Como o Cubismo Analítico Prefigurou a Abstração Pura

O que parecem ser forças opostas no mundo, na verdade, se complementam. Assim foi na virada do século XX entre duas grandes tendências simultâneas no mundo da arte: o cubismo analítico e a abstração pura. De um lado estavam os artistas associados ao cubismo analítico, nomes famosos como Pablo Picasso e Georges Braque, gênios dedicados a descobrir uma maneira conceitualmente hiper-realista de fazer arte. Do outro lado estavam os artistas associados à abstração pura; pessoas como Wassily Kandinsky, que se dedicavam a descobrir uma arte completamente não representacional. Embora aparentemente diametralmente opostos, essas duas abordagens diferentes para a criação artística estavam inextricavelmente ligadas. Ao desmembrar a realidade objetiva para apresentá-la de forma mais completa, os cubistas analíticos ajudaram a abstração pura a encontrar sua voz.

O que foi o Cubismo Analítico?

Quando críticos de arte e historiadores da arte falam sobre o cubismo analítico, estão se referindo a uma tendência na pintura que surgiu entre 1908 e 1912. Antes desse período, as pinturas eram vistas como bidimensionais (se faltassem profundidade) ou tridimensionais (se tivessem uma sensação de profundidade através de técnicas como sombreamento). Durante esse tempo, um pequeno grupo de artistas liderado por Pablo Picasso e Georges Braque se envolveu em experimentos estéticos revolucionários destinados a levar a pintura para a quarta dimensão.

As antigas maneiras de pintar dependiam de um artista trabalhando a partir de uma única perspectiva. Embora isso fosse adequado para mostrar uma imagem momentânea de um sujeito, não alcançava o que Picasso considerava ser a realidade, que era percebida a partir de múltiplas perspectivas ao mesmo tempo. Para alcançar uma sensação de movimento e passagem do tempo (a 4ª dimensão), Picasso e seu colega Braque abandonaram o uso da única perspectiva. O argumento deles era que na vida real percebemos objetos de uma infinidade de perspectivas diferentes. Vemos algo de diferentes pontos de vista em diferentes momentos do dia, em diferentes iluminações, às vezes em movimento e às vezes parado. Seus experimentos se esforçaram para mostrar seu assunto dessa maneira mais realista, a partir de uma infinidade de pontos de vista ao mesmo tempo.

Pablo Picasso - Retrato de Ambroise Vollard, 1910, Óleo sobre tela. 93 x 66 cm, Museu Estatal de Belas Artes Pushkin, Moscovo, © 2017 Espólio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Simultaneidade

A palavra deles para esse tipo de pintura de múltiplas perspectivas era simultaneidade. Eles pintavam partes de seu assunto a partir de diferentes pontos de vista e em diferentes iluminações e em diferentes horários do dia e, em seguida, combinavam essas partes em um único plano, mostrando todos os diferentes pontos de vista ao mesmo tempo e sem dar preferência especial a nenhum deles. Para intensificar esse efeito, mantinham sua paleta de cores simples e evitavam sombreamento ou qualquer outra técnica que adicionasse profundidade à imagem. O resultado era uma imagem achatada, de múltiplas visões, aparentemente composta de formas geométricas simplificadas.

Para um observador casual, uma pintura cubista analítica pode parecer abstrata. Mas o verdadeiro cubismo analítico não era abstração; era, na verdade, uma forma de realismo elevado. O resultado dos experimentos de Picasso e Braque foi, em sua mente, uma representação mais realista de seu assunto, pelo menos de um ponto de vista conceitual, se não literal. Um dos primeiros exemplos do que agora chamamos de cubismo analítico é o Retrato de Ambroise Vollard de Picasso, pintado em 1909. Nele, podemos ver claramente que o assunto é destinado a ser representacional, enquanto os diferentes pontos de vista, diferentes iluminações e diferentes planos nos dão uma sensação de movimento e simultaneidade que intensificam nossa compreensão da presença do sujeito.

Wassily Kandinsky - A Vaca, 1910, Óleo sobre tela, 95,5 cm x 105 cm

Enquanto isso em Munique

No mesmo ano em que Picasso pintou seu Retrato de Ambroise Vollard em Paris, Wassily Kandinsky, o artista que logo seria creditado com a invenção da abstração pura, estava na Alemanha conduzindo seus próprios experimentos estéticos. Kandinsky também estava trabalhando com a ideia de planitude e simplificação do vocabulário estético, mas por razões diferentes das de Picasso e Braque. Kandinsky estava em uma missão para criar pinturas completamente abstratas. Ele acreditava que, assim como na música instrumental, a arte visual poderia ter a capacidade de comunicar emoções mais profundas e talvez um senso de espiritualidade ao se comunicar em um nível puramente abstrato.

As experiências de Kandinsky foram uma extensão e culminação de muitas tendências diferentes que estavam ocorrendo na arte desde meados do século XIX. Ele estava desconstruindo a pintura em seus elementos essenciais, como cor, linha e forma, e aprendendo o que cada um desses elementos poderia comunicar por si só. Ele acreditava que esses elementos poderiam ser comparados a diferentes notas musicais, tonalidades ou tempos no sentido do efeito que poderiam ter na psique humana. Um exemplo do trabalho de Kandinsky dessa época é sua pintura A Vaca, que, embora claramente representacional, alcança um achatamento do espaço e uma desconstrução radical dos elementos estéticos da imagem.

Wassily Kandinsky - Sem Título (Primeira Aquarela Abstrata), 1910, Aquarela e tinta indiana e lápis sobre papel, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris, França

Mundos Combinados

Então, na França, Picasso e Braque estavam achatando suas imagens e reduzindo seu vocabulário estético, para que pudessem retratar efetivamente seu sujeito de uma maneira simplificada a partir de diferentes pontos de vista. E na Alemanha, Kandinsky também estava lutando pela planicidade e bidimensionalidade, e também estava simplificando suas imagens, mas por um motivo diferente. Em vez de usar formas geométricas para aprimorar a compreensão do espectador sobre o assunto de uma pintura, Kandinsky e outros de sua mentalidade exploravam quais significados poderiam ser extraídos de formas geométricas se usadas independentemente de assuntos representativos.

Alguém que não estava ciente do propósito dos diferentes experimentos dos artistas poderia ver uma ou outra de suas pinturas e sair com um conceito muito diferente do que realmente foi pretendido. Mas essas duas escolas de pensamento eram, no entanto, bastante opostas em sua intenção. No mesmo ano em que pintou A Vaca, Kandinsky teve um avanço. Ele combinou suas próprias teorias sobre instinto, espiritualidade e cor com as teorias dos cubistas analíticos sobre planicidade e simplificação geométrica e criou o que a maioria dos historiadores agora considera a primeira pintura puramente abstrata: Sem Título (Primeira Aquarela Abstrata).

Jean Metzinger - Hora do Chá, 1911, Óleo sobre papelão, 75,9 x 70,2 cm, Museu de Arte da Filadélfia, Coleção Louise e Walter Arensberg, 1950, Filadélfia

Múltiplas Simultaneidades Contemporâneas

É engraçado hoje imaginar a agitação causada pela Sem Título (Primeira Aquarela Abstrata) de Kandinsky e pelas pinturas cubistas analíticas de Picasso e Braque, e a sensação que muitos pintores devem ter tido de que precisavam tomar partido. Nos próximos anos, uma série de outros pintores adotou o cubismo analítico e, junto com Picasso e Braque, continuou a explorar a quarta dimensão em suas obras. Em alguns casos, suas pinturas se tornaram cada vez mais simplificadas, demonstrando uma visão clara do que o cubismo analítico realmente significava. Por exemplo, a pintura Hora do Chá de Jean Metzinger, que é considerada um exemplo particularmente direto, talvez até óbvio, da intenção do cubismo analítico. Ela demonstra a simultaneidade de forma eficaz, enquanto se baseia em um número limitado de diferentes perspectivas.

Outros cubistas analíticos estavam criando obras que seguiam na direção oposta, tornando-se mais densas e mais complexas, dificultando cada vez mais a identificação do assunto. Um exemplo é O Acordeonista de Pablo Picasso, pintado em 1911. Embora Picasso não tivesse a intenção de que esta fosse uma pintura abstrata, muitos espectadores até hoje interpretam essa obra de forma equivocada e a consideram abstrata simplesmente porque é difícil identificar o que está sendo representado; especialmente à luz de tantos outros pintores que intencionalmente tentavam criar obras abstratas ao mesmo tempo.

Pablo Picasso Accordionista, 1911, Óleo sobre tela, 130,2 x 89,5 cm, Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York, © 2017 Espólio de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nova York

A Intenção Realmente Importa?

"Frequentemente se observa que, ao ler um poema, o efeito muda se você conhece pessoalmente o poeta. O mesmo poderia ser facilmente dito sobre uma pintura, ou uma peça de música, ou talvez qualquer obra de arte. Embora os cubistas analíticos não tivessem a intenção de contribuir para a ascensão da arte puramente abstrata, o espectador casual que não os conhecia pessoalmente, e que nada sabia sobre a teoria por trás de seu trabalho, sem dúvida teve reações à obra que não tinham correlação com as intenções dos artistas."

Se foi ou não sua intenção, os cubistas analíticos ajudaram os abstracionistas puros ao preparar o público, incluindo críticos e historiadores, para aceitar a experimentação com estrutura e perspectiva. Seu trabalho parecia não representacional, embora contivesse, ainda assim, um conteúdo temático, então, além do que os cubistas analíticos pretendiam que os espectadores sentissem, eles também sentiram outras coisas, em um nível subconsciente. Essa contribuição de ajudar os espectadores a contextualizar reações emocionais subconscientes a imagens aparentemente não representacionais foi a contribuição mais vital que o cubismo analítico fez para a evolução da abstração pura.

Sim, o cubismo analítico e a abstração pura eram forças opostas em termos de intenção. Mas ao desafiar o plano pictórico e distorcer a percepção do público sobre a realidade representacional, o cubismo analítico complementou a abstração pura e ajudou a ganhar aceitação no domínio público. Embora aparentemente opostos, essas duas maneiras radicalmente diferentes de abordar a arte contribuíram muito para o sucesso uma da outra.

Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park