Pintura em Impasto na Arte Abstrata

Talvez o edifício mais simbólico da América seja o One World Trade Center, em Lower Manhattan. Como o ponto central do desenvolvimento que substituiu as torres gêmeas destruídas em 2001, sua própria existência é uma declaração poderosa. Adicionando proeminentemente ao seu simbolismo, estão duas enormes, pinturas abstratas impasto permanentemente instaladas no saguão da sua entrada sul. O edifício é apelidado de Freedom Tower, e é o edifício mais alto do Hemisfério Ocidental. Ele se eleva a 1776 pés: uma referência deliberada ao ano em que a América declarou sua independência. As pinturas impasto mencionadas anteriormente que adornam as paredes do saguão sul são do artista americano Donald Martiny. Uma das pinturas se chama Lenape, e a outra se chama Unami. Os títulos fazem referência à história pré-colombiana de Nova York. Os Lenape são a tribo nativa que originalmente habitou o solo onde a Freedom Tower foi construída. Unami é um dialeto Lenape. No topo da Freedom Tower há um deck de observação chamado One World Observatory. Até onde a vista alcança a partir do observatório, todo o ambiente ao redor uma vez sustentou a cultura Lenape. Então, o que está sendo comunicado por este edifício? Ele foi projetado para memorializar um dos piores ataques terroristas da história humana. Ele apresenta as ideias de um mundo, liberdade, independência e comércio. Ele encoraja os visitantes a ter uma visão de longo prazo. E suas obras de arte mais proeminentes são nomeadas em homenagem àqueles que foram subjugados para construir a nação responsável por sua criação. Que conversa está acontecendo aqui? Qual é o significado de todo esse simbolismo? Talvez haja algo a ser aprendido com as próprias obras de arte e com as qualidades abstratas que a pintura impasto representa.

Sombra e Luz

O termo impasto vem da palavra italiana para massa. Na pintura, refere-se à técnica de aplicar camadas espessas de meio em uma superfície para proporcionar uma dimensão textural a uma obra de arte. O pintor italiano do século XVI, Ticiano, foi um dos primeiros artistas conhecidos por ter incorporado intencionalmente técnicas de impasto em suas pinturas. Ele começou a usar a técnica em uma época em que as pinturas eram valorizadas por suas superfícies lisas e pela ausência de pinceladas visíveis. Um mestre da pintura realista, Ticiano percebeu que, acumulando tinta em certas áreas de uma superfície, poderia criar variações na forma como a luz refletia sobre ela, dando aos elementos de uma pintura uma sensação de vida.

Cada pincelada de pintura em impasto causa graduações em cor a aparecer das sombras causadas quando a luz atinge a tinta elevada. Dependendo da posição das luzes e do ponto de vista de um espectador, uma pintura em impasto pode mudar de maneiras sutis, adicionando variações de profundidade e um senso elevado de realismo. Em seu próprio século, Titian estava desafiando a tradição ao permitir que suas pinceladas fossem visíveis e as propriedades materiais de seu meio se mostrassem. Mas ele era tão habilidoso na técnica que sua influência fez com que ela rapidamente se espalhasse. No século 17, Rembrandt estava incorporando famosa e amplamente a pintura em impasto em suas obras. E no século 19, a técnica era tão bem considerada que Van Gogh a tornou seu estilo característico.

Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)

Expressões Abstratas

Por volta da virada do século 20, um grupo de pintores chamado Expressionistas estava em busca de maneiras de expressar estados emocionais internos em suas pinturas, em vez de simplesmente capturar a realidade externa. Eles adotaram a pintura em impasto como uma de suas técnicas preferidas. A tinta aplicada em camadas grossas possui muitas qualidades inerentes, como peso, profundidade e gravidade. Quanto mais grossa for aplicada, mais sombra ela cria. Ela abstrai a imagem, distorcendo a maneira como os espectadores interagem com o assunto. Os Expressionistas a consideraram ideal para comunicar seriedade, intensidade e drama.

Por volta da mesma época em que o Expressionismo ganhava destaque, a abstração também se tornava uma preocupação crescente para muitos artistas. A pintura em impasto revelou-se uma técnica ideal para pintores abstratos, pois ajudava a deslocar o foco de uma pintura do assunto para as qualidades formais da obra. Portanto, uma pintura abstrata em impasto não precisa ser sobre nada além da tinta. Hans Hofmann foi um artista abstrato particularmente influente que abraçou totalmente a pintura em impasto. Hofmann acreditava que, ao se concentrar nos elementos formais da estética em vez de imitar a realidade, os artistas poderiam expressar verdades mais profundas. Ele usou a pintura em impasto para expressar as qualidades abstratas de estrutura, espaço, cor, forma e ilusão.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection.  Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)

Dimensões Escultóricas

Além de ser um pintor, Hofmann também foi professor. Muitos dos alunos que ele ensinou, como Helen Frankenthaler e Lee Krasner, a esposa de Jackson Pollock, tornaram-se figuras de destaque no movimento Expressionista Abstrato. Hofmann teve um efeito profundo na maneira como esses pintores se relacionavam com seus meios. Como o foco de muitos pintores Expressionistas Abstratos era transmitir seus sentimentos subconscientes e capturar na tela a emoção e a intensidade do ato de pintar, Hofmann inculcou neles que as qualidades materiais de seu meio deveriam ser um elemento chave em seu trabalho.

Ele lhes ensinou que, “cada meio de expressão tem sua própria ordem de ser.” Nas mãos de pintores como Jackson Pollock e Jane Frank, a pintura em impasto assumiu uma nova dimensão, literalmente. Jane Frank construiu camadas esculturais de meios sobre suas superfícies em impasto. Jackson Pollock respingou, gotejou e despejou tinta em quantidades tão massivas que o peso puro de suas camadas em impasto ameaçava destruir os suportes de suas obras. Os Expressionistas Abstratos, além disso, expandiram o conceito de pintura em impasto para incluir coisas além da tinta, como meios incomuns e detritos como vidro quebrado, pedras, bitucas de cigarro. Ao adicionar materiais e meios incomuns às suas camadas em impasto, esses pintores expressaram profundidade conceitual, bem como física.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank

Tudo sobre a tinta

Em resposta à intensidade emocional do Expressionismo Abstrato, a pintura em impasto perdeu a popularidade entre muitos artistas nas décadas de 1960 e 70, especialmente aqueles associados ao Minimalismo. Esses artistas buscavam criar superfícies lisas que eliminassem evidências do artista individual que fez a obra. Para criar superfícies ultra lisas, eles recorreram a técnicas como manchar e pulverizar, e usaram processos mecanizados e industriais. Mas, na década de 1980, o amor pelo impasto retornou.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Uma razão pela qual a técnica recuperou seu prestígio foi uma reação contra a percepção de desumanidade do Minimalismo. Outra razão foi o crescente interesse nas qualidades formais dos materiais artísticos. Uma expressão particularmente bem-sucedida da estética minimalista foi a pintura monocromática. Monocromas expressam cor pura e planicidade. Na década de 1980, pintores como James Hayward e Alan Ebnother começaram a reimaginar o monocromo através da pintura em impasto. Seus monocromas em impasto abraçaram a expressão da cor, mas adicionaram uma dimensão de fisicalidade e especificidade do meio. Ao eliminar a anonimidade industrial dos monocromas minimalistas e reintroduzir a marca do artista, eles reordenaram a emoção e a personalidade, trazendo uma nova atenção às qualidades essenciais da tinta.

James Hayward - Abstrato 31, 2001. Óleo sobre tela em madeira. 30 x 28 pol. © James Hayward (Esquerda) e Chromachord Assimétrico 38, 2009. Óleo sobre tela em painel de madeira. © James Hayward (Direita)

Além da massa

Olhando para a história da pintura em impasto, é claro que a técnica carrega consigo uma gama de associações abstratas. Em seus primeiros dias, deu o passo sem precedentes de não esconder o fato de que uma obra de arte era feita de tinta. Nesse sentido, quebrou a ilusão. Mais tarde, serviu para destacar as sutis e muitas vezes mutáveis diferenças entre escuridão e luz. Na era Modernista, a pintura em impasto tornou-se uma forma de expressar a profunda emoção e as sensibilidades primordiais da mente subconsciente. E em seu uso contemporâneo, tornou-se uma expressão do poder e da simplicidade do gesto artístico em si. Então, o que podemos afirmar sobre a conversa que ocorre entre o One World Trade Center e as pinturas em impasto abstratas de Donald Martiny que ocupam seu saguão? 

Embora essas pinturas pareçam ser grandes pinceladas de impasto, na verdade foram meticulosamente feitas em um processo laborioso, durante o qual Martini despeja, goteja e esfrega camada após camada de meio, às vezes usando suas mãos nuas. Elas expressam trabalho árduo, adaptação, paciência, visão e a força inerente à cuidadosa construção de camadas ao longo do tempo. Além disso, como todas as pinturas em impasto, Lenape e Unami também simbolizam a destruição de ilusões, a natureza em evolução da escuridão e da luz, a gama de profundidade emocional e física, e as realidades primordiais da mente humana subconsciente. Consideradas sob essa perspectiva, elas se tornam mais do que objetos estéticos e mais do que gestos simbólicos. Elas se tornam os representantes abstratos perfeitos de seu meio, seu ambiente, seus nomes, sua história e seu tempo.

Imagem em destaque: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park