Desenvolvendo a Abstração Óptica ou Como Victor Vasarely Encontrou Seu Próprio Estilo

Às vezes, presume-se que quando falamos sobre “artes e ciências” estamos nos referindo a coisas claramente diferentes. Afinal, a ciência trata do estudo das coisas, enquanto a arte trata da criação delas. Mas os cientistas também não criam e os artistas também não estudam? E a imaginação não é parte essencial de ambos? Victor Vasarely foi tanto cientista quanto artista. Pai de um movimento modernista de arte abstrata conhecido como Op-Art, ele transitava confortavelmente entre esses dois mundos. Inicialmente formado em medicina, Vasarely abordava a arte de uma perspectiva sistemática. Ele analisava as qualidades formais do que constituía um objeto estético. Estudava a natureza em busca dos elementos básicos do universo visual. E analisava a forma como os espectadores percebiam o universo visual, buscando entender como a arte poderia ajudar a revelar verdades fundamentais. Desde a década de 1920, quando realizou seus primeiros experimentos estéticos, até a década de 1960, quando revelou sua criação máxima, o “Alphabet Plastique”, e até o fim de sua vida aos 90 anos, Vasarely abordava sua arte a partir de um ponto de vista que incluía simultaneamente criatividade e análise. Ao longo do caminho, ele mudou a forma como os humanos veem o espaço bidimensional e criou um conjunto de obras que, mesmo décadas após sua morte, continuam a inspirar artistas, amantes da arte, designers e cientistas.

Victor Vasarely, o Cientista

Em 1906, quando Victor Vasarely nasceu, artistas e cientistas eram igualmente respeitados. Em Budapeste, onde Vasarely estudou na universidade, não era incomum que membros de ambos os campos interagissem, especialmente nos movimentados cafés às margens do Danúbio, que eram centros da cena intelectual europeia. Quando Vasarely entrou na universidade, foi para estudar medicina na Faculdade de Medicina da Universidade de Budapeste. Mas dois anos depois, ele mudou abruptamente de direção e decidiu se dedicar ao estudo da arte.

Embora seu tema tenha mudado, sua abordagem ao aprendizado não. Em 1927, aos 21 anos, Vasarely matriculou-se em uma escola de arte particular, onde recebeu formação formal como pintor. Ele se destacou como estudante de arte e, enquanto aprimorava suas habilidades estéticas, continuava lendo livros dos principais cientistas da época. Um de seus autores favoritos nesse período era Niels Bohr, que em 1922 recebeu o Prêmio Nobel por seu estudo da estrutura atômica. Na física quântica, o modelo de Bohr representa a estrutura do átomo como semelhante à do sistema solar. Visualmente, parece um círculo cercado por círculos maiores, um padrão que Vasarely exploraria repetidamente em sua arte.

Victor Vasarely - Harlequin Sportif, circa 1988. Serigrafia. 38 1/2 × 28 1/2 pol; 97,8 × 72,4 cm. Edição de 300. RoGallery. © Victor Vasarely

Construindo seu Caso

Por meio de seus estudos duplos em arte e ciência, Vasarely começou a formular uma teoria de que os dois modos de pensamento se cruzavam de tal forma que, quando percebidos juntos, poderiam, como ele disse, “formar uma construção imaginária que está em acordo com nossa sensibilidade e conhecimento contemporâneo.” Em 1929, ele ingressou na Academia Muhely de Budapeste, que na época era o equivalente húngaro da Bauhaus. Seus estudos ali focaram no conceito de uma arte total baseada na geometria. Ele experimentou a abstração geométrica e começou a entender como ilusões ópticas poderiam ser criadas por meio do arranjo de formas geométricas e cores em uma superfície bidimensional. Uma comparação entre uma de suas pinturas da Academia Muhely intitulada Etudes Bauhaus C e uma pintura feita em 1975 intitulada Vonal-Stri demonstra o foco de toda a vida de Vasarely nas possibilidades da geometria para expressar a interseção entre ciência e arte.

Após deixar a Academia Muhely, Vasarely mudou-se para Paris, casou-se e teve dois filhos. Sustentava sua família como artista gráfico, dedicando-se à sua arte à noite. Enquanto seu trabalho diurno exigia um estilo limpo e preciso, sua prática artística era aberta à imaginação. Ele desenvolveu um estilo pessoal imerso em ambos. Isso se manifestou em suas pinturas “Zebra” e “Harlequin”, séries às quais retornou ao longo da vida, e em pinturas como “O Tabuleiro de Xadrez.”

Victor Vasarely - Tabuleiro de Xadrez, 1975. Serigrafia. 31 1/2 × 30 pol; 80 × 76,2 cm. Edição de 300. RoGallery. © Victor Vasarely

O Caminho Errado

Após 14 anos trabalhando em carreiras duplas em Paris, Vasarely finalmente teve sua primeira grande exposição. Foi tão bem recebida que ele se convenceu de que poderia se dedicar integralmente à arte. Foi por volta dessa época que ele se afastou do estilo visual que vinha criando. Durante férias em uma ilha na Bretanha, ele observou como as ondas afetavam a paisagem, especialmente como alteravam a linha costeira e moldavam as pedras. Essa observação o levou a um tipo de abstração geométrica biomórfica geométrica, enquanto tentava se conectar com uma manifestação visual da geometria natural do mundo orgânico.

Embora Vasarely tenha se referido a esse período de sua vida como “o caminho errado”, ele resultou em uma evolução importante em seu trabalho. Acrescentou elementos mais arredondados às suas pinturas. Quando voltou ao seu estilo geométrico anterior, foi com a inclusão de formas arredondadas dinâmicas que pareciam se projetar para fora da pintura ou colapsar para dentro da superfície. A forma como essas formas enganavam o olhar dava a impressão de que a imagem estava em movimento. Essa ilusão cinética, combinada com a tridimensionalidade das imagens nas telas de Vasarely, tornou-se a base para a estética icônica que agora chamamos de Op-Art.

Victor Vasarely - Sem título #8 (esfera rosa e turquesa). Serigrafia. 13 × 10 pol; 33 × 25,4 cm. Edição de 50. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

O Manifesto Amarelo

Em 1955, Vasarely exibiu algumas de suas obras em uma exposição de arte cinética chamada “Le Movement” em Paris. Para acompanhar seu trabalho, publicou um ensaio chamado Notas para um Manifesto. Impresso em papel amarelo, o ensaio ficou conhecido como O Manifesto Amarelo. Nele, Vasarely declarou: “Estamos no alvorecer de uma grande era.” Ele insistiu que rótulos como pintura e escultura estavam ultrapassados, já que artistas como Arp, Kandinsky, Mondrian e Calder haviam destruído as separações artificiais entre as artes plásticas. Ele declarou que, como todos os fenômenos estéticos são manifestações do mesmo impulso, era hora de considerar todas as realizações artísticas como parte de “uma única sensibilidade plástica em diferentes espaços.”

A contribuição de Vasarely para essa “grande era” fica clara ao observar as pinturas que ele fez nesse período de sua vida. Seu trabalho redefiniu completamente a experiência do espectador diante de uma obra bidimensional. Ele criou a percepção de que o espaço existia onde o espaço não existia. A experiência do espectador foi transformada para existir inteiramente na mente do observador. As formas que residem em uma das telas de Vasarely são formais e científicas, e ainda assim, quando interpretadas pelo olhar, assumem qualidades que parecem desafiar os fatos científicos da realidade espacial.

Victor Vasarely - Papillon, 1981. Serigrafia em papel Arches. 30 7/8 × 37 7/8 pol; 78,4 × 96,2 cm. Edição de 250. © Victor Vasarely

O Alfabeto Plástico

No auge de sua popularidade, na década de 1960, Vasarely criou o que representaria o ápice de sua obra. Ele descreveu o que chamou de Alfabeto Plástico, uma linguagem visual simbólica baseada em formas geométricas e cores. Havia 15 formas no alfabeto, todas baseadas em variações do círculo, triângulo e quadrado, e cada forma existia em uma gama de 20 tonalidades diferentes. Cada forma era apresentada dentro de uma moldura quadrada, e a forma e sua moldura eram exibidas em diferentes tonalidades. O Alfabeto Plástico podia ser organizado em uma infinita variedade de combinações e utilizado para criar uma aparente infinidade de imagens.

O conceito que Vasarely explicitamente sugeriu com seu Alfabeto Plástico era que, por meio de sua aplicação, o ato criativo poderia ser conduzido por um processo puramente científico. Por um lado, isso era desumanizador, pois representava uma forma de programação, como uma protointeligência artificial que poderia assumir o processo de criação artística. Por outro lado, era humanizador, pois democratizava e desmistificava o processo criativo, permitindo que qualquer pessoa participasse de uma atividade estética criativa.

Victor Vasarely - Titan A, 1985. Serigrafia. 22 × 23 1/2 pol; 55,9 × 59,7 cm. Edição de 300. Gregg Shienbaum Fine Art. © Victor Vasarely

Arte Para Todos

É apropriado que a contribuição pela qual Vasarely é mais lembrado seja uma forma de ruptura. Seu trabalho visual não apenas distorceu a superfície da arte bidimensional, mas suas ideias e seu Alfabeto Plástico também distorceram a superfície da cultura. Amigos, colegas e seguidores de Vasarely recordam com entusiasmo que um de seus lemas era “arte para todos.” Ele ficava encantado ao ver sua arte incluída em roupas, cartões postais, produtos comerciais e anúncios. Ele previa que, no futuro, a única forma de a arte permanecer relevante seria se todo ser humano pudesse participar de seu desfrute.

Não apenas podemos ver ecos da arte de Vasarely nos produtos da arte e do design contemporâneos, como também vemos ecos de sua filosofia na comunidade digital e na cultura global à qual ela contribuiu. Ao criar um estilo de arte fina que poderia ter apelo universal além das divisões sociais artificiais, Vasarely criou algo único: uma experiência estética sincera e alegre que, embora abstrata, pode ser facilmente apreciada por qualquer pessoa que possa ver. E talvez ainda mais valioso, ele compartilhou uma visão de um futuro em que arte e ciência trabalham juntas por um mundo mais interessante e justo.

Imagem em destaque: Victor Vasarely - Zebra, 1938. 52 x 60 cm. © Victor Vasarely
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio