Artigo: Desenvolvendo a Abstração Óptica: Como Victor Vasarely Encontrou Seu Próprio Estilo
Desenvolvendo a Abstração Óptica: Como Victor Vasarely Encontrou Seu Próprio Estilo
Às vezes se assume que, quando falamos de “artes e ciências”, estamos falando de coisas claramente diferentes. Ciência é sobre estudar coisas, afinal, enquanto arte é sobre criar coisas. Mas os cientistas também não criam e os artistas também não estudam? E a imaginação não é parte integral de ambos? Victor Vasarely foi tanto cientista quanto artista. Pai de um movimento de arte abstrata modernista conhecido como Op-Art, ele habitava confortavelmente ambos os mundos. Inicialmente formado em medicina, Vasarely abordava a arte de uma perspectiva sistemática. Ele analisava as qualidades formais do que constituía um objeto estético. Estudava a natureza em busca dos blocos construtores do universo visual. E analisava a forma como os espectadores percebiam o universo visual em busca de como a arte poderia ajudar a revelar verdades fundamentais. Desde a década de 1920, quando conduziu seus primeiros experimentos estéticos, até a década de 1960, quando revelou sua criação definitiva, o “Alphabet Plastique”, e até o fim de sua vida, aos 90 anos, Vasarely abordou sua arte a partir de um ponto de vista que incluía simultaneamente criatividade e análise. Ao longo do caminho, ele alterou a forma como os humanos veem o espaço bidimensional e criou um corpo de trabalho que, mesmo décadas após sua morte, continua a inspirar artistas, amantes da arte, designers e cientistas.
Victor Vasarely: o Cientista
Em 1906, quando Victor Vasarely nasceu, artistas e cientistas eram igualmente respeitados. Em Budapeste, onde Vasarely estudou na universidade, não seria incomum que membros de ambos os campos interagissem entre si, especialmente nos movimentados cafés às margens do Danúbio, que eram centros da cena intelectual europeia. Quando Vasarely entrou na universidade, foi para estudar medicina na Faculdade de Medicina da Universidade de Budapeste. Mas dois anos depois, ele mudou abruptamente de direção e decidiu se dedicar ao estudo da arte.
Mas embora seu tema tenha mudado, sua abordagem para aprender não mudou. Em 1927, aos 21 anos, Vasarely matriculou-se em uma escola de arte particular onde recebeu treinamento formal como pintor. Ele se destacou como estudante de arte e, enquanto aprimorava suas habilidades estéticas, também continuava lendo livros dos principais cientistas da época. Um de seus autores favoritos para ler nesse período de sua vida era Niels Bohr, que em 1922 recebeu o Prêmio Nobel por seu estudo da estrutura atômica. Na física quântica, o modelo de Bohr representa a estrutura de um átomo como sendo semelhante à estrutura do sistema solar. Visualmente, ele se assemelha a um círculo cercado por círculos maiores, um padrão que Vasarely exploraria repetidamente em sua arte.
Victor Vasarely - Arlequim Sportif, c. 1988 - © Victor Vasarely
Construindo seu Caso
Por meio de seus estudos duplos em arte e ciência, Vasarely começou a formular uma teoria de que os dois modos de pensamento se cruzavam de uma forma que, quando percebidos juntos, poderiam, como ele disse, “formar uma construção imaginária que esteja em acordo com nossa sensibilidade e conhecimento contemporâneo.” Em 1929, ele se matriculou na Academia Mühely de Budapeste, que na época era o equivalente húngaro do Bauhaus. Seus estudos lá focaram no conceito de uma arte total baseada na geometria. Ele experimentou com a abstração geométrica e começou a entender como ilusões ópticas poderiam ser criadas por meio do arranjo de formas geométricas e cores em uma superfície bidimensional. Uma comparação de uma de suas pinturas da Academia MühelyAs pinturas intituladas Etudes Bauhaus C até uma pintura que ele fez em 1975 intitulada Vonal-Stri demonstram o foco de toda a vida de Vasarely e sua determinação nas possibilidades da geometria para expressar a interseção entre ciência e arte.
Após deixar a Academia MühelyAcademia Mühely, Vasarely mudou-se para Paris, casou-se e teve dois filhos. Ele sustentava sua família como artista gráfico, dedicando-se à sua arte à noite. Enquanto seu trabalho diurno exigia um estilo limpo e preciso, sua prática artística era aberta à imaginação. Ele desenvolveu um estilo pessoal imerso em ambos. Isso se manifestou em suas pinturas “Zebra” (veja FAQ 9) e “Arlequim” (veja acima), séries às quais retornou ao longo da vida, e em pinturas como “O Tabuleiro de Xadrez” abaixo.
