Bridget Riley e a Filosofia das Listras

Nossas experiências sensoriais nos conectam a um mundo de emoção. Quando vemos algo, esse sentido, em si, é uma espécie de sentimento. Mas então também senti coisas com base no que vemos. Esses sentimentos são o que a artista britânica Bridget Riley passou as últimas seis décadas examinando. Na década de 1960, Riley se tornou famosa por suas contribuições a um movimento artístico conhecido como Op Art, assim chamado pelas ilusões ópticas que os espectadores frequentemente percebem na obra. A Op Art ganhou destaque global após o sucesso de uma exposição chamada The Responsive Eye no Museu de Arte Moderna de Nova York em 1965. Várias pinturas de Bridget Riley foram incluídas nessa exposição. Elas apresentavam uma paleta escassa em preto e branco e padrões repetitivos que criavam uma sensação de dinamismo que fazia os espectadores se sentirem instáveis, ou fora de equilíbrio. Os padrões em suas pinturas pareciam se mover. Mas o trabalho de Bridget Riley é sobre muito mais do que simplesmente enganar o olho com uma ilusão óptica. É sobre percepção. É sobre quão cuidadosamente olhamos, quão precioso acreditamos que nosso dom da visão é, e como nossas emoções podem ser afetadas pela maneira como vemos nosso mundo.

A Jovem Bridget Riley

Como uma jovem artista, Bridget Riley frequentemente se sentia frustrada. Ela valorizava poder explorar livremente o ambiente ao seu redor em suas várias casas de infância em Londres, Lincolnshire e Cornwall. Ela tinha uma curiosidade inata e um desejo de experimentar. Mas, na casa dos 20 anos, enquanto estudava na Royal Academy of Art, ela viu sua curiosidade e espírito experimental desencorajados por seus professores. Ela se formou sem ter certeza de si mesma. E sua falta de direção foi rapidamente agravada quando seu pai foi hospitalizado após um acidente de carro, e ela se tornou responsável por seus cuidados. O estresse combinado a levou a sofrer um colapso completo.

O ponto de virada para a recuperação de Riley foi quando ela visitou uma exposição dos Expressionistas Abstratos na Tate em Londres em 1956. O trabalho deles validou seu desejo de experimentar e explorar sua verdadeira visão, e logo ela começou a pintar novamente. Ela encontrou trabalho ensinando arte para meninas jovens e aceitou um emprego como ilustradora comercial. Então, ela se inscreveu em uma aula de verão com Harry Thubron, que era conhecido por defender o poder de elementos como relações espaciais, formas e padrões.

Bridget Riley - Movimento em Quadrados, 1961. Têmpera sobre madeira dura. 123,2 x 121,2 cm. Coleção do Arts Council, Southbank Centre, Londres. © 2019 Bridget Riley (Esquerda) / Bridget Riley - Intake, 1964. Acrílico sobre tela. 178,5 x 178,5 cm. © 2019 Bridget Riley (Direita)

Realidades Ópticas

Em seu estudo com Harry Thubron sobre os elementos formais da estética, especialmente em como o olho percebia formas no espaço, Riley se rededicou a encontrar sua voz autêntica. Ela se mudou para a Itália em 1960 e estudou as obras dos Futuristas. Inspirada pela exploração do movimento, ela passou a estudar as ideias dos Divisionistas, especialmente Georges Seurat. A soma desses estudos a levou a desenvolver uma abordagem singular para a pintura: uma na qual ela explorou maneiras de transformar uma superfície bidimensional a fim de afetar a percepção visual.

Ela sabia que, para desafiar a maneira como os espectadores olhavam para uma pintura, teria que eliminar todo o conteúdo representacional. Imagens representacionais apenas distraíriam de suas ideias principais. Assim, ela simplificou sua linguagem visual para utilizar apenas preto e branco e os elementos de linha, forma e volume. No catálogo de The Responsive Eye, o curador William C. Seitz chamou trabalhos como os que Riley estava fazendo de “the new perceptual art.” Seitz elevou a barra de expectativa para o que essa arte poderia alcançar muito além do reino de algo puramente estético. Ele perguntou: “Podem tais obras, que não se referem a nada fora de si mesmas, substituir com eficácia psíquica o conteúdo que foi abandonado? Pode um entendimento e aplicação avançados de imagens funcionais abrir um novo caminho da excitação retiniana para emoções e ideias?” Essas eram exatamente os tipos de perguntas que Riley estava se fazendo.

Bridget Riley - Arrest 1, 1965. Emulsão sobre tela, 70 x 68 1/4 pol. © 2019 Bridget Riley (Esquerda) / Bridget Riley - Arrest 2, 1965. Acrílico sobre linho. Sem moldura: 6 pés 4 3/4 polegadas x 6 pés 3 polegadas (194,95 x 190,5 cm). Com moldura: 6 pés 7 3/8 polegadas x 6 pés 5 3/4 polegadas x 2 3/4 polegadas (201,61 x 197,49 x 6,99 cm). Coleção do Museu de Arte Nelson Atkins. Adquirido através da generosidade da Fundação William T. Kemper - Commerce Bank, Curador. © Bridget Riley. Todos os direitos reservados, cortesia de Karsten Schubert, Londres (Direita)

O Público Responsivo

A resposta do público a The Responsive Eye foi eufórica. Os efeitos hipnotizantes e ilusórios das imagens na exposição deixaram os espectadores enlouquecidos. Designers rapidamente se apropriaram dos padrões em preto e branco e os usaram em todos os produtos imagináveis, de vestidos a óculos, de lancheiras a carros. Mas esse fator de surpresa tinha pouco apelo para Riley, que estava mais interessada nos significados mais profundos de seu trabalho. Sim, parecia legal. Mas ela queria descobrir os processos mentais em ação por trás das aparências superficiais.

Em 1966, assim que seu estilo em preto e branco ganhou apelo internacional, Riley embarcou em um esforço para aprofundar sua visão ao adicionar cor ao seu trabalho. Ela passou dois anos estudando e copiando repetidamente a pintura Bridge of Courbevoie de Georges Seurat, um pintor pontilhista. Nela, ela viu uma maestria nas estruturas e padrões lineares. Ela também viu uma maestria nas combinações de cores, uma demonstração de como diferentes cores colocadas lado a lado de maneiras pensativas criam uma sensação de movimento quando percebidas pelo olho humano.

Bridget Riley - Orient IV, 1970. Acrílico sobre tela. 223,5 x 323 cm. © Bridget Riley

Listras para sempre

Enquanto complicava a paleta de cores que estava usando, Riley simultaneamente simplificou sua linguagem de formas. Ela praticamente eliminou quadrados, triângulos e círculos, e se concentrou amplamente em listras ao longo das décadas de 1970 e 1980. Listras se prestam facilmente a um estudo de repetição, que Riley percebeu como essencial para fazer as pessoas realmente olharem para uma imagem com intenção. A forma de uma listra também é fundamentalmente estável. Essa estabilidade, ela descobriu, é vital para o estudo da cor porque a cor é fundamentalmente instável, uma vez que a percepção dela depende de outros fatores como luz e cores ao redor.

Riley usou uma combinação de listras horizontais e verticais retas e onduladas. Ela começou cada peça em pequenos pedaços de papel, testando combinações de cores e padrões. Uma vez que ela chegou a uma combinação de cores e um padrão de listras que parecia se mover, ela o transferiu para uma grande tela que então pintou à mão. Cada listra em suas pinturas coloridas incorpora dentro dela uma evolução de diferentes cores se fundindo umas nas outras de maneiras precisas, de modo que o olho, ao olhar para cada listra, percebe uma dica da próxima cor. Essa evolução cria a sensação de movimento à medida que o olho viaja pela superfície.

A Visão da Música

Enquanto a estabilidade das listras era vital para sua descoberta da cor, no final das contas, a cor foi o que a ajudou a alcançar sua visão estética. Ela disse: “A música da cor, é isso que eu quero.” Assim como muitos outros artistas, de Seurat a Giacomo Balla a Sonia Delaunay a Josef Albers, perceberam, cada cor é capaz de evocar uma resposta emocional. E quando usadas juntas, várias cores parecem vibrar, criando respostas emocionais imprevisíveis nos espectadores. Essa imprevisibilidade ajudou Riley a alcançar seu objetivo ideal para uma pintura, que ela disse que deve “oferecer uma experiência; oferecer uma possibilidade.”

As descobertas estéticas que Riley fez através de suas pinturas coloridas e listradas surgiram porque ela é uma experimentadora precisa. Ela mantém anotações rigorosas de cada combinação de cores e padrões que tenta, para que possam ser repetidos, se necessário. Mas, embora seus experimentos com cores e listras pareçam científicos, não são, pelo menos não no sentido de que estavam tentando provar uma hipótese. Em vez disso, são artísticos, no sentido de que buscam descobrir o desconhecido e manifestá-lo.

Bridget Riley - Carnaval, 2000. Serigrafia em cores, em papel vergê, com margens completas. 28 3/5 × 35 9/10 pol. 72,7 × 91,1 cm. Edição 55/75 + 10AP. © 2019 Bridget Riley

Objetivos primários

Hoje, na casa dos 80 anos, Riley continua a pintar. Ela agora explora uma mistura de formas geométricas, formas onduladas e diagonais. Os padrões de suas pinturas mais novas são muito mais amplos, criando uma impressão muito diferente e evocando sentimentos muito diferentes. Suas pinturas listradas de décadas passadas permanecem como manifestações poderosas de sua investigação ao longo da vida sobre a percepção. Elas vão muito além de apenas enganar o olho em um reino de percepção profunda e subjetiva.

O que é importante sobre essas obras é que elas desafiam não apenas a nossa maneira de vê-las, mas também a nossa maneira de ver tudo. As listras que Riley usa são tão simples, talvez, quanto as formas podem ser. No entanto, as metamorfoses que se tornam aparentes ao examiná-las parecem ser ilimitadas. Riley uma vez disse: “A repetição atua como uma espécie de amplificador de eventos visuais que, vistos isoladamente, dificilmente seriam visíveis.” Suas listras demonstram essa filosofia: que a complexidade se esconde sob a aparente simplicidade do nosso mundo visual, se apenas tivermos tempo para realmente notar. Elas nos imploram para olhar com cuidado e atenção, e para apreciar plenamente o precioso presente de ver.

Imagem em destaque: Bridget Riley - Conversa (detalhe), 1992. Óleo sobre linho. 92 x 126cm. Coleção de Arte Abbot Hall. Adquirido em 1996. © Bridget Riley
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park