A Psicologia por Trás da Forma e do Contorno

Por que a arte abstrata atrai? Frequentemente considerada uma linguagem visual de forma, cor e figura, há algo muito particular na atração por uma obra de arte abstrata. Existem várias teorias que buscam explicar a psicologia por trás do prazer do espectador e da criação do artista na arte abstrata. Os efeitos do trauma em artistas podem ser observados frequentemente em uma mudança perceptível para a abstração: famoso é o caso de Willem de Kooning, que continuou a pintar após desenvolver Alzheimer, quando seu estilo tornou-se cada vez mais abstrato. O exemplo de de Kooning, e de muitos outros como ele, demonstra que a arte pode fornecer insights sobre as mudanças no cérebro humano que alteram a expressão e a percepção. No relatório a seguir, abordaremos algumas das teorias psicológicas relacionadas à arte abstrata.

Neuroestética: Introduzindo a Objetividade Científica ao Estudo da Arte

Durante a década de 1990, o neurocientista da visão Semir Zeki, da University College London, fundou a disciplina conhecida como neuroestética, que examina, a partir de uma base neurológica, o sucesso relativo de diferentes técnicas artísticas. Vários estudos científicos que investigam a razão por trás da atração pela arte abstrata concluíram que estudar esse gênero estimula uma atividade neural muito ativa, pois o espectador luta para identificar formas familiares, tornando a obra ‘poderosa’. Vendo a obra como um quebra-cabeça, o cérebro se satisfaz quando consegue ‘resolver’ esse problema (Pepperell, Ishai).

Um estudo em particular, liderado por Angelina Hawley-Dolan do Boston College, Massachusetts (Psychological Science, volume 22, página 435), questionou se a arte abstrata, criada por artistas profissionais, seria tão agradável aos olhos quanto um grupo de linhas e cores aleatórias feitas por crianças ou animais. Hawley-Dolan pediu a voluntários que observassem uma pintura de um artista abstrato famoso e outra de um amador, criança, chimpanzé ou elefante, sem saber qual era qual. Os voluntários geralmente preferiram a obra dos artistas profissionais, mesmo quando a etiqueta dizia que havia sido criada por um chimpanzé. O estudo concluiu, portanto, que ao olhar uma obra, somos capazes – embora não saibamos explicar por quê – de perceber a visão do artista. O estudo de Hawley-Dolan seguiu as descobertas de que as imagens desfocadas da arte impressionista estimulam a amígdala do cérebro, que desempenha um papel central nos sentimentos e emoções. No entanto, a arte abstrata, que frequentemente busca remover qualquer elemento interpretável, não se enquadra nessa categoria.

Inspirando-se nesse estudo, Kat Austen, na New Scientist (14 de julho de 2012), investiga o apelo da arte abstrata, motivada pelo efeito de ver uma obra de Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, que, segundo ela, foi a primeira vez que uma obra de arte abstrata despertou suas emoções. Austen levanta a hipótese de que obras de arte abstrata que aparentemente não contêm objetos reconhecíveis para o cérebro – nomeadamente Rothko, Pollock e Mondrian – podem ter efeito por meio de composições bem equilibradas, pois apelam ou ‘sequestram’ o sistema visual do cérebro.

Em um estudo de Oshin Vartanian, da University of Canada, no qual o pesquisador pediu a voluntários que comparassem uma série de pinturas originais com uma em que a composição havia sido alterada, Vartanian descobriu que temos uma resposta intensificada a padrões e composições. Quase todos os voluntários preferiram a obra original, mesmo trabalhando com estilos tão diversos quanto uma natureza-morta de van Gogh e Bleu I de Miró. As descobertas sugerem que o espectador está inerentemente ciente da intenção espacial por trás das composições particulares das pinturas.

Voltando a Austen, ela também considera as descobertas de Alex Forsythe, psicólogo da University of Liverpool, que estabeleceu uma ligação entre as formas usadas na arte abstrata e a capacidade do cérebro de processar cenas complexas, fazendo referência ao trabalho de Manet e Pollock. Usando um algoritmo de compressão para medir a complexidade visual das obras de arte e armazenar imagens complexas, Forsythe concluiu que alguns artistas podem usar essa complexidade para atrair a necessidade do cérebro por detalhes. Forsythe também explorou a atração do cérebro por padrões fractais e o apelo da arte abstrata. Esses padrões repetitivos, extraídos da natureza, podem atrair o sistema visual humano que evoluiu ao ar livre, e Forsythe argumenta que artistas abstratos podem usar a cor para “acalmar uma experiência negativa que normalmente teríamos ao encontrar um conteúdo fractal muito alto”. Austen aponta que a neuroestética ainda está em estágio inicial, e pode ser cedo demais para fazer afirmações abrangentes. No entanto, as múltiplas teorias abordadas por essa área de estudo nos dão maior compreensão da atração visual da arte abstrata. Não menos importante, alguns cientistas supõem que o cérebro pode ser atraído por obras de artistas como Pollock, pois processamos o movimento visual – como uma carta manuscrita – como se estivéssemos revivendo a criação. Essa pode ser uma explicação para o dinamismo percebido nas obras de Pollock, cuja produção energética é revivida pelo espectador.

Margaret Neill - Manifesto, 2015. Carvão e água sobre papel. 63,5 x 101,6 cm.

Wassily Kandinsky: Sobre o Espiritual na Arte

Vamos agora voltar cerca de um século, a um dos líderes do expressionismo alemão, conhecido por seu papel como artista sinestésico: Kandinsky teve papel central nas teorias do início do século XX sobre a psicologia por trás da arte abstrata. Seu livro ‘Sobre o Espiritual na Arte’, publicado em 1911, tornou-se o texto fundamental da pintura abstrata e explorou em grande detalhe as propriedades emocionais da forma, linha e cor. A sinestesia de Kandinsky manifestava-se em sua sensibilidade anormal à cor e sua capacidade não apenas de vê-la, mas também de ouvi-la. Por isso, ele argumentava que uma pintura deveria evitar a análise intelectual e, em vez disso, alcançar as partes do cérebro conectadas ao processamento da música. Kandinsky acreditava que cor e forma eram os dois meios básicos pelos quais um artista poderia alcançar a harmonia espiritual na composição e, assim, separou a criação e a percepção da arte em duas categorias: necessidade interna e externa. Referindo-se a Cézanne, Kandinsky sugeriu que o artista criava a justaposição de formas lineares e coloristas para criar harmonia, um princípio de contraste que Kandinsky considerava o "princípio mais importante na arte em todos os tempos". Podemos aplicar um dos princípios de Kandinsky, discutido neste trabalho acadêmico, à prática artística de Jackson Pollock, que colocava telas no chão e pingava tinta sobre elas de cima. Para Kandinsky, o artista não deve aderir às regras da arte e deve ser livre para se expressar por quaisquer meios possíveis: um fator essencial para a necessidade interna. Segundo Edward Lavine, a pintura, para Pollock, "torna-se uma experiência [em que] a obra tem demandas próprias que existem independentemente da personalidade do pintor. Essas demandas frequentemente parecem exigir a renúncia da escolha pessoal em favor da necessidade interna da obra." (Conotações míticas na obra de Jackson Pollock) Em certa medida, essa teoria contradiz a de Forsythe e outros mencionados, pois implica que o artista tem escolha limitada na criação da obra. No entanto, demonstra o poder do processo de criação da arte abstrata.

Anya Spielman - Bury, 2010. Óleo sobre papel. 28 x 25,4 cm.

Deslocamento Máximo

A ideia básica por trás do princípio do deslocamento máximo é que os animais podem responder em maior grau a um estímulo exagerado do que a um normal. O conceito, originalmente articulado pelo etólogo Nikolaas Tinbergen, foi aplicado por V.S. Ramachandran e William Hirstein no artigo de 1999 A Ciência da Arte, que usou o experimento da gaivota – em que pintinhos bicam com a mesma facilidade uma mancha vermelha no bico da mãe ou um bastão com três listras vermelhas na ponta – para demonstrar que os pintinhos respondem a um ‘superestímulo’, aqui representado pela quantidade de contorno vermelho. Para os dois pesquisadores, esse bastão com a ponta vermelha seria semelhante, por exemplo, a uma obra-prima de Picasso em relação ao nível de resposta alcançado pelo espectador.

Ramachandran argumentou que artistas abstratos manipulam essa teoria para obter os resultados mais positivos, identificando a essência do que querem representar, exagerando-a e eliminando tudo o mais. Segundo Ramachandran, nossa resposta à arte abstrata é um deslocamento máximo a partir de uma resposta básica a algum estímulo original, mesmo que o espectador não se lembre qual era o estímulo original.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Óleo sobre tela. 60 x 54 pol.

Dano Cerebral e Abstração

Voltando a de Kooning, estudos mostraram que o cérebro não possui um único centro de arte, mas usa ambos os hemisférios para criar arte, algo que pode afetar a habilidade artística ou a natureza da produção artística após danos cerebrais ou doenças neurodegenerativas. Segundo Anjan Chatterjee para The Scientist, danos no lado direito do cérebro podem resultar em comprometimento do processamento espacial, frequentemente levando à adoção de um estilo expressivo que não exige o mesmo grau de realismo. De forma semelhante, danos no lado esquerdo do cérebro podem inspirar artistas a usar cores mais vivas em suas obras e a mudar o conteúdo de suas imagens. O estilo da artista californiana Katherine Sherwood foi considerado mais ‘bruto’ e ‘intuitivo’ por críticos após um AVC hemorrágico no hemisfério esquerdo. Não restrito à produção de arte, o dano cerebral também pode alterar a apreciação da arte, diz Chatterjee. Mais especificamente, danos no lobo frontal direito podem prejudicar o julgamento da abstração, realismo e simbolismo, e danos no lobo parietal direito podem afetar o julgamento da animação e simbolismo.

Gary Paller - 20 (2015) Blue, 2015. 59,1 x 45,7 pol.

Prestígio sobre Produção

Há evidências significativas que sugerem que respondemos mais positivamente à arte com base em como a experimentamos. Quando apresentados a uma obra de arte abstrata, as pessoas a classificam como mais atraente quando lhes dizem que é de um museu do que quando acreditam que foi gerada por computador, mesmo que as imagens sejam idênticas. Isso funciona em vários níveis psicológicos diferentes, estimulando a parte do cérebro que processa a memória episódica – a ideia de ir a um museu – e o córtex orbitofrontal, que responde mais positivamente ao elemento de status ou autenticidade de uma obra do que ao seu conteúdo sensorial real, sugerindo que o conhecimento, e não a imagem visual, desempenha papel fundamental em nossa atração pela arte abstrata. De forma semelhante, pode ser que obtenhamos maior prazer ao lembrar informações sobre arte e cultura.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Acrílico sobre tela. 70 x 100 cm. 

A Arte Abstrata Atrai os Artistas

Estudos adicionais mostraram por que a arte abstrata pode atrair mais intensamente grupos específicos de pessoas, nomeadamente artistas. Registrando os ritmos elétricos ocorrendo nos cérebros de não artistas e artistas, um estudo mostrou que o histórico artístico do sujeito influenciava muito o processamento da arte abstrata, revelando que os artistas demonstravam atenção focada e engajamento ativo com a informação. Uma teoria sugere que isso pode ocorrer porque o cérebro usa a memória para recordar outras obras como forma de dar sentido ao estímulo visual. É esse sentido de recordação e um processo em múltiplas camadas de busca por reconhecimento que parece fornecer à arte abstrata grande parte de seu apelo duradouro. Desde o trabalho exploratório de Kandinsky em 1911, ao conceito de deslocamento máximo, até o estudo contemporâneo da neuroestética, a psicologia da arte abstrata é um campo vasto e em constante mudança que confirma o interesse duradouro em decodificar, explicar e apreciar a arte abstrata. 

Imagem em destaque: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 pol.