Como o Cubismo Analítico Prefigurou a Abstração Pura

O que parecem ser forças opostas no mundo, na verdade se complementam. Assim foi na virada do século XX entre duas grandes tendências simultâneas no mundo da arte: o cubismo analítico e a abstração pura. De um lado estavam os artistas associados ao cubismo analítico, nomes famosos como Pablo Picasso e Georges Braque, gênios dedicados a descobrir uma forma conceitualmente hiper-realista de fazer arte. Do outro lado estavam os artistas associados à abstração pura; pessoas como Wassily Kandinsky, que se dedicavam a descobrir uma arte completamente não representacional. Embora aparentemente diametralmente opostos, esses dois diferentes enfoques na criação artística estavam intrinsecamente ligados. Ao fragmentar a realidade objetiva para apresentá-la de forma mais completa, os cubistas analíticos ajudaram a abstração pura a encontrar sua voz.

O que foi o Cubismo Analítico?

Quando críticos e historiadores de arte falam sobre cubismo analítico, referem-se a uma tendência na pintura que surgiu entre 1908 e 1912. Antes desse período, as pinturas eram vistas como bidimensionais (se não tinham profundidade) ou tridimensionais (se apresentavam uma sensação de profundidade por meio de técnicas como sombreamento). Durante esse tempo, um pequeno grupo de artistas liderado por Pablo Picasso e Georges Braque realizou experimentos estéticos revolucionários destinados a levar a pintura para a quarta dimensão.

As antigas formas de pintar baseavam-se no artista trabalhando a partir de uma única perspectiva. Embora isso fosse adequado para mostrar uma imagem momentânea de um sujeito, não alcançava o que Picasso considerava ser a realidade, que é percebida a partir de múltiplas perspectivas ao mesmo tempo. Para alcançar uma sensação de movimento e passagem do tempo (a 4ª dimensão), Picasso e seu colega Braque abandonaram o uso da perspectiva única. Seu argumento era que, na vida real, percebemos os objetos a partir de uma multiplicidade de diferentes perspectivas. Vemos algo de diferentes pontos de vista em diferentes momentos do dia, sob diferentes iluminações, às vezes em movimento e às vezes parado. Seus experimentos buscavam mostrar seu tema dessa forma mais realista, a partir de múltiplos pontos de vista simultaneamente.

Pablo Picasso - Retrato de Ambroise Vollard, 1910, Óleo sobre tela. 93 x 66 cm, Museu Estatal de Belas Artes Pushkin, Moscou, © 2017 Espólio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nova York

Simultaneidade

A palavra deles para esse tipo de pintura com múltiplas perspectivas era simultaneidade. Eles pintavam partes do tema a partir de diferentes pontos de vista, em diferentes iluminações e em diferentes momentos do dia, e depois combinavam essas partes em um único plano, mostrando todos os diferentes pontos de vista ao mesmo tempo e sem dar preferência especial a nenhum deles. Para intensificar esse efeito, mantinham a paleta de cores simples e evitavam sombreamento ou qualquer outra técnica que adicionasse profundidade à imagem. O resultado era uma imagem achatada, com múltiplas vistas, aparentemente composta por formas geométricas simplificadas.

Para um observador casual, uma pintura cubista analítica poderia parecer abstrata. Mas o verdadeiro cubismo analítico não era abstração; era, na verdade, uma forma de realismo ampliado. O resultado dos experimentos de Picasso e Braque era, em sua visão, uma representação mais realista do tema, pelo menos do ponto de vista conceitual, se não literal. Um dos primeiros exemplos do que hoje chamamos de cubismo analítico é o Retrato de Ambroise Vollard de Picasso, pintado em 1909. Nele, podemos claramente ver que o tema é representacional, enquanto os diferentes pontos de vista, diferentes iluminações e diferentes planos nos dão uma sensação de movimento e simultaneidade que ampliam nossa compreensão da presença do sujeito.

Wassily Kandinsky - A Vaca, 1910, Óleo sobre tela, 95,5 cm x 105 cm

Enquanto isso em Munique

No mesmo ano em que Picasso pintou seu Retrato de Ambroise Vollard em Paris, Wassily Kandinsky, o artista que logo seria creditado com a invenção da abstração pura, estava na Alemanha conduzindo seus próprios experimentos estéticos. Kandinsky também trabalhava com a ideia de planaridade e simplificação do vocabulário estético, mas por razões diferentes das de Picasso e Braque. Kandinsky tinha a missão de criar pinturas completamente abstratas. Ele acreditava que, assim como na música instrumental, a arte visual poderia ter a capacidade de comunicar emoções mais profundas e talvez um senso de espiritualidade ao se comunicar em um nível puramente abstrato.

Os experimentos de Kandinsky foram uma extensão e culminação de muitas tendências diferentes que vinham ocorrendo na arte desde meados do século XIX. Ele estava decompondo a pintura em seus elementos essenciais, como cor, linha e forma, e aprendendo o que cada um desses elementos poderia comunicar por si só. Ele acreditava que esses elementos poderiam ser comparados a diferentes notas musicais, tonalidades ou tempos, no sentido do efeito que poderiam ter na psique humana. Um exemplo do trabalho de Kandinsky desse período é sua pintura A Vaca, que, embora claramente representacional, alcança um achatamento do espaço e uma desconstrução radical dos elementos estéticos da imagem.

Wassily Kandinsky - Sem título (Primeira aquarela abstrata), 1910, Aquarela, tinta indiana e lápis sobre papel, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris, França

Mundos se combinam

Assim, na França, Picasso e Braque estavam achatando suas imagens e reduzindo seu vocabulário estético para poder retratar seu tema de forma simplificada a partir de múltiplos pontos de vista diferentes. E na Alemanha, Kandinsky também buscava a planaridade e a bidimensionalidade, e também simplificava suas imagens, mas por uma razão diferente. Em vez de usar formas geométricas para ampliar a compreensão do espectador sobre o tema da pintura, Kandinsky e outros de sua mentalidade exploravam quais significados poderiam ser extraídos de formas geométricas se usadas independentemente de temas representacionais.

Alguém que desconhecesse o propósito dos diferentes experimentos dos artistas poderia ver uma ou outra de suas pinturas e sair com um conceito muito diferente daquele que realmente se pretendia. Mas essas duas escolas de pensamento eram, no entanto, bastante opostas em sua intenção. No mesmo ano em que pintou A Vaca, Kandinsky teve uma grande descoberta. Ele combinou suas próprias teorias sobre instinto, espiritualidade e cor com as teorias dos cubistas analíticos sobre planaridade e simplificação geométrica e criou o que a maioria dos historiadores hoje considera a primeira pintura puramente abstrata: Sem título (Primeira aquarela abstrata).

Jean Metzinger - Hora do Chá, 1911, Óleo sobre papelão, 75,9 x 70,2 cm, Museu de Arte da Filadélfia, Coleção Louise e Walter Arensberg, 1950, Filadélfia

Múltiplas simultaneidades contemporâneas

É engraçado hoje imaginar a comoção causada pela Sem título (Primeira aquarela abstrata) de Kandinsky e pelas pinturas cubistas analíticas de Picasso e Braque, e o sentimento que muitos pintores devem ter tido de que precisavam escolher um lado. Nos anos seguintes, uma série de outros pintores adotou o cubismo analítico e, junto com Picasso e Braque, continuaram a explorar a quarta dimensão em suas obras. Em alguns casos, suas pinturas tornaram-se cada vez mais simplificadas, demonstrando uma visão clara do que exatamente o cubismo analítico representava. Por exemplo, a pintura Hora do Chá de Jean Metzinger, que é considerada um exemplo particularmente direto, talvez bastante óbvio, da intenção do cubismo analítico. Ela demonstra a simultaneidade de forma eficaz, contando com um número limitado de diferentes perspectivas.

Outros cubistas analíticos criavam obras que iam na direção oposta, tornando-se mais densas e complexas, dificultando cada vez mais a identificação do tema. Um exemplo é o Acordeonista de Pablo Picasso, pintado em 1911. Embora Picasso não pretendesse que essa fosse uma pintura abstrata, muitos espectadores até hoje interpretam essa obra como abstrata simplesmente porque é difícil identificar o que está sendo representado; especialmente em vista de tantos outros pintores que intencionalmente buscavam fazer obras abstratas na mesma época.

Pablo Picasso Acordeonista, 1911, Óleo sobre tela, 130,2 x 89,5 cm, Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York, © 2017 Espólio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nova York

A intenção realmente importa?

Costuma-se dizer que, ao ler um poema, o efeito muda se você conhece pessoalmente o poeta. O mesmo pode ser dito facilmente sobre uma pintura, uma peça musical ou talvez qualquer obra de arte. Mesmo que os cubistas analíticos não tivessem a intenção de contribuir para o surgimento da arte puramente abstrata, o espectador casual que não os conhecia pessoalmente e que nada sabia da teoria por trás de seu trabalho, sem dúvida teve reações à obra que não tinham correlação com as intenções dos artistas.

Quer fosse sua intenção ou não, os cubistas analíticos ajudaram os abstracionistas puros ao preparar o público, incluindo críticos e historiadores, para aceitar experimentações com estrutura e perspectiva. Seu trabalho parecia não representacional, embora contivesse tema, então, além do que os cubistas analíticos pretendiam que os espectadores sentissem, eles também sentiam outras coisas, em um nível subconsciente. Essa contribuição de ajudar os espectadores a contextualizar reações emocionais subconscientes a imagens aparentemente não representacionais foi a contribuição mais vital que o cubismo analítico deu à evolução da abstração pura.

Sim, o cubismo analítico e a abstração pura eram forças opostas em termos de intenção. Mas ao desafiar o plano pictórico e distorcer a percepção pública da realidade representacional, o cubismo analítico complementou a abstração pura e ajudou-a a ganhar aceitação no meio público. Embora aparentemente opostos, esses dois modos radicalmente diferentes de abordar a arte contribuíram muito para o sucesso um do outro.

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio