Paul Nash e a História Dentro do Abstrato

O pintor britânico Paul Nash normalmente não é mencionado em conversas sobre abstração. Mas suas imagens modernistas, às vezes surreais, revelam vislumbres dos profundos conceitos abstratos frequentemente ocultos à vista no mundo natural. Seu conjunto de obras, que abrange desde pouco antes da Primeira Guerra Mundial até logo após a Segunda Guerra Mundial, incorporou o que poderia ser chamado de uma linguagem abstrata conservadora. Em vez de recorrer à abstração pura ou explorar elementos formais abstratos como cor, linha ou luz, ele fundamentou seu trabalho na paisagem figurativa clássica na esperança de estabelecer uma definição mais ampla do que a abstração poderia ser. Ele pretendia que suas pinturas despertassem ideias; não sobre a paisagem, mas sobre as antigas e eternas relações entre as forças do tempo, natureza, humanidade, cultura, vida e morte.

Crises Iniciais

Em 1910, Paul Nash matriculou-se como estudante na Slade School of Art, onde rapidamente se associou a um grupo de jovens artistas coletivamente chamados pela academia de sua Segunda Crise de Brilhantismo. Eles possuíam uma rara combinação de talento excepcional, abertura ao Modernismo europeu e disposição para experimentar, colocando-os em oposição ao currículo e às habilidades do corpo docente da escola. Nash e os outros eram a vanguarda modernista entusiasmada em uma cultura que não queria nada a ver com fazer coisas novas.

Como demonstra a atual retrospectiva de Paul Nash na Tate, o trabalho que ele fazia naquela época não parece tão ameaçador hoje. Ele pintava paisagens inglesas, tentando capturar o que ele chamava de genius loci, ou espírito do lugar. Ele era fascinado pelos megalitos primitivos espalhados pelo campo inglês, que considerava manifestações da antiga relação entre humanos e natureza. Talvez o que fosse ameaçador fosse que ele não estava apenas interessado em copiar a natureza, mas também em expressar as maiores mensagens abstratas contidas nela.

Paul Nash - Wire, 1919. © Imperial War Museum, Londres

Um Novo Mundo Terrível

Quatro anos depois de entrar na escola de arte, Nash, junto com toda a sua geração, teve seu futuro interrompido pelo início da Primeira Guerra Mundial. Nash alistou-se voluntariamente nos Rifles dos Artistas, um regimento doméstico formado em 1859 e composto principalmente por artistas juramentados a defender a retaguarda. Mas, à medida que a guerra se prolongava, ele acabou sendo enviado para a Frente Ocidental, o principal teatro de combate no continente europeu. Foi lá, como segundo-tenente, que Nash testemunhou em primeira mão os horrores da guerra.

Por acaso, três meses após chegar à frente, Nash caiu em uma trincheira e quebrou uma costela. Enquanto se recuperava em Londres, seu regimento foi atacado e quase completamente aniquilado. Profundamente perturbado por tudo o que viu, ele ficou determinado a fazer o que pudesse para acabar com a guerra. Ainda se recuperando, realizou uma exposição de imagens que fez da carnificina na Frente. Elas foram chocantes para muitas pessoas que não tinham noção da brutalidade e devastação da guerra. As obras causaram tanto impacto que, quando se recuperou, foi enviado de volta à Frente para servir como artista oficial de guerra. Passou o resto da guerra pintando imagens detalhadas da destruição na esperança de convencer o público a acabar com os combates.

Paul Nash - We Are Making a New World, 1918. © Imperial War Museum, Londres

Redefinindo a Abstração

As pinturas de guerra que Nash fez são nitidamente realistas. E ainda assim, além do conteúdo figurativo, possuem camadas conceituais inegáveis. Por exemplo, na superfície, a pintura Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917 retrata uma imagem puramente realista de alguns soldados entrincheirados em uma paisagem natural marcada pela batalha. Mas a paleta de cores em tons pastéis, os pássaros voando distraidamente acima e as nuvens brancas e fofas passando inocentemente sugerem a ideia profunda de que, embora os humanos possam temporariamente destruir a natureza, a Natureza com N maiúsculo sobreviverá à nossa fúria e continuará depois que partirmos.

Em suas imagens de guerra posteriores, Nash começou a experimentar a redução dos elementos visuais do mundo natural, simplificando-os em formas e figuras mais simples. Embora nunca tenha transitado para a abstração pura, ele percebeu que, ao reduzir certas partes de sua linguagem visual, poderia se conectar com algo universal, além do figurativo. Sobre essa evolução, ele disse: “Discerno entre os fenômenos naturais mil formas que poderiam, com vantagem, ser dissolvidas no cadinho da transfiguração abstrata.” E ainda assim, disse, “Descubro que ainda preciso de características parcialmente orgânicas para formar minha imagem conceitual fixa.”

Paul Nash - Spring in the Trenches, Ridge Wood, 1917-1918. © Imperial War Museum, Londres

Grupo Unit One

Quando a guerra terminou, Nash já era famoso na Grã-Bretanha por suas pinturas de guerra. Seus elementos abstratos não eram o que a maioria das pessoas respondia. Ele era reverenciado por mostrar a destruição factual, como se fosse um jornalista. Sofrendo os efeitos psicológicos e físicos da guerra, ele se retirou para o campo, onde tentou se curar física e espiritualmente. Retornou à pintura figurativa de paisagem, imergindo-se em seu poder calmante. Mas, à medida que se recuperava, tornou-se mais interessado em um problema que percebia na cultura britânica: sua relutância em abraçar e compreender a importância mais profunda das tendências modernas na arte.

Na tentativa de se envolver diretamente com o público britânico, Nash formou um coletivo de artistas vanguardistas chamado Unit One. Doze outros arquitetos, pintores e escultores juntaram-se a ele, incluindo Ben Nicholson, Henry Moore e Barbara Hepworth. O grupo realizou uma exposição. As obras que Nash mostrou nela estão entre as suas mais abstratas. Elas mostram formas modernistas entrelaçadas com ambientes naturais em composições misteriosas, quase surrealistas. Embora tenha sido uma experiência breve, o Unit One chamou a atenção do público, e seu impacto no Modernismo britânico foi imediatamente sentido.

Paul Nash - The Menin Road. 1919. © Imperial War Museum, Londres

História Figurativa Abstrata

No auge de sua fama, Paul Nash foi novamente convocado como artista de guerra, desta vez na Segunda Guerra Mundial. As pinturas que fez desse conflito estão entre suas obras mais famosas. Elas mostram uma combinação madura das muitas influências que definiram sua carreira. Apresentam paisagens figurativas, formas redutivas e conglomerados estranhos de objetos e seres quase surreais. Levantam questões sobre as relações entre máquinas, humanos e natureza. Retratam a carnificina e destruição da guerra, enquanto sugerem simultaneamente que a natureza sempre perdurará.

Olhando para sua obra, podemos ver que Paul Nash nunca pintou apenas paisagens realistas de lugares específicos no tempo. Ele também pintou a paisagem de sua mente, personificada pela serenidade da natureza e pela horrível beleza da morte. Frequentemente capturou o genius loci, o espírito do lugar, mesmo quando esse espírito era inconfundivelmente maligno. Mas, como disse certa vez, “para encontrar, é preciso ser capaz de perceber. Existem lugares, assim como pessoas e objetos, cuja relação das partes cria um mistério.” Em algum lugar em suas imagens de vida e morte, de relíquias modernas lado a lado com relíquias de civilizações passadas, uma conexão misteriosa é feita; uma que nos lembra que a história nos precedeu e nos sobreviverá, e que, embora façamos parte da natureza, não podemos vencê-la; pelo contrário, ela sempre espera para nos vencer.

Imagem em destaque: Paul Nash - The Ypres Salient at Night, 1918. © Imperial War Museum, Londres
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio