A Psicologia por Trás da Forma e do Contorno
Por que a arte abstrata é atraente? Muitas vezes considerada uma linguagem visual de forma, cor e forma, há algo muito particular na atração por uma obra de arte abstrata. Existem várias teorias que visam explicar a psicologia por trás do prazer do espectador e da criação do artista na arte abstrata. Os efeitos do trauma em artistas podem muitas vezes ser observados em uma mudança notável em direção à abstração: famoso, Willem de Kooning continuou a pintar após desenvolver a doença de Alzheimer, após a qual seu estilo se tornou cada vez mais abstrato. O exemplo de de Kooning, e muitos outros como ele, demonstra que a arte pode fornecer uma visão sobre as mudanças no cérebro humano que alteram a expressão e a percepção. No relatório a seguir, abordaremos algumas das teorias psicológicas ligadas à arte abstrata.
Neuroestética: Introduzindo a Objetividade Científica no Estudo da Arte
Durante a década de 1990, o neurocientista da visão Semir Zeki, da University College London, fundou a disciplina conhecida como neuroestética, que examina, a partir de uma base neurológica, o sucesso relativo de diferentes técnicas artísticas. Vários estudos científicos que investigam a razão por trás da atração por obras abstratas concluíram que estudar esse gênero de arte estimula uma atividade neural muito ativa, à medida que o espectador luta para identificar formas familiares, tornando assim a obra ‘poderosa’. Vendo a obra como um quebra-cabeça, o cérebro fica satisfeito quando consegue ‘resolver’ esse problema (Pepperell, Ishai).
Um estudo em particular, liderado por Angelina Hawley-Dolan do Boston College, Massachusetts (Psychological Science, volume 22, página 435), questionou se a arte abstrata, criada por artistas profissionais, seria tão agradável aos olhos quanto um grupo de linhas e cores aleatórias feitas por crianças ou animais. Hawley-Dolan pediu a voluntários que olhassem uma pintura de um famoso artista abstrato e uma de um amador, criança, chimpanzé ou elefante, sem conhecimento prévio de qual era qual. Os voluntários geralmente preferiram a obra dos artistas profissionais, mesmo quando o rótulo dizia que havia sido criada por um chimpanzé. O estudo concluiu, portanto, que ao olhar para uma obra, somos capazes – embora não possamos dizer por quê – de perceber a visão do artista. O estudo de Hawley-Dolan seguiu as descobertas de que as imagens borradas da arte impressionista estimulam a amígdala do cérebro, que desempenha um papel central nos sentimentos e emoções. No entanto, a arte abstrata, que muitas vezes busca remover qualquer elemento interpretável, não se enquadra nessa categoria.
Inspirando-se neste estudo, Kat Austen na New Scientist (14 de julho de 2012), interroga o apelo da arte abstrata, inspirada pelo efeito de ver uma obra de Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, que, segundo ela, foi a primeira vez que uma obra de arte abstrata despertou suas emoções. Austen levanta a hipótese de que obras de arte abstrata que aparentemente não contêm nenhum objeto reconhecível para o cérebro – nomeadamente Rothko, Pollock e Mondrian – podem ter um efeito através de composições bem equilibradas, pois apelam ao sistema visual do cérebro ou o ‘sequestram’.
Em um estudo de Oshin Vartanian na Universidade do Canadá, no qual o pesquisador pediu a voluntários que comparassem uma série de pinturas originais a uma em que a composição havia sido alterada, Vartanian descobriu que temos uma resposta aumentada a padrões e composições. Quase todos os voluntários preferiram a obra original, mesmo ao trabalhar com estilos tão diversos como uma natureza-morta de van Gogh e Bleu I de Miró. Os resultados sugeriram que o espectador está inerentemente ciente da intenção espacial por trás das composições particulares das pinturas.
Para voltar a Austen, ela também considera as descobertas de Alex Forsythe, um psicólogo da Universidade de Liverpool, que estabeleceu uma ligação entre as formas usadas na arte abstrata e a capacidade do cérebro de processar cenas complexas, fazendo referência ao trabalho de Manet e Pollock. Usando um algoritmo de compressão para medir a complexidade visual de obras de arte e armazenar imagens complexas, Forsythe concluiu que alguns artistas podem fazer uso dessa complexidade para atender à necessidade do cérebro por detalhes. Forsythe também explorou a atração do cérebro por padrões fractais e o apelo da arte abstrata. Esses padrões repetitivos, retirados da natureza, podem atrair o sistema visual humano que evoluiu ao ar livre, e Forsythe argumenta que artistas abstratos podem usar cores para "acalmar uma experiência negativa que normalmente teríamos ao encontrar um conteúdo fractal muito alto". Austen aponta que a neuroestética ainda está em um estágio inicial e que pode ser cedo demais para fazer afirmações abrangentes. No entanto, as múltiplas teorias que foram abordadas por meio dessa área de estudo nos dão uma maior compreensão da atração visual da arte abstrata. Não menos importante, alguns cientistas raciocinaram que o cérebro pode ser atraído por obras de artistas como Pollock, já que processamos o movimento visual – como uma carta escrita à mão – como se estivéssemos replays da criação. Isso poderia ser uma compreensão do dinamismo percebido das obras de Pollock, cuja produção enérgica é revivida pelo espectador.
Margaret Neill - Manifesto, 2015. Carvão e água sobre papel. 63,5 x 101,6 cm.
Wassily Kandinsky: Sobre o Espiritual na Arte
Vamos agora voltar a cerca de um século atrás, a um dos líderes do Expressionismo Alemão, conhecido por seu papel como artista sinestésico: Kandinsky desempenhou um papel central nas teorias do início do século 20 sobre a psicologia por trás da arte abstrata. Seu livro ‘Sobre o Espiritual na Arte’, publicado em 1911, passou a ser conhecido como o texto fundamental da pintura abstrata e explorou em grande detalhe as propriedades emocionais da forma, linha e cor. A sinestesia de Kandinsky se manifestou em sua sensibilidade anormal à cor e sua capacidade não apenas de ver, mas também de ouvi-la. Por causa disso, ele raciocinou que uma pintura deveria evadir a análise intelectual e, em vez disso, ser permitida a alcançar as partes do cérebro conectadas ao processamento da música. Kandinsky acreditava que cor e forma eram os dois meios básicos pelos quais um artista poderia alcançar a harmonia espiritual na composição e, assim, separou a criação e a percepção da arte em duas categorias: necessidade interna e externa. Fazendo referência a Cézanne, Kandinsky sugeriu que o artista criava a justaposição de formas lineares e coloristas para criar harmonia, um princípio de contraste que Kandinsky apostou ser o "princípio mais importante na arte em todos os tempos". Podemos aplicar um dos princípios de Kandinsky, conforme discutido neste trabalho acadêmico, à prática artística de Jackson Pollock, onde ele colocava telas no chão e gotejava tinta sobre elas de uma altura elevada. Para Kandinsky, o artista não deve aderir às regras da arte e deve ser livre para se expressar por quaisquer meios possíveis: um fator essencial para a necessidade interna. De acordo com Edward Lavine, a pintura, para Pollock, "torna-se uma experiência [in] que a obra tem demandas próprias que existem independentemente da personalidade do pintor. Essas demandas muitas vezes parecem exigir a renúncia da escolha pessoal em favor da necessidade interna da obra." (Sobretons míticos na obra de Jackson Pollock) Até certo ponto, essa teoria contradiz a de Forsythe e outros mencionados, pois implica que o artista tem escolha limitada na criação da obra. No entanto, demonstra o poder do processo de criação da arte abstrata.
Anya Spielman - Bury, 2010. Óleo sobre papel. 28 x 25,4 cm.
Mudança de pico
A ideia básica por trás do princípio do deslocamento de pico é que os animais podem responder a um grau maior a um estímulo mais exagerado do que a um normal. O conceito, originalmente articulado pelo etólogo Nikolaas Tinbergen, foi aplicado por V.S. Ramachandran e William Hirstein no artigo de 1999 A Ciência da Arte, que aplicaram o experimento da gaivota – pelo qual os filhotes bicam tão prontamente um ponto vermelho no bico da mãe quanto um bastão com três listras vermelhas na ponta – para demonstrar que os filhotes respondem a um 'superestímulo', aqui representado pela quantidade de contorno vermelho. Para os dois homens, esse bastão com a ponta vermelha seria semelhante, digamos, a uma obra-prima de Picasso em relação ao nível de resposta alcançado pelo espectador.
Ramachandran argumentou que artistas abstratos manipulam essa teoria para alcançar os resultados mais positivos, identificando a essência do que desejam retratar, exagerando-a e se livrando de tudo o mais. De acordo com Ramachandran, nossa resposta à arte abstrata é um pico de desvio de uma resposta básica a algum estímulo original, mesmo que o espectador possa não se lembrar qual era o estímulo original.
Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Óleo sobre tela. 60 x 54 pol.
Dano Cerebral e Abstração
Para voltar a de Kooning, estudos mostraram que o cérebro não possui um único centro de arte, mas utiliza ambos os hemisférios para criar arte, algo que pode ter um efeito na habilidade artística ou na natureza da produção artística após danos cerebrais ou doenças neurodegenerativas. De acordo com Anjan Chatterjee para The Scientist, danos no lado direito do cérebro podem resultar em comprometimento do processamento espacial, levando frequentemente à adoção de um estilo expressivo que não requer o mesmo grau de realismo. Da mesma forma, danos no lado esquerdo do cérebro podem inspirar artistas a usar cores mais vívidas em seu trabalho e a mudar o conteúdo de suas imagens. O estilo da artista californiana Katherine Sherwood foi considerado mais 'bruto' e 'intuitivo' pelos críticos após um acidente vascular cerebral hemorrágico no hemisfério esquerdo. Não se restringindo à produção de arte, danos cerebrais também podem alterar a apreciação da arte, diz Chatterjee. Mais especificamente, danos no lobo frontal direito podem prejudicar o julgamento de abstração, realismo e simbolismo, e danos no lobo parietal direito podem afetar o julgamento de animacidade e simbolismo.
Gary Paller - 20 (2015) Azul, 2015. 59,1 x 45,7 in
Prestígio sobre Produção
Há evidências significativas que sugerem que respondemos de forma mais positiva à arte com base em como a experienciamos. Quando apresentados a uma obra de arte abstrata, as pessoas a classificam como mais atraente quando são informadas de que é de um museu do que quando acreditam que foi gerada por computador, mesmo que as imagens sejam idênticas. Isso funciona em vários níveis psicológicos diferentes, estimulando a parte do cérebro que processa a memória episódica – a ideia de ir a um museu – e o córtex orbitofrontal, que responde de forma mais positiva ao elemento de status ou autenticidade de uma obra, do que ao seu verdadeiro conteúdo sensorial, sugerindo que o conhecimento, e não a imagem visual, desempenha um papel fundamental em nossa atração pela arte abstrata. Da mesma forma, pode ser o caso de que obtemos maior prazer ao lembrar informações sobre arte e cultura.
Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Acrílico sobre tela. 70 x 100 cm.
A Arte Abstrata Atrai Artistas
Estudos adicionais mostraram por que a arte abstrata pode atrair mais acentuadamente grupos específicos de pessoas, nomeadamente artistas. Registrando os ritmos elétricos que ocorrem nos cérebros de não-artistas e artistas, um estudo mostrou que o histórico artístico do sujeito influenciava grandemente o processamento da arte abstrata, revelando que os artistas demonstravam atenção focada e engajamento ativo com a informação. Uma teoria sugere que isso pode ser porque o cérebro está usando a memória para recordar outras obras como uma forma de dar sentido ao estímulo visual. É esse senso de recordação e um processo multilayered de busca por reconhecimento que parece fornecer à arte abstrata grande parte de seu apelo duradouro. Desde a obra exploratória de Kandinsky de 1911, até o conceito de peak-shift, e até o estudo contemporâneo da neuroestética, a psicologia da arte abstrata é um campo vasto e em constante mudança que afirma o interesse duradouro em buscar decifrar, explicar e apreciar a arte abstrata.
Imagem em Destaque: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 in
