Arte de Ilusão Óptica que Marcou o Século XX

A realidade nem sempre é fixa; ou pelo menos pode parecer assim para a mente humana. O que acreditamos baseia-se, em certa medida, no que percebemos, mas o que percebemos também é às vezes determinado pelo que acreditamos. Arte de ilusão óptica, ou Op Art para abreviar, é um estilo estético que explora intencionalmente essa peculiaridade da percepção humana que dá ao olho humano a capacidade de enganar o cérebro humano. Ao manipular padrões, formas, cores, materiais e formas, os Artistas Op se esforçam para criar fenômenos que enganam o olho, confundindo os espectadores para que vejam mais do que realmente está lá. E como a crença pode ser tão influente quanto o fato, a Op Art questiona o que importa mais: percepção ou verdade.

Uma Breve História da Arte de Ilusão Óptica

A Op Art tem suas raízes em uma técnica chamada trompe-l'œil, que em francês significa enganar o olho. As primeiras referências a tais tendências na arte remontam à antiguidade, quando artistas gregos antigos tentavam fazer pinturas tão realistas que as pessoas literalmente se enganavam acreditando que suas imagens eram reais. A técnica entrou e saiu de moda várias vezes ao longo dos séculos, atingindo seu auge no século XIX com pinturas trompe-l'œil como Escaping Criticism, pintada em 1874 por Pere Borrell del Caso, que mostra uma imagem hiper-realista de uma criança saindo de uma moldura.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Óleo sobre tela. Coleção Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Mas embora também tenha a intenção de enganar o olho, a Op Art não é o mesmo que arte hiper-realista. Na verdade, a Op Art como a conhecemos hoje é mais frequentemente abstrata, dependendo de composições geométricas para convencer o olho de que formas irreais e planos espaciais existem. A primeira técnica abstrata projetada para enganar o olho foi chamada Pontilhismo. Em vez de misturar cores antecipadamente, os pintores pontilhistas colocavam cores não misturadas lado a lado na tela, criando a ilusão de campos sólidos de cores. Quando essas pinturas são vistas de longe, parece que as cores estão misturadas. Georges Seurat inventou o Pontilhismo e dominou o efeito com pinturas como Farol em Honfleur.

Georges Seurat - Farol em Honfleur, 1886. Óleo sobre tela. Total: 66,7 x 81,9 cm (26 1/4 x 32 1/4 pol.), emoldurado: 94,6 x 109,4 x 10,3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 pol.). Coleção do Sr. e Sra. Paul Mellon

Ilusões Abstratas

O conceito subjacente ao Pontilhismo acabou dando origem a muitas outras técnicas, à medida que os artistas buscavam maneiras de enganar a mente para completar uma imagem. Inspirou o Divisionismo dos futuristas italianos e os planos quadridimensionais do Cubismo. Mas sua aplicação mais bem-sucedida veio quando foi combinada com a estética da abstração geométrica, como na gravura geométrica abstrata Constelação Estrutural, pintada em 1913 por Josef Albers.

Segundo suas próprias declarações, Albers não estava tentando criar uma ilusão óptica com esta obra. Ele estava envolvido em simples experimentos composicionais sobre a percepção de linhas e formas em uma superfície bidimensional. No entanto, descobriu que o arranjo de linhas, formas e cores em uma superfície pode, de fato, alterar a maneira como a mente percebe o que é real. E embora não tenha tentado intencionalmente enganar os espectadores com suas obras, ele passou a vida investigando esses efeitos.

Josef Albers - Constelação Estrutural, 1913. Linhas brancas gravadas em fundo preto sobre madeira. © 2019 Fundação Josef e Anni Albers

Zebras e Tabuleiros de Xadrez

Victor Vasarely, contemporâneo de Albers, no entanto, se empenhou conscientemente em encontrar maneiras de enganar os espectadores com sua arte. Vasarely era tanto cientista quanto pintor, e estava particularmente interessado nas formas como essas duas atividades se uniam para afetar a percepção. Já na década de 1920, o artista havia aprendido que, apenas manipulando linhas, poderia distorcer completamente uma superfície bidimensional de modo a enganar a mente, fazendo-a perceber um espaço tridimensional.

Um tema que Vasarely abordou repetidamente em seu trabalho foi a zebra. As listras desse animal servem para enganar predadores naturais que não conseguem identificar a direção para a qual o animal está correndo devido à interação das listras pretas e brancas com o ambiente. Ao desvendar os segredos desse fenômeno, aplicou-os a composições geométricas mais complexas e, na década de 1960, criou um estilo característico que inspirou o que hoje é considerado o movimento Modernista da Op Art.

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

Preto e Branco

Uma das artistas de ilusão óptica mais famosas do século XX foi a britânica Bridget Riley, que foi diretamente inspirada pelo trabalho de Victor Vasarely. Riley estudou na Royal College of Art no início dos anos 1950. Seu trabalho inicial era figurativo, mas depois de conseguir um emprego como ilustradora em uma agência de publicidade, ela se interessou mais por criar ilusões visuais. Começou a investigar o Pontilhismo, depois o Divisionismo e finalmente desenvolveu seu próprio estilo característico de Op Art, baseado principalmente na abstração geométrica em preto e branco.

Riley teve tanto sucesso em criar ilusões ópticas em seu trabalho que os espectadores às vezes relatavam sentir enjoo ou tontura ao olhar para suas pinturas. Esse fenômeno fascinou Riley, que ficou convencida de que a linha entre percepção e realidade é realmente bastante frágil, e que uma crença causada por uma ilusão pode realmente manifestar consequências reais no mundo físico. Riley disse: “Houve um tempo em que os significados eram focados e a realidade podia ser fixa; quando esse tipo de crença desapareceu, as coisas se tornaram incertas e abertas à interpretação.”

Bridget Riley em frente a uma de suas grandes pinturas hipnóticas de Op Art, © Bridget Riley

O Olho Responsivo

O auge do movimento Modernista da Op Art ocorreu com uma exposição chamada The Responsive Eye, que percorreu os Estados Unidos em 1965. Essa exposição apresentou mais de 120 obras de dezenas de artistas representando uma ampla gama de posições estéticas. A mostra incluiu as obras altamente ilusionistas de Victor Vasarely e Bridget Riley, bem como abstrações geométricas mais contidas de artistas como Frank Stella e Alexander Liberman e esculturas cinéticas de artistas como Wen-Ying Tsai e Carlos Cruz-Diez.

Também incluído no grupo The Responsive Eye estava o escultor Jesús Rafael Soto, que provavelmente levou a Op Art mais longe no reino da percepção tridimensional com um conjunto de obras chamado Penetráveis. Essas criações interativas consistem em centenas de tubos plásticos pendurados e parcialmente pintados pelos quais os espectadores podem caminhar. Quando não perturbados, apresentam uma ilusão impressionante de que uma forma concreta está pairando no espaço. Mas quando os espectadores interagem fisicamente com as esculturas, a ilusão se dissolve, dando a percepção de que uma realidade concreta pode, de fato, ser distorcida e alterada pelo toque humano.

Jesús Rafael Soto - Penetrável. © Jesús Rafael Soto

O Legado da Op Art

A bênção e a maldição da Op Art é sua popularidade. Quando o movimento estava em seu auge na década de 1960, muitos críticos o desprezavam porque suas imagens eram avidamente apropriadas por fabricantes de objetos kitsch como camisetas, canecas e cartazes. Mas para artistas como Victor Vasarely e Jesús Rafael Soto, esse era exatamente o ponto.

Esses criadores acreditavam que o valor de uma obra de arte é determinado pelo grau em que um espectador pode participar de sua conclusão. Eles criaram fenômenos estéticos que se adaptam a cada novo espectador, criando possibilidades interpretativas ilimitadas. O fato de sua arte ser consumida em massa estava perfeitamente alinhado com seu conceito, que é que não deve haver barreira entre as pessoas e a arte, e que quaisquer barreiras que pareçam existir existem apenas em nossa percepção.

Imagem em destaque: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acrílico sobre tela. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio