Arte de Ilusão Óptica que Marcou o Século XX

A realidade nem sempre é fixa; ou pelo menos pode parecer assim para a mente humana. O que acreditamos é baseado em algum grau no que percebemos, mas o que percebemos também é, às vezes, determinado pelo que acreditamos. Arte de ilusão óptica, ou Op Art para abreviar, é um estilo estético que explora intencionalmente essa peculiaridade da percepção humana que dá ao olho humano a capacidade de enganar o cérebro humano. Ao manipular padrões, formas, cores, materiais e formas, Artistas Op se esforçam para criar fenômenos que enganam o olho, confundindo os espectadores a verem mais do que realmente está lá. E uma vez que a crença pode ser tão influente quanto o fato, a Op Art levanta a questão do que importa mais: percepção ou verdade.

Uma Breve História da Arte da Ilusão Óptica

A Op Art tem suas raízes em uma técnica chamada trompe-l'œil, que é francês para enganar o olho. As primeiras referências a tais tendências na arte datam da antiguidade, quando artistas gregos antigos tentaram fazer pinturas tão realistas que as pessoas seriam literalmente enganadas a acreditar que suas imagens eram reais. A técnica, subsequentemente, foi e voltou à moda inúmeras vezes ao longo dos séculos, atingindo seu auge no século 19 com pinturas trompe-l'œil como Escapando da Crítica, pintada em 1874 por Pere Borrell del Caso, que mostra uma imagem hiper-realista de uma criança saindo de uma moldura.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Mas, embora também tenha a intenção de enganar o olho, a Op Art não é a mesma coisa que a arte hiper-realista. Na verdade, a Op Art como a conhecemos hoje é mais frequentemente abstrata, dependendo de composições geométricas para convencer o olho de que formas irreais e planos espaciais existem. A primeira técnica abstrata que foi projetada para enganar o olho foi chamada de Pontilhismo. Em vez de misturar cores antecipadamente, os pintores pontilhistas colocavam cores não misturadas lado a lado em uma tela, criando a ilusão de campos sólidos de cores. Quando essas pinturas são vistas de longe, parece que as cores estão misturadas. Georges Seurat inventou o Pontilhismo e dominou o efeito com pinturas como Farol em Honfleur.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

Ilusões Abstratas

O conceito subjacente ao Pontilhismo acabou dando origem a muitas outras técnicas, à medida que os artistas buscavam maneiras de enganar a mente para completar uma imagem. Ele inspirou o Divisionismo dos Futuristas Italianos e os planos quadridimensionais do Cubismo. Mas sua aplicação mais bem-sucedida ocorreu quando foi combinado com a estética da abstração geométrica, como na gravura geométrica abstrata Constelação Estrutural, pintada em 1913 por Josef Albers.

De acordo com suas próprias declarações, Albers não estava tentando criar uma ilusão óptica com este trabalho. Ele estava envolvido em simples experimentos composicionais sobre a percepção de linhas e formas em uma superfície bidimensional. No entanto, ele descobriu que a disposição de linhas, formas e cores em uma superfície pode, de fato, alterar a maneira como a mente percebe o que é real. E embora ele não tenha tentado intencionalmente enganar os espectadores com suas obras, ele passou uma vida inteira investigando esses efeitos.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

Zebras e Tabuleiros de Xadrez

Victor Vasarely, um contemporâneo de Albers, no entanto, se envolveu em um esforço consciente para encontrar maneiras de enganar os espectadores com sua arte. Vasarely era tanto um cientista quanto um pintor, e estava particularmente interessado nas maneiras como essas duas atividades se uniam para afetar a percepção. Já na década de 1920, o artista havia aprendido que, através da manipulação apenas da linha, ele poderia distorcer completamente uma superfície bidimensional de uma maneira que enganava a mente, fazendo-a perceber como um espaço tridimensional.

Um tema que Vasarely abordou repetidamente em seu trabalho foi a zebra. As listras desse animal servem, na verdade, para enganar predadores naturais que não conseguem perceber em qual direção o animal está correndo devido à interação de suas listras pretas e brancas com o ambiente. À medida que ele desvendava os segredos desse fenômeno, aplicava-os a composições geométricas mais complexas e, na década de 1960, criou um estilo característico que inspirou o que hoje é considerado o movimento Modernista Op Art. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Preto e branco

Um dos artistas de Ilusão Óptica mais famosos do século 20 foi a artista britânica Bridget Riley, que foi diretamente inspirada pelo trabalho de Victor Vasarely. Riley estudou na Royal College of Art no início dos anos 1950. Seu trabalho inicial era figurativo, mas após aceitar um emprego como ilustradora em uma agência de publicidade, ela se interessou mais em criar ilusões visuais. Ela começou a investigar o Pontilhismo e depois o Divisionismo e, finalmente, desenvolveu seu próprio estilo característico de Op Art, baseado principalmente na abstração geométrica em preto e branco.

Riley foi tão bem-sucedida em criar ilusões ópticas em seu trabalho que os espectadores às vezes relataram sentir náuseas ou enjoo ao olhar para suas pinturas. Esse fenômeno fascinou Riley, que se convenceu de que a linha entre percepção e realidade é, de fato, bastante frágil, e que uma crença causada por uma ilusão poderia realmente manifestar consequências reais no mundo físico. Disse Riley, “Houve um tempo em que os significados eram focados e a realidade podia ser fixada; quando esse tipo de crença desapareceu, as coisas se tornaram incertas e abertas à interpretação.”

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

O Olho Responsivo

A altura do movimento Modernista Op Art ocorreu com uma exposição chamada The Responsive Eye que percorreu os Estados Unidos em 1965. Esta exposição apresentou mais de 120 obras de arte de dezenas de artistas representando uma ampla gama de posições estéticas. O show incluiu as obras altamente ilusionistas de Victor Vasarely e Bridget Riley, bem como abstrações geométricas mais contidas de artistas como Frank Stella e Alexander Liberman, e esculturas cinéticas de artistas como Wen-Ying Tsai e Carlos Cruz-Diez.

Também incluído no grupo The Responsive Eye estava o escultor Jesús Rafael Soto, que, sem dúvida, levou a Op Art o mais longe possível no reino da percepção tridimensional com um corpo de trabalho chamado Penetrables. Essas criações interativas consistem em centenas de tubos plásticos pendurados, parcialmente pintados, pelos quais os espectadores podem passar. Quando não são perturbados, apresentam uma ilusão impressionante de que uma forma concreta está pairando no espaço. Mas quando os espectadores interagem fisicamente com as esculturas, a ilusão se dissolve, dando a percepção de que uma realidade concreta pode, de fato, ser distorcida e alterada pelo toque humano.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

O legado da Op Art

A bênção e a maldição da Op Art é sua popularidade. Quando o movimento estava em seu auge na década de 1960, muitos críticos o desprezavam porque suas imagens eram apropriadas vorazmente por fabricantes de itens de kitsch, como camisetas, canecas e pôsteres. Mas para artistas como Victor Vasarely e Jesús Rafael Soto, esse era precisamente o ponto.

Esses criativos acreditavam que o valor de uma obra de arte é determinado pelo grau em que um espectador pode participar de sua conclusão. Eles criaram fenômenos estéticos que se adaptam a cada novo espectador, criando possibilidades interpretativas ilimitadas. O fato de que sua arte era consumida em massa estava perfeitamente alinhado com seu conceito, que é que não deve haver barreiras entre as pessoas e a arte, e que quaisquer barreiras que pareçam existir só existem em nossa percepção.

Imagem em destaque: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acrílico sobre tela. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park