texturizado, e agora seu trabalho se tornou ainda mais pictórico, mais tátil e mais exuberante. Ela usou suas mãos nuas para manipular a tinta, conectando-se diretamente, pessoalmente, com as superfícies. Suas pinturas dessa época parecem como terrenos primordiais para novas relações de cores e formas inimagináveis. Incontáveis possibilidades irrompem das composições extáticas, de alguma forma alcançando harmonia apesar de sua complexidade.

Foi por volta dessa época que Ayres percebeu que não tinha mais interesse em tonalidade. Ela não queria nada de tons suaves ou nuances de cor. Ela queria intensidade. E junto com seu foco em cores vibrantes e puras, ela também começou a se inclinar para um uso mais figurativo da forma, endurecendo suas linhas e permitindo que campos maiores de cor habitassem suas composições. Uma sensação de calma confiança emergiu em suas pinturas, talvez relacionada a uma vida agora passada em constante contemplação do trabalho essencial que ela sentia que nasceu para fazer.

Gillian Ayres - Aeolus, 1987. Óleo sobre tela. 213 x 213 cm. © Gillian Ayres

Uma Nova Geometria

Ao longo da década de 1990 e início dos anos 2000, Ayres continuou a evoluir ainda mais em direção a uma sensação de formas reconhecíveis em suas composições. Dicas de objetos naturais aparecem e desaparecem, como uma lua ou um sol, uma linha do horizonte, ou uma variedade de formas mundanas semelhantes a um banquete em uma mesa ou flores em um campo. Algumas de suas composições flertam com formas e padrões geométricos, mesmo que apenas em fragmentos. Mas ainda não é tanto a figuração realista que emergiu em suas obras mais recentes, mas sim uma linguagem visual abstrata figurativa que se afirmou, semelhante ao que se materializou quando Matisse, na fase final de sua carreira, desenvolveu seus icônicos recortes de borda dura.

Esta linguagem visual se presta particularmente bem ao meio da gravura, que há muito interessa a Ayres. Nos últimos anos, ela tem desfrutado de fazer impressões e xilogravuras durante os meses de inverno em seu estúdio. As cores em suas impressões são mais vibrantes e puras do que nunca, criando relações ousadas que chocam os olhos com sua presença dinâmica. Ela se refere ao processo de gravura como algo que se conecta com o impulso de reproduzir. Mas, apesar de sua qualidade essencialmente reprodutiva, ela tende a adicionar elementos pintados à mão a muitas das impressões que faz, tornando cada obra de arte única. Essa fusão de processos mecânicos e pintura à mão resulta em uma mistura em camadas de texturas.

Gillian Ayres - Rombuk, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 68.6 x 78.7 cm. © Gillian Ayres

Inovação Sem Limites

Em uma época em que a tecnologia e as práticas multimídia parecem estar na vanguarda de todas as feiras de arte e bienais, e quando trabalhos abertamente sociais, culturais e políticos atraem grande parte da atenção da mídia, é uma conquista que Gillian Ayres tenha continuado a provar que a pintura abstrata é sempre relevante. Ela resistiu à pressão de inúmeras tendências, permanecendo fiel ao seu simples amor pela cor, forma, superfície e tinta. Na tradição dos mestres modernistas que a inspiraram, como Picasso, Matisse e Miro, Ayres demonstrou o valor da pintura ao mostrar simultaneamente quão simples e quão variada ela pode ser.

E ainda assim, apesar de seu amor obstinado pelo meio, sua visão estética e seus hábitos têm progredido continuamente. Ela trabalhou de várias maneiras com uma gama de diferentes meios de pintura, explorando e abraçando a especificidade de cada um. E ao expandir sua prática para incluir processos de gravura, ela esticou os limites da pintura sempre que pôde. Ela provou ser complexa, e ainda assim, ao reduzir os elementos da pintura a cor, forma e espaço, ela ensinou múltiplas gerações de espectadores a simplesmente olhar. “Preocupa-se terrivelmente, de uma maneira inquieta”, ela diz. “Eu quero encontrar algo, e quero que minhas pinturas sejam edificantes, mas não acho que sei como terminar uma imagem, e também não sei como começar. As pessoas gostam de entender, e eu gostaria que não gostassem. Eu gostaria que apenas olhassem."

Gillian Ayres - Finnegan's Lake, 2001. Liftground & aquatint with carborundum (Silicon carbide) & hand painting on paper. 55.9 x 45.7 cm. © Gillian Ayres

Imagem em destaque: Gillian Ayres - Sun Up (detalhe), 1960. Óleo sobre tela. © Gillian Ayres
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park