Cubismo de Sonia Delaunay e a Exploração da Cor

Muito poderia ser, e já foi, escrito sobre as conquistas profissionais de Sonia Delaunay. Ela foi uma das artistas mais influentes do século 20. Em seus 20 anos, sua abordagem visionária da abstração a levou a se tornar uma das primeiras artistas modernistas. Em seus 30 anos, ela transformou sua prática de estúdio na manifestação de um Gesamtkunstwerk, ou obra de arte total, demonstrando o ideal Bauhaus dois anos antes da Bauhaus existir. Ela criou um corpo único e influente de pinturas ao longo de sua vida, trabalhando continuamente até pouco antes de sua morte aos 94 anos. E além de pintar, ela também trabalhou com moda, teatro, cinema, publicação e se envolveu em todo tipo de atividades de design. Aos 79 anos, ela se tornou apenas a segunda artista viva a ter uma exposição retrospectiva no Louvre, e a primeira artista mulher a alcançar esse marco. Poderia até ser facilmente argumentado que Sonia Delaunay foi a primeira artista a efetivamente transformar sua persona em uma marca, no contexto contemporâneo da palavra. No entanto, focar exclusivamente nessas conquistas externas implicaria que esse era seu objetivo o tempo todo. Mas, na verdade, Delaunay não tinha tal intenção. Seus únicos objetivos eram, de fato, explorar cor, forma e composição, e revelar ao resto do mundo através de sua arte a essência desconhecida do que quer que fosse que ela buscava dentro de si mesma.

Tornando-se Sonia Delaunay

A história da infância de Sonia Delaunay pode ressoar com qualquer pai. Quão fácil é criar, ou falhar em aproveitar uma oportunidade, e como a menor mudança nas circunstâncias pode afetar profundamente as chances de uma criança ter sucesso. Sonia Delaunay nasceu Sarah Ilinitchna Stern em uma família de classe trabalhadora no que hoje é a Ucrânia. Suas oportunidades em sua cidade natal eram severamente limitadas, mas ela tinha um tio e uma tia ricos em São Petersburgo chamados Henri e Anna Terk. Os Terks não podiam ter filhos próprios e pediram para adotar Sarah de seus pais em dificuldades. Sua mãe inicialmente resistiu. Mas quando Sarah tinha cinco anos, sua mãe finalmente cedeu e permitiu que ela se mudasse para São Petersburgo para viver com seu tio e tia.

Assim que chegou a São Petersburgo, Sarah mudou seu nome para Sonia Terk. Junto com seu novo nome veio um novo conjunto de experiências e possibilidades muito mais diversas. A vida com sua tia e tio incluía viagens pelo mundo, a melhor educação e visitas regulares a museus e bibliotecas. Ela pôde folhear livros de arte em casa e participar de discussões intelectuais sobre uma variedade de tópicos. Aos 16 anos, ela desenvolveu um interesse em se tornar artista. Os Terks incentivaram seu interesse e, aos 18 anos, a enviaram para a Alemanha para estudar arte. Dois anos depois, em 1905, ela se mudou novamente, desta vez para Paris, o epicentro da arte de vanguarda na Europa.

Um livro do poeta modernista Blaise Cendrars, encadernado e ilustrado por Sonia Delaunay em 1913.

Descobrindo a cor

Em Paris, Sonia Delaunay continuou a estudar arte na escola, mas a experiência que teve com seus professores era muito acadêmica e formal para sua disposição. Ela descobriu que recebia muito mais inspiração nas galerias, que exibiam obras de artistas europeus experimentais, como os Pós-Impressionistas. Ela chegou a Paris na hora perfeita. Ela se encontrou no coração da comunidade de vanguarda no alvorecer do Cubismo, quando os planos geométricos foram adotados pela primeira vez em um esforço para transmitir a realidade quadridimensional. E ela estava lá quando o Manifesto Futurista foi impresso pela primeira vez nos jornais franceses, trazendo a ideia de movimento para o centro da conversa artística. E os Fauves, que estavam no auge de sua influência quando ela chegou à cidade, a inspiraram profundamente. Ela foi visceralmente tocada pela maneira como seus olhos percebiam, e suas emoções vivenciavam, as relações entre suas cores brilhantes e luminosas.

As primeiras pinturas que Sonia Delaunay estava fazendo após chegar a Paris exploravam muitas das ideias desses outros movimentos de uma maneira figurativa. Mas ela estava em busca de algo mais. Especificamente, ela queria uma forma de explorar o elemento da cor por seu próprio mérito. Mas ela também queria ser intuitiva e livre. Ela tinha pouco interesse nas teorias acadêmicas que estavam sendo trocadas por seus contemporâneos, que ela achava que eram, “Demasiadamente sofisticadas. Estou mais próxima da natureza e da vida,” ela explicou uma vez, perto do final de sua vida. “Eu estava buscando algo dentro de mim e, pouco a pouco, isso se tornou pintura abstrata.”

Sonia Delaunay - Nu Amarelo, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Encontrando Abstração

O avanço que finalmente levou Sonia Delaunay a abraçar completamente a pintura não objetiva veio de uma maneira mais inesperada. Assim como sua partida de sua cidade natal para São Petersburgo, surgiu de uma escolha ousada que ela fez para criar seu próprio destino. Quando ela chegou a Paris, fez amizade com um proprietário de galeria e escritor chamado Wilhelm Uhde, que mostrava os principais artistas de vanguarda. Ela e ele eram almas gêmeas, como ela disse, “ambos em busca de algo abstrato.” Eles se casaram, não por uma atração romântica, mas porque o arranjo proporcionava benefícios práticos para ambos. Para Sonia, isso a libertou da pressão que estava recebendo de sua mãe biológica para desistir de sua carreira como artista.

Então, numa noite na galeria, menos de um ano depois, Sonia conheceu um jovem artista opinativo e apaixonado chamado Robert Delaunay. Os dois tiveram uma conexão imediata e se apaixonaram. Sonia pediu o divórcio a Uhde, que concedeu amigavelmente, e no ano seguinte se casou com Robert. Quando os dois tiveram seu primeiro filho, Sonia fez à mão um cobertor para o bebê usando técnicas baseadas nas tradições da arte popular russa de sua terra natal. Quando o cobertor ficou pronto, ela viu nele a inspiração que estava buscando. As formas a lembravam de planos cubistas, mas as relações de cores entre as formas deram vida a toda a composição. Aquele cobertor que Sonia Delaunay fez instintivamente para seu filho se tornou a base de todo o seu futuro trabalho abstrato.

A colcha que Sonia Delaunay fez para seu bebê em 1911, agora parte da coleção do Museu Nacional de Arte Moderna em Paris, França.

Cubismo Órfico

Às noites em Paris, Sonia Delaunay e seu marido Robert Delaunay caminhavam juntos pela cidade e conversavam sobre arte. Durante suas caminhadas, eles se maravilhavam com as luzes elétricas que estavam começando a ser instaladas. Eles discutiam as maneiras como as cores da cidade eram afetadas pela luz sintética e se encantavam com as formas e padrões que a luz criava. Quando voltavam para casa após suas caminhadas, cada um se esforçava para capturar em tela sua experiência, usando a linguagem da cor e forma abstratas inspiradas pelo quilt que Sonia havia feito.

Eles chamaram sua abordagem visual única simultaneísmo. A palavra era uma referência à relação entre cores e formas, e à existência simultânea de múltiplas realidades em suas composições. Quando Sonia e Robert exibiram essas pinturas, seu amigo, o crítico de arte Guillaume Apollinaire, chamou seu novo estilo de Cubismo Orfico, ou Orfismo. Embora a referência nunca tenha sido perfeitamente clara, o termo se relaciona com o mítico músico e poeta grego Orfeu, cuja música lendária supostamente tinha a capacidade de encantar todas as criaturas e coisas.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Óleo sobre tela. 182 x 149 cm. Museu Nacional de Arte Moderna, Paris, França

A Poesia das Cores

Embora a referência a Orfeu pareça apropriada ao trabalho de Sonia Delaunay, a comparação com o Cubismo está equivocada. O Cubismo era tão acadêmico quanto estético. Enquanto Robert Delaunay era um ávido teórico e analista, Sonia preferia trabalhar intuitivamente e colocar ênfase na exploração e experimentação. Sobre essa dicotomia, ela disse uma vez: “Ele falava, mas eu percebia.” Mesmo que Sonia usasse uma linguagem de formas semelhante à dos Cubistas, ela não tinha objetivos intelectuais em comum com eles. Suas formas eram apenas recipientes para a cor. “Se há formas geométricas,” ela explicou uma vez, falando na Sorbonne, “é porque esses elementos simples e manejáveis se mostraram adequados para a distribuição de cores cujas relações constituem o verdadeiro objeto de nossa busca.”

Sonia frequentemente comparava a pintura à poesia. Sonia Delaunay via a si mesma como alguém que buscava combinações de cores que pudessem evocar uma multitude de possíveis interpretações e criar significados simultâneos. Era natural para ela expandir suas atividades artísticas para o mundo do design, uma vez que, como ela vivenciava, não havia separação entre arte e vida. Se suas composições estavam na lateral de um carro, em um casaco de pele, em um traje para uma peça ou na superfície de uma tela, ela não via diferença. Ela acreditava que, “as cores são palavras, suas relações são ritmos,” e que, em qualquer capacidade que escolhesse para juntá-las, elas se tornavam, através de seu esforço, “um poema completo.”

Sonia Delaunay - Grande Hélice Vermelha, ca. 1970. Litografia. 72,5 x 88,5 cm. (28,5 x 34,8 pol.)

Imagem em destaque: Sonia Delaunay - Ritmo sincopado, chamado A Cobra Negra (detalhe), 1967
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park