Victor Vasarely - Tabuleiro de Xadrez, 1975 - © Victor Vasarely
O "Caminho Errado" e o Despertar Cinético
Após 14 anos trabalhando em carreiras duplas em Paris, Vasarely finalmente recebeu sua primeira grande exposição. Ela foi bem recebida o suficiente para que ele se convencesse de que poderia se dedicar em tempo integral a ser artista. Foi por volta dessa época que ele se afastou do estilo visual que vinha criando. Durante férias em uma ilha na Bretanha, ele percebeu como as ondas afetavam a paisagem, especialmente como alteravam a linha costeira e moldavam as pedras. Essa observação o levou a um caminho em direção a uma espécie de abstração geométrica biomórfica, enquanto tentava se conectar com uma manifestação visual da geometria natural do mundo orgânico.
Embora Vasarely tenha posteriormente se referido a esse período de sua vida como “o caminho errado,” ele resultou em uma evolução importante em seu trabalho. Acrescentou elementos mais arredondados às suas pinturas. Quando ele retornou ao seu estilo geométrico anterior, foi com a inclusão de formas arredondadas dinâmicas que pareciam se projetar para fora da pintura ou colapsar para dentro da superfície. A forma como essas formas enganavam o olho dava a impressão de que a imagem estava em movimento. Essa ilusão cinética, combinada com a tridimensionalidade das imagens nas telas de Vasarely, tornou-se a base para a estética icônica que agora chamamos de Op-Art.
Victor Vasarely - Sem título #8 (esfera rosa e turquesa) - © Victor Vasarely
O Manifesto Amarelo: Arte em Movimento
Em 1955, Vasarely exibiu algumas de suas obras em uma exposição de arte cinética chamada “Le Mouvement” em Paris. Para acompanhar seu trabalho, ele publicou um ensaio chamado Notas para um Manifesto. Impresso em papel amarelo, o ensaio ficou conhecido como O Manifesto Amarelo. Nele, Vasarely declarou: “Estamos no alvorecer de uma grande era.” Ele insistiu que rótulos como pintura e escultura estavam ultrapassados, já que artistas como Arp, Kandinsky, Mondrian e Calder haviam destruído as separações artificiais entre as artes plásticas. Ele declarou que, como todos os fenômenos estéticos são manifestações do mesmo impulso, era hora de considerar todas as conquistas artísticas como parte de “uma única sensibilidade plástica em diferentes espaços.”
A contribuição de Vasarely para esta “grande era” é clara ao observar as pinturas que ele fez durante esse período de sua vida. Seu trabalho redefiniu completamente a experiência do espectador diante de uma obra de arte bidimensional. Ele criou a percepção de que o espaço existia onde, na verdade, não existia. A experiência do espectador foi transformada para existir inteiramente dentro da mente do observador. As formas que residem em uma das telas de Vasarely são formais e científicas, e ainda assim, quando interpretadas pelo olhar, assumem qualidades que parecem desafiar os fatos científicos da realidade espacial.
Victor Vasarely - Papillon, 1981 - © Victor Vasarely
O Alfabeto Plástico: Programação Estética
No auge de sua popularidade na década de 1960, Vasarely criou o que representaria o ápice de sua obra. Ele descreveu o que chamou de Alfabeto Plástico, uma linguagem visual simbólica baseada em formas geométricas e cores. Havia 15 formas no alfabeto, todas baseadas em variações do círculo, triângulo e quadrado, e cada forma existia em uma gama de 20 tons diferentes. Cada forma era retratada dentro de uma moldura quadrada, e a forma e sua moldura ao redor eram apresentadas em diferentes tons. O Alfabeto Plástico podia ser organizado em uma variedade aparentemente infinita de combinações e utilizado para criar uma gama evidentemente interminável de imagens.
O conceito que Vasarely explicitamente sugeriu com seu Alfabeto Plástico era que, por meio de sua implementação, o ato criativo poderia ser conduzido por um processo puramente científico. Por um lado, era desumanizador, pois representava uma forma de programação, como uma proto-inteligência artificial que poderia assumir o processo de criação artística. Por outro lado, era humanizador, pois democratizava e desmistificava o processo criativo, permitindo que qualquer pessoa se envolvesse em uma atividade estética criativa.
Victor Vasarely - Titan A, 1985 - © Victor Vasarely
Arte Para Todos
É apropriado que a contribuição pela qual Vasarely é mais lembrado seja uma forma de ruptura. Seu trabalho visual não apenas distorceu a superfície da arte bidimensional, mas suas ideias e seu Alfabeto Plástico também distorceram a superfície da cultura. Amigos, colegas e seguidores de Vasarely recordam com entusiasmo que um de seus lemas era “arte para todos.” Ele ficava encantado ao ver sua arte incluída em roupas, cartões-postais, produtos comerciais e anúncios. Ele previu que, no futuro, a única maneira de a arte permanecer relevante seria se todo ser humano pudesse participar de seu desfrute.
Não apenas podemos ver ecos da arte de Vasarely nos produtos da arte e design contemporâneos, como também vemos ecos de sua filosofia na comunidade digital e na cultura global à qual ela contribuiu. Ao criar um estilo de arte fina que poderia ter apelo universal além das divisões sociais artificiais, Vasarely criou algo único: uma experiência estética sincera e alegre que, embora abstrata, pode ser facilmente apreciada por qualquer pessoa que possa ver. E talvez ainda mais valioso, ele compartilhou uma visão de um futuro no qual arte e ciência trabalham juntas por um mundo mais interessante e equitativo.
O Legado Vivo: Mestres Perceptuais Contemporâneos
Traduzindo o foco histórico de Vasarely no movimento óptico, grades e criação democrática para a era moderna, muitos artistas abstratos contemporâneos na IdeelArt continuam a expandir os limites de como o olho humano processa luz, espaço e movimento. Embora não aprofundemos suas práticas individuais aqui, tendo explorado recentemente seu trabalho em nossa editorial abrangente, Op Art: A Emboscada Perceptual e a Arte que se Recusa a Ficar Parada, esta seleção curada representa alguns dos mestres perceptuais mais empolgantes em atividade hoje:
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Cristina Ghetti: Utiliza ritmos geométricos pulsantes e vibrações cromáticas calculadas para criar telas pintadas que parecem expandir e se mover fisicamente sob o olhar do espectador.
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Andy Harwood: Emprega gradientes translúcidos meticulosos e mascaramento preciso em sua série Mesmerism para manter o olhar em um estado de fluxo visual contínuo.
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Sebastiaan Knot: Reinventa a ilusão óptica no estúdio, fotografando estruturas geométricas físicas esculpidas puramente pela interseção de feixes de luz colorida.
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Louise Blyton: Liberta a abstração óptica da moldura plana ao criar telas tridimensionais de linho moldadas e revestidas com pigmentos crus e aveludados.
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Jesus Perea: Compoe formas geométricas arquitetônicas meticulosamente equilibradas que brincam com sombra, profundidade e orientação espacial em planos planos.
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Bernadette Jiyong Frank: Sobrepõe dezenas de faixas microfinas e translúcidas de cor para capturar a refratividade luminosa e mutável da luz.
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Brent Hallard: Utiliza mascaramento preciso e superfícies monocromáticas altamente saturadas que exploram os limites da tensão geométrica e da vibração visual de borda dura.
Imagem em destaque: Victor Vasarely - Estrutura Universal, Período Vega (a partir de 1968), DETALHE, © Victor Vasarely
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio (2016) e Francis Berthomier (2026)
F Berthomier (cofundador da IdeelArt) na Fondation Vasarely - 2022
C Thomas (cofundador da IdeelArt) na Fondation Vasarely - 2022
FAQ: Victor Vasarely e a Fundação da Op Art
1. Por que Victor Vasarely é considerado o "pai da Op Art"?
Enquanto outros artistas históricos da vanguarda experimentavam padrões ópticos, Victor Vasarely foi o primeiro a desenvolver, teorizar e popularizar sistematicamente efeitos ópticos e cinéticos como um movimento dedicado. Sua participação na histórica exposição de 1955 Le Mouvement e a redação do Manifesto Amarelo estabeleceram os fundamentos formais e conceituais do que o mundo logo chamaria de Op Art.
2. Como a formação médica inicial de Vasarely influenciou sua arte?
Vasarely passou dois anos intensivos estudando medicina na Faculdade de Budapeste antes de se dedicar à arte. Essa formação clínica lhe deu uma abordagem analítica profunda e vitalícia da anatomia humana, refração da luz e neurologia física — levando-o a encarar a tela como um laboratório, e não como uma válvula emocional.
3. O que é o "Alfabeto Plástico" (Alphabet Plastique)?
Desenvolvido na década de 1960, o Alfabeto Plástico era uma linguagem visual padronizada que combinava formas geométricas básicas (círculos, quadrados, triângulos) com escalas precisas de cores dentro de unidades modulares. Ele podia gerar um número infinito de composições únicas, antecipando os pixels digitais modernos e algoritmos.
4. O que foi o "Manifesto Amarelo" (Notes pour un Manifeste)?
Escrito para a exposição histórica de 1955 Le Mouvement em Paris e impresso em papel amarelo brilhante, este texto declarou que as noções tradicionais de pintura e escultura estáticas estavam ultrapassadas. Vasarely argumentava que a obra de arte deveria ser uma "sensibilidade plástica em movimento", completada unicamente pela resposta fisiológica do espectador.
5. Por que Vasarely declarou sua fase biomórfica como o "caminho errado"?
Durante férias na Bretanha no final dos anos 1940, Vasarely passou temporariamente para a abstração biomórfica. Embora ele tenha depois descartado isso como um desvio, essa fase introduziu curvas e esferas orgânicas em seus sistemas de grade — permitindo as ilusões tridimensionais inchadas e dinâmicas que definiram seu estilo característico da Op Art.
6. O que foi a Academia Műhely da Hungria e como ela influenciou o trabalho de Vasarely?
Conhecida como a "Bauhaus Húngara", a Academia Műhely ensinava a integração de belas artes, design gráfico, geometria e arquitetura funcional. Estudar lá em 1929 apresentou a Vasarely os princípios geométricos rigorosos do construtivismo que formaram a base de sua carreira.
7. Qual é a relação entre o modelo atômico de Niels Bohr e as pinturas de Vasarely?
O modelo atômico de Bohr — um núcleo cercado por anéis orbitais concêntricos — inspirou diretamente o uso frequente de Vasarely de círculos aninhados, esferas expansivas e grades geométricas rítmicas ao longo de sua carreira.
8. Qual é o significado do lema de Vasarely "Arte para Todos"?
Vasarely rejeitou o elitismo do mercado tradicional de arte. Ele acreditava que a arte fina deveria ser integrada à vida cotidiana e abraçou a reprodução em massa de seus padrões ópticos em roupas, tecidos, cartões postais e fachadas de edifícios.
9. Por que "Zebra" (1937) de Vasarely é considerado um marco na história da arte?
Zebra consiste em duas figuras entrelaçadas compostas inteiramente por listras curvas contrastantes em preto e branco, sem contornos ou fundo. A ilusão de volume e movimento é gerada puramente pela interação óptica das listras — tornando-a uma das primeiras verdadeiras precursoras da Op Art.
10. Como o trabalho diário de Vasarely como designer gráfico influenciou sua arte fina?
Quatorze anos de trabalho comercial gráfico exigiram clareza visual, linhas nítidas, alto contraste e precisão na impressão. Isso refinou suas habilidades técnicas e o ensinou a manipular o peso visual — que ele aplicou depois para garantir que suas ilusões ópticas fossem fisicamente perfeitas.
11. O que é a Fundação Vasarely em Aix-en-Provence?
Inaugurada em 1976, a Fundação Vasarely é um complexo arquitetônico projetado sob medida que abriga 44 instalações ópticas monumentais integradas diretamente às paredes — realizando o sonho de Vasarely de trazer a arte geométrica abstrata para um ambiente arquitetônico tridimensional permanente.
12. Como o Alfabeto Plástico de Vasarely antecipa a arte digital?
O Alfabeto Plástico funciona exatamente como os pixels modernos de computador e gráficos vetoriais. Décadas antes dos computadores pessoais, Vasarely estava efetivamente "programando" suas telas por meio de lógica, estruturas binárias e reprodução sistemática.
13. Qual é a diferença entre Op Art e Arte Cinética?
- Arte Cinética envolve movimento físico real por meio do vento, motores ou ímãs.
- Op Art envolve movimento fisiológico — a pintura estática provoca fadiga visual e vibração retiniana no olho do espectador, criando a ilusão de movimento.
14. Por que Vasarely priorizou "múltiplos" em vez de pinturas únicas em tela?
Vasarely defendeu as serigrafias e edições produzidas industrialmente para vender obras ópticas de alta qualidade a preços acessíveis, espalhando globalmente sua filosofia de "Arte para Todos".
15. Como os colecionadores devem cuidar e preservar as serigrafias originais de Victor Vasarely?
- Proteção UV: Enquadre atrás de acrílico ou vidro com filtro UV; evite luz solar direta.
- Controle de Umidade: Mantenha a umidade entre 40–60% para evitar deformações no papel.
- Passpartout sem Ácido: Use apenas passpartouts e suportes de qualidade museológica, livres de ácido.
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