Pintura em Impasto na Arte Abstrata

Talvez o edifício mais simbólico da América seja o One World Trade Center, no sul de Manhattan. Como peça central do desenvolvimento que substituiu as torres gêmeas destruídas em 2001, sua própria existência é uma declaração poderosa. Acrescentando de forma destacada ao seu simbolismo estão duas enormes pinturas impasto abstratas permanentemente instaladas no saguão da entrada sul. O edifício é apelidado de Torre da Liberdade, e é o prédio mais alto do Hemisfério Ocidental. Ele se eleva a 1776 pés: uma referência deliberada ao ano em que a América declarou sua independência. As mencionadas pinturas impasto que adornam as paredes do saguão sul são do artista americano Donald Martiny. Uma das pinturas se chama Lenape, e a outra se chama Unami. Os títulos fazem referência à história pré-colombiana de Nova York. Os Lenape são a tribo nativa que originalmente habitava o terreno onde a Torre da Liberdade foi construída. Unami é um dialeto Lenape. No topo da Torre da Liberdade há um mirante chamado One World Observatory. Até onde a vista alcança a partir do observatório, todo o ambiente ao redor já sustentou a cultura Lenape. Então, o que está sendo comunicado por este edifício? Ele foi projetado para homenagear um dos piores ataques terroristas da história humana. Ele apresenta as ideias de um mundo unido, liberdade, independência e comércio. Incentiva os visitantes a adotarem uma visão ampla. E suas obras de arte mais proeminentes são nomeadas em homenagem àqueles que foram subjugados para construir a nação responsável por sua criação. Que conversa está acontecendo aqui? Qual é o significado de todo esse simbolismo? Talvez haja algo a ser aprendido com as próprias obras de arte, e com as qualidades abstratas que a pintura impasto representa.

Sombra e Luz

O termo impasto vem da palavra italiana para massa. Na pintura, refere-se à técnica de aplicar camadas espessas de material sobre uma superfície para proporcionar uma dimensão tátil à obra. O pintor italiano do século XVI, Ticiano, foi um dos primeiros artistas conhecidos a incorporar intencionalmente técnicas impasto em suas pinturas. Ele começou a usar a técnica numa época em que as pinturas eram valorizadas por suas superfícies lisas e ausência de pinceladas visíveis. Pintor realista magistral, Ticiano percebeu que, acumulando tinta em certas áreas da superfície, poderia criar variações na forma como a luz refletia, dando aos elementos da pintura uma sensação de vida.

Cada pincelada em uma pintura impasto provoca gradações de cor que surgem das sombras causadas quando a luz incide sobre a tinta elevada. Dependendo da posição das luzes e do ponto de vista do espectador, uma pintura impasto pode mudar de forma sutil, adicionando variações de profundidade e uma sensação aumentada de realismo. Em seu próprio século, Ticiano contrariava a tradição ao permitir que suas pinceladas fossem visíveis e que as propriedades materiais do seu meio aparecessem. Mas ele era tão mestre na técnica que sua influência fez com que ela rapidamente se popularizasse. No século XVII, Rembrandt incorporava a pintura impasto em suas obras de forma famosa. E no século XIX, a técnica era tão valorizada que Van Gogh a tornou sua marca registrada.

Van Gogh - A Noite Estrelada, 1889. Óleo sobre tela. 29 x 36 1/4 pol. Coleção MoMA. © Van Gogh (Esquerda) e detalhe (Direita)

Expressões Abstratas

Por volta do início do século XX, um grupo de pintores chamados Expressionistas buscava formas de expressar estados emocionais internos em suas pinturas, em vez de simplesmente capturar a realidade externa. Eles adotaram a pintura impasto como uma de suas técnicas preferidas. A tinta aplicada em camadas espessas possui muitas qualidades inerentes, como peso, profundidade e gravidade. Quanto mais espessa a aplicação, mais sombra ela cria. Ela abstrai as imagens, distorcendo a forma como os espectadores interagem com o assunto. Os Expressionistas acharam ideal para comunicar seriedade, intensidade e drama.

Na mesma época em que o Expressionismo ganhava destaque, a abstração também se tornava uma preocupação crescente para muitos artistas. A pintura impasto revelou-se uma técnica ideal para pintores abstratos, pois ajudava a deslocar o foco da pintura do assunto para as qualidades formais da obra. Uma pintura impasto abstrata, portanto, não precisa ser sobre nada além da tinta. Hans Hofmann foi um artista abstrato particularmente influente que abraçou completamente a pintura impasto. Hofmann acreditava que, ao focar nos elementos formais da estética em vez de imitar a realidade, os artistas poderiam expressar verdades mais profundas. Ele usou a pintura impasto para expressar as qualidades abstratas de estrutura, espaço, cor, forma e ilusão.

Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Óleo sobre linho. 40 x 50 pol. (101,6 x 127 cm). Coleção particular. Cortesia Tom Powel Imaging (Esquerda) e detalhe da pintura (Direita)

Dimensões Esculturais

Além de ser pintor, Hofmann também foi professor. Muitos dos alunos que ele ensinou, como Helen Frankenthaler e Lee Krasner, esposa de Jackson Pollock, tornaram-se figuras de destaque no movimento Expressionista Abstrato. Hofmann teve um efeito profundo na forma como esses pintores se relacionavam com seus materiais. Como o foco de muitos pintores Expressionistas Abstratos era transmitir seus sentimentos subconscientes e capturar na tela a emoção e intensidade do ato de pintar, Hofmann lhes ensinou que as qualidades materiais do meio deveriam ser um elemento chave em suas obras.

Ele lhes ensinou que, “cada meio de expressão tem sua própria ordem de ser.” Nas mãos de pintores como Jackson Pollock e Jane Frank, a pintura impasto ganhou uma dimensão inteiramente nova, literalmente. Jane Frank construiu camadas escultóricas de materiais sobre suas superfícies impasto. Jackson Pollock respingava, pingava e derramava tinta em quantidades tão grandes que o peso das camadas impasto ameaçava destruir os suportes de suas obras. Além disso, os Expressionistas Abstratos ampliaram o conceito de pintura impasto para incluir materiais além da tinta, como meios incomuns e detritos como vidro quebrado, pedras, pontas de cigarro. Ao adicionar materiais e meios incomuns às suas camadas impasto, esses pintores expressaram profundidade conceitual e física.

Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Óleo e massa corrida sobre tela. 70 x 50 pol. © Jane Frank

Tudo Sobre a Tinta

Em resposta à intensidade emocional do Expressionismo Abstrato, a pintura impasto caiu em desuso entre muitos artistas nas décadas de 1960 e 70, especialmente aqueles associados ao Minimalismo. Esses artistas buscavam criar superfícies lisas que eliminassem evidências do artista individual que fez a obra. Para criar superfícies ultra lisas, recorreram a técnicas como tingimento e pulverização, e usaram processos mecanizados e industriais. Mas na década de 1980, o apreço pela impasto retornou.

Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Óleo sobre linho. 28,25 x 28,25 pol. 71,76 x 71,76 cm. Cortesia George Lawson Gallery. © Alan Ebnother

Uma razão para a técnica ter recuperado seu prestígio foi a reação contra a aparente falta de alma do Minimalismo. Outra razão foi o interesse crescente nas qualidades formais dos materiais artísticos. Uma expressão particularmente bem-sucedida da estética Minimalista foi a pintura monocromática. Monocromos expressam cor pura e planaridade. Nos anos 1980, pintores como James Hayward e Alan Ebnother começaram a reinventar o monocromo por meio da pintura impasto. Seus monocromos impasto abraçaram a expressão da cor, mas adicionaram uma dimensão de fisicalidade e especificidade do meio. Ao eliminar o anonimato industrial dos monocromos Minimalistas e reintroduzir a marca do artista, eles revalorizaram a emoção e a personalidade, e trouxeram nova atenção às qualidades essenciais da tinta.

James Hayward - Abstract 31, 2001. Óleo sobre tela em painel. 30 x 28 pol. © James Hayward (Esquerda) e Asymmetrical Chromachord 38, 2009. Óleo sobre tela em painel de madeira. © James Hayward (Direita)

Além do Impasto

Olhando para a história da pintura impasto, fica claro que a técnica carrega uma série de associações abstratas. Em seus primeiros dias, deu o passo sem precedentes de não esconder o fato de que uma obra de arte era feita de tinta. Nesse sentido, quebrou a ilusão. Mais tarde, serviu para destacar as diferenças sutis e frequentemente mutáveis entre escuridão e luz. Na era modernista, a pintura impasto tornou-se uma forma de expressar a emoção profunda e as sensibilidades primárias da mente subconsciente. E em seu uso contemporâneo, tornou-se uma expressão do poder e da simplicidade do gesto artístico em si. Então, o que podemos entender sobre a conversa que ocorre entre o One World Trade Center e as pinturas impasto abstratas de Donald Martiny que ocupam seu saguão?

Embora essas pinturas pareçam ser enormes pinceladas impasto, na verdade foram feitas meticulosamente em um processo laborioso, durante o qual Martiny derrama, pinga e espalha camada após camada de material, às vezes usando as próprias mãos. Elas expressam trabalho duro, adaptação, paciência, visão e a força inerente à construção cuidadosa de camadas ao longo do tempo. Além disso, como todas as pinturas impasto, Lenape e Unami também simbolizam a quebra das ilusões, a natureza evolutiva da escuridão e da luz, a gama de profundidade emocional e física, e as realidades primárias da mente subconsciente humana. Consideradas sob essa perspectiva, tornam-se mais do que objetos estéticos e mais do que gestos simbólicos. Tornam-se os representantes abstratos perfeitos de seu meio, seu ambiente, seus nomes, sua história e seu tempo.

Imagem em destaque: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio