Bridget Riley e a Filosofia das Listras

Nossas experiências sensoriais nos conectam a um mundo de emoções. Quando vemos algo, esse sentido, por si só, é uma espécie de sentimento. Mas então também sentimos coisas com base no que vemos. Esses sentimentos são o que a artista britânica Bridget Riley passou as últimas seis décadas examinando. Na década de 1960, Riley tornou-se famosa por suas contribuições a um movimento artístico conhecido como Arte Óptica, assim chamado pelas ilusões ópticas que os espectadores frequentemente percebem na obra. A Arte Óptica ganhou destaque mundial após o sucesso de uma exposição chamada The Responsive Eye no Museu de Arte Moderna de Nova York em 1965. Várias pinturas de Bridget Riley foram incluídas nessa exposição. Elas apresentavam uma paleta esparsa em preto e branco e padrões repetitivos que criavam uma sensação de dinamismo que fazia os espectadores se sentirem instáveis ou desequilibrados. Os padrões em suas pinturas pareciam se mover. Mas o trabalho de Bridget Riley vai muito além de simplesmente enganar o olho com uma ilusão óptica. Trata-se de percepção. Trata-se de quão cuidadosamente olhamos, de quão precioso acreditamos que é nosso dom da visão, e de como nossas emoções podem ser afetadas pela maneira como vemos nosso mundo.

A Jovem Bridget Riley

Como jovem artista, Bridget Riley frequentemente se sentia frustrada. Ela valorizava poder explorar livremente o ambiente ao redor de suas várias casas de infância em Londres, Lincolnshire e Cornwall. Tinha uma curiosidade inata e um desejo de experimentar. Mas em seus 20 anos, enquanto estudava na Royal Academy of Art, encontrou sua curiosidade e espírito experimental desencorajados por seus professores. Formou-se insegura de si mesma. E sua falta de direção foi rapidamente agravada quando seu pai foi hospitalizado após um acidente de carro, e ela se tornou responsável por seus cuidados. O estresse combinado a levou a sofrer um colapso completo.

O ponto de virada para a recuperação de Riley ocorreu quando visitou uma exposição dos Expressionistas Abstratos na Tate em Londres, em 1956. O trabalho deles validou seu desejo de experimentar e explorar sua verdadeira visão, e ela logo voltou a pintar. Encontrou trabalho ensinando arte para meninas e aceitou um emprego como ilustradora comercial. Depois, inscreveu-se em uma aula de verão com Harry Thubron, conhecido por defender o poder de elementos como relações espaciais, formas e padrões.

Bridget Riley - Movimento em Quadrados, 1961. Têmpera sobre placa dura. 123,2 x 121,2 cm. Coleção Arts Council, Southbank Centre, Londres. © 2019 Bridget Riley (Esquerda) / Bridget Riley - Intake, 1964. Acrílico sobre tela. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Direita)

Realidades Ópticas

Em seu estudo com Harry Thubron dos elementos formais da estética, especialmente em como o olho percebe formas no espaço, Riley se dedicou novamente a encontrar sua voz autêntica. Mudou-se para a Itália em 1960 e estudou as obras dos Futuristas. Inspirada pela exploração do movimento feita por eles, passou a estudar as ideias dos Divisionistas, especialmente Georges Seurat. A soma desses estudos a levou a desenvolver uma abordagem singular para a pintura: uma na qual explorava maneiras de transformar uma superfície bidimensional para afetar a percepção visual.

Ela sabia que, para desafiar a forma como os espectadores olhavam para uma pintura, teria que eliminar todo conteúdo representacional. Imagens representacionais apenas distraíam de suas ideias principais. Então simplificou sua linguagem visual para utilizar apenas preto e branco e os elementos de linha, forma e contorno. No catálogo de The Responsive Eye, o curador William C. Seitz chamou trabalhos como os de Riley de “a nova arte perceptual.” Seitz elevou a expectativa do que essa arte poderia alcançar muito além do âmbito do puramente estético. Ele perguntou: “Podem tais obras, que não se referem a nada fora de si mesmas, substituir com eficácia psíquica o conteúdo que foi abandonado? Pode uma compreensão avançada e aplicação de imagens funcionais abrir um novo caminho da excitação retiniana às emoções e ideias?” Essas eram exatamente as perguntas que Riley fazia a si mesma.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsão sobre tela, 70 x 68 1/4 pol. © 2019 Bridget Riley (Esquerda) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Acrílico sobre linho. Sem moldura: 6 pés 4 3/4 polegadas x 6 pés 3 polegadas (194,95 x 190,5 cm). Com moldura: 6 pés 7 3/8 polegadas x 6 pés 5 3/4 polegadas x 2 3/4 polegadas (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Coleção do Museu Nelson Atkins de Arte. Adquirido graças à generosidade da Fundação William T. Kemper - Commerce Bank, curadora. © Bridget Riley. Todos os direitos reservados, cortesia Karsten Schubert, Londres (Direita)

O Público Receptivo

A resposta do público a The Responsive Eye foi entusiástica. Os efeitos hipnotizantes e ilusórios das imagens na mostra enlouqueceram os espectadores. Designers rapidamente apropriaram os padrões em preto e branco e os usaram em todos os produtos imagináveis, de vestidos a óculos a lancheiras e carros. Mas esse fator surpresa pouco atraía Riley, que estava mais interessada nos significados mais profundos de seu trabalho. Sim, era visualmente impressionante. Mas ela queria descobrir os processos mentais que atuavam por trás das aparências superficiais.

Em 1966, justamente quando seu estilo em preto e branco ganhava apelo internacional, Riley iniciou um esforço para aprofundar sua visão adicionando cor ao seu trabalho. Passou dois anos estudando e copiando repetidamente a pintura Pontilhista de Georges Seurat, Ponte de Courbevoie. Nela, viu um domínio das estruturas lineares e padrões. Também viu um domínio das combinações de cores, uma demonstração de como diferentes cores colocadas lado a lado de maneira pensada criam uma sensação de movimento quando percebidas pelo olho humano.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Acrílico sobre tela. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Listras para Sempre

Enquanto complicava a paleta de cores que usava, Riley simultaneamente simplificava sua linguagem de formas. Ela praticamente eliminou quadrados, triângulos e círculos, e focou largamente em listras durante as décadas de 1970 e 1980. Listras se prestam facilmente a um estudo de repetição, que Riley percebeu como essencial para fazer as pessoas realmente olharem para uma imagem com intenção. A forma da listra também é fundamentalmente estável. Essa estabilidade, descobriu, é vital para o estudo da cor porque a cor é fundamentalmente instável, já que sua percepção depende de outros fatores como luz e cores ao redor.

Riley usou uma combinação de listras horizontais e verticais, retas e onduladas. Começava cada peça em pequenas tiras de papel, testando combinações de cores e padrões. Quando chegava a uma combinação de cores e padrão de listras que pareciam se mover, transferia para uma grande tela que então pintava à mão. Cada listra em suas pinturas coloridas incorpora dentro de si uma evolução de diferentes cores que se fundem de maneiras precisas, de modo que o olho, ao olhar cada listra, percebe um toque da próxima cor. Essa evolução cria a sensação de movimento enquanto o olho percorre a superfície.

A Visão da Música

Enquanto a estabilidade das listras foi vital para sua descoberta da cor, no fim das contas foi a cor que a ajudou a alcançar sua visão estética. Ela disse: “A música da cor, é isso que eu quero.” Como tantos outros artistas, de Seurat a Giacomo Balla a Sonia Delaunay a Josef Albers, perceberam, toda cor é capaz de evocar uma resposta emocional. E quando usadas juntas, várias cores parecem vibrar, criando respostas emocionais imprevisíveis nos espectadores. Essa imprevisibilidade ajudou Riley a alcançar seu objetivo ideal para uma pintura, que ela disse deve “oferecer uma experiência; oferecer uma possibilidade.”

As descobertas estéticas que Riley fez por meio de suas pinturas coloridas e listradas aconteceram porque ela é uma experimentadora precisa. Ela mantém anotações rigorosas de cada combinação de cores e padrão que tenta, para que possam ser repetidos se necessário. Mas embora seus experimentos com cores e listras pareçam científicos, não são, pelo menos não no sentido de tentar provar uma hipótese. São artísticos, no sentido de buscar descobrir um desconhecido e manifestá-lo.

Bridget Riley - Carnaval, 2000. Serigrafia em cores, em papel tecido, com margens completas. 28 3/5 × 35 9/10 pol. 72,7 × 91,1 cm. Edição 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Objetivos Principais

Hoje, em seus 80 e poucos anos, Riley continua a pintar. Agora explora uma mistura de formas geométricas, formas onduladas e diagonais. Os padrões de suas pinturas mais recentes são muito mais largos, criando uma impressão muito diferente e evocando sentimentos muito distintos. Suas pinturas listradas de décadas passadas permanecem como manifestações poderosas de sua longa investigação sobre a percepção. Elas vão muito além de simplesmente enganar o olho, alcançando um reino de percepção profunda e subjetiva.

O que é importante nessas obras é que elas desafiam não apenas nossa forma de vê-las, mas também nossa forma de ver tudo. As listras que Riley usa são tão simples, talvez, quanto as formas podem ser. Ainda assim, as metamorfoses que se tornam aparentes ao examiná-las parecem ilimitadas. Riley disse certa vez: “A repetição atua como uma espécie de amplificador de eventos visuais que, vistos isoladamente, dificilmente seriam visíveis.” Suas listras demonstram essa filosofia: que a complexidade se esconde sob a aparente simplicidade do nosso mundo visual, se apenas dedicarmos tempo para realmente notar. Elas nos imploram para olhar com cuidado e atenção, e para apreciar plenamente o precioso dom da visão.

Imagem em destaque: Bridget Riley - Conversa (detalhe), 1992. Óleo sobre linho. 92 x 126 cm. Coleção Abbot Hall Art. Adquirida em 1996. © Bridget Riley
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio