Desenvolvendo a Abstração Óptica ou Como Victor Vasarely Encontrou Seu Próprio Estilo

Às vezes, assume-se que quando falamos sobre "artes e ciências" estamos falando de coisas distintamente diferentes. A ciência é sobre estudar coisas, afinal, enquanto a arte é sobre criar coisas. Mas os cientistas também não criam e os artistas também não estudam? E a imaginação não é integral a ambos? Victor Vasarely foi tanto um cientista quanto um artista. O pai de um movimento de arte abstrata modernista conhecido como Op-Art, ele habitou confortavelmente ambos os mundos. Inicialmente treinado em medicina, Vasarely abordou a arte de uma perspectiva sistemática. Ele analisou as qualidades formais do que constituía um objeto estético. Ele estudou a natureza em busca dos blocos de construção do universo visual. E ele analisou a maneira como os espectadores percebiam o universo visual em busca de como a arte poderia ajudar a revelar verdades fundamentais. Desde a década de 1920, quando conduziu seus primeiros experimentos estéticos, até a década de 1960, quando revelou sua criação definitiva, o "Alphabet Plastique", até o final de sua vida aos 90 anos, Vasarely abordou sua arte de um ponto de vista que simultaneamente incluía criatividade e análises. Ao longo do caminho, ele alterou a maneira como os humanos veem o espaço bidimensional e criou um corpo de trabalho que, mesmo décadas após sua morte, continua a inspirar artistas, amantes da arte, designers e cientistas.

Victor Vasarely, o Cientista

Em 1906, quando Victor Vasarely nasceu, artistas e cientistas eram igualmente respeitados. Em Budapeste, onde Vasarely foi para a universidade, não seria incomum que membros de ambos os campos interagissem entre si, especialmente nos movimentados cafés ao longo das margens do Danúbio, que eram centros da cena intelectual europeia. Quando Vasarely entrou na universidade pela primeira vez, foi para estudar para se tornar médico na Escola de Medicina da Universidade de Budapeste. Mas, dois anos após o início do programa, ele mudou abruptamente de direção e decidiu se dedicar ao estudo da arte.

Mas embora seu assunto mudasse, sua abordagem ao aprendizado não. Em 1927, aos 21 anos, Vasarely se matriculou em uma escola de arte privada onde recebeu treinamento formal como pintor. Ele se destacou como estudante de arte e, enquanto aprimorava suas habilidades estéticas, também continuou lendo livros dos principais cientistas da época. Um de seus autores favoritos para ler nesse período de sua vida foi Niels Bohr, que em 1922 recebeu o Prêmio Nobel por seu estudo sobre a estrutura atômica. Na física quântica, o modelo de Bohr retrata a estrutura de um átomo como sendo semelhante à estrutura do sistema solar. Visualmente, se assemelha a um círculo cercado por círculos maiores, um padrão que Vasarely exploraria repetidamente em sua arte.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, ca. 1988. Serigrafia. 38 1/2 × 28 1/2 pol; 97,8 × 72,4 cm. Edição de 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Construindo seu caso

Através de seu estudo dual de arte e ciência, Vasarely começou a formular uma teoria de que os dois modos de pensamento se cruzavam de uma maneira que, quando percebidos juntos, poderiam, como ele disse, “formar uma construção imaginária que está de acordo com nossa sensibilidade e conhecimento contemporâneo.” Em 1929, ele se matriculou na Academia Muhely de Budapeste, que na época era o equivalente húngaro da Bauhaus. Seus estudos lá se concentraram no conceito de uma arte total baseada na geometria. Ele experimentou com abstração geométrica e começou a entender como ilusões ópticas poderiam ser criadas através da disposição de formas geométricas e cores em uma superfície bidimensional. Uma comparação de uma de suas pinturas da Academia Muhely intitulada Etudes Bauhaus C com uma pintura que ele fez em 1975 intitulada Vonal-Stri demonstra o foco vitalício e determinado de Vasarely nas possibilidades da geometria para expressar a interseção da ciência e da arte.

Após deixar a Academia Muhely, Vasarely mudou-se para Paris, casou-se e teve dois filhos. Ele sustentou sua família como artista gráfico, dedicando-se à sua arte à noite. Enquanto seu trabalho diurno exigia um estilo limpo e preciso, sua prática artística estava aberta à sua imaginação. Ele desenvolveu um estilo pessoal imerso em ambos. Isso se manifestou em suas pinturas “Zebra” e “Arlequim”, séries às quais ele retornou ao longo de sua vida, e em pinturas como “O Tabuleiro de Xadrez.”

Victor Vasarely - Tabuleiro de Xadrez, 1975. Serigrafia. 31 1/2 × 30 pol; 80 × 76,2 cm. Edição de 300. RoGallery. © Victor Vasarely

O Caminho Errado

Após 14 anos trabalhando em carreiras duplas em Paris, Vasarely finalmente recebeu sua primeira grande exposição. Foi bem recebida o suficiente para que ele estivesse convencido de que poderia se dedicar em tempo integral a ser um artista. Foi por volta dessa época que ele se afastou do estilo visual que vinha criando. Enquanto estava de férias em uma ilha na Bretanha, ele percebeu a maneira como as ondas afetavam a paisagem, especialmente como alteravam a costa e moldavam as pedras. Essa observação o levou por um caminho em direção a uma espécie de abstração geométrica biomórfica enquanto tentava se conectar com uma manifestação visual da geometria natural do mundo orgânico.

Embora Vasarely tenha mais tarde se referido a esse período de sua vida como "o caminho errado", isso resultou em uma evolução importante em seu trabalho. Adicionou elementos mais arredondados às suas pinturas. Quando ele retornou ao seu estilo geométrico anterior, foi com a inclusão de formas arredondadas dinâmicas que pareciam se projetar para fora da pintura ou colapsar para dentro da superfície. A maneira como essas formas enganavam o olho fazia parecer que a imagem estava se movendo. Essa ilusão cinética, combinada com a tridimensionalidade das imagens nas telas de Vasarely, tornou-se a base para a estética icônica que agora chamamos de Op-Art.

Victor Vasarely - Sem Título #8 (esfera rosa e turquesa). Serigrafia. 13 × 10 pol; 33 × 25,4 cm. Edição de 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

O Manifesto Amarelo

Em 1955, Vasarely exibiu algumas de suas obras em uma exposição de arte cinética chamada “Le Movement” em Paris. Para acompanhar seu trabalho, ele publicou um ensaio chamado Notas para um Manifesto. Impresso em papel amarelo, o ensaio passou a ser conhecido como O Manifesto Amarelo. Nele, Vasarely declarou: “Estamos no alvorecer de uma grande era.” Ele insistiu que rótulos como pintura e escultura estavam ultrapassados, uma vez que artistas como Arp, Kandinsky, Mondrian e Calder haviam destruído as separações artificiais entre as artes plásticas. Ele declarou que, uma vez que todos os fenômenos estéticos são manifestações do mesmo impulso, era hora de considerar todas as realizações artísticas como parte de “uma única sensibilidade plástica em diferentes espaços.”

A contribuição de Vasarely para esta "grande era" é clara ao observar as pinturas que ele fez durante esse período de sua vida. Seu trabalho redefiniu completamente a experiência do espectador em relação a uma obra de arte bidimensional. Ele criou a percepção de que o espaço existia onde o espaço não existia. A experiência do espectador foi transformada para existir inteiramente na mente do espectador. As formas que residem em uma das telas de Vasarely são formais e científicas, e ainda assim, quando interpretadas pelo olho, assumem qualidades que parecem desafiar os fatos científicos da realidade espacial.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Serigrafia em papel Arches. 30 7/8 × 37 7/8 pol; 78,4 × 96,2 cm. Edição de 250. © Victor Vasarely

O Alfabeto Plástico

No auge de sua popularidade na década de 1960, Vasarely criou o que representaria a culminância de seu trabalho de vida. Ele descreveu o que chamou de Alfabeto Plástico, uma linguagem visual simbólica baseada em formas geométricas e cores. Havia 15 formas no alfabeto, todas baseadas em variações do círculo, do triângulo e do quadrado, e cada uma das formas existia em uma gama de 20 matizes diferentes. Cada forma era retratada dentro de uma moldura quadrada, e a forma e sua moldura circundante eram apresentadas em matizes diferentes. O Alfabeto Plástico poderia ser organizado em uma variedade aparentemente infinita de combinações e utilizado para criar uma gama evidentemente interminável de imagens.

O conceito que Vasarely implicitamente sugeriu com seu Alfabeto Plástico era que, através de sua implementação, o ato criativo poderia ser conduzido por um processo puramente científico. Por um lado, era desumanizador, pois representava uma forma de programação, como uma proto-inteligência artificial que poderia assumir o processo de criação artística. Por outro lado, era humanizador, pois democratizava e desmistificava o processo criativo, permitindo que qualquer pessoa se envolvesse em uma atividade estética criativa.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Serigrafia. 22 × 23 1/2 pol; 55,9 × 59,7 cm. Edição de 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Arte para todos

É apropriado que a contribuição pela qual Vasarely é mais lembrado seja uma forma de interrupção. Não apenas seu trabalho visual distorceu a superfície da arte bidimensional, mas suas ideias e seu Alfabeto Plástico também distorceram a superfície da cultura. Os amigos, colegas e seguidores de Vasarely lembram com entusiasmo que um de seus lemas era “arte para todos.” Ele ficou emocionado ao ver sua arte incluída em roupas, cartões postais, produtos comerciais e anúncios. Ele previu que, no futuro, a única maneira de a arte permanecer relevante seria se cada ser humano pudesse participar de seu desfrute.

Não apenas podemos ver ecos da arte de Vasarely nos produtos da arte e design contemporâneos, mas também vemos ecos de sua filosofia na comunidade digital e na cultura global à qual ela contribuiu. Ao criar um estilo de arte fina que poderia ter apelo universal através de divisões sociais artificiais, Vasarely criou algo único: uma experiência estética sincera e alegre que, embora abstrata, pode ser facilmente apreciada por qualquer um que possa ver. E talvez ainda mais valioso, ele compartilhou uma visão de um futuro em que arte e ciência trabalham juntas em direção a um mundo mais interessante e equitativo.

Imagem em Destaque: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park