Mark Rothko: O Mestre da Cor em Busca do Drama Humano

Um dos principais protagonistas do Expressionismo Abstrato e da pintura de campo de cor, Mark Rothko (1903 – 1970) foi um dos pintores mais influentes do século XX, cujas obras falavam profundamente, e ainda falam, à condição humana. Reconhecido como um mestre da cor, as pinturas de Rothko estavam longe de serem meras explorações de elementos pictóricos puros. Apesar de inúmeras interpretações baseadas nas qualidades formais de seu trabalho, o artista embarcou em uma jornada para cativar o espectador, investigar a emoção e instigar uma experiência dentro de uma tela através de pigmento rico, campos de cor e as relações que os matizes estabelecem, evocando uma conexão profundamente humana com a obra de arte que muitas vezes escapa à razão e dificulta a explicação.

Predominantemente um autodidata e um fora do comum, Mark Rothko foi um homem e um artista de uma mente complexa, oposta a rótulos, confrontando o epíteto de "colorista" em particular, e um pintor em constante busca para retratar a precariedade do drama humano. Ao longo de sua carreira, o pintor nunca adotou uma mentalidade de grupo, criando um corpo de trabalho único que seguiu sua própria trajetória, informada pela tragédia da condição humana. Desde suas primeiras obras figurativas e os revolucionários multiformes até a icônica Capela Rothko e a série Preto e Cinza, o trabalho de Rothko é frequentemente interpretado através de uma lógica evolutiva, manifestando uma trajetória que reflete sua vida.

Rastreando a obra do artista, a exposição inovadora em andamento Mark Rothko na Fundação Louis Vuitton em Paris reexamina cronologicamente o papel da cor, demonstrando que sua purgação foi uma ilusão. Imbuídas de tons de ameixa e bordô, as telas escuras do pintor desencantam a ilusão, como também mostrado por uma série de obras do final da década de 1960. "Não estou interessado em cor. É a luz que busco," Rothko comentou uma vez, tecendo um fio comum entre todas as suas pinturas, revelando a verdadeira função dos matizes.

De Rotkovich a Rothko

Sinônimo da pintura de campo de cor e entre os pioneiros da arte abstrata, Mark Rothko nasceu em 25 de setembro de 1903, em uma família de judeus liberais como Marcus Yakovlevich Rotkovich, adotando o nome anglicizado mundialmente famoso muito mais tarde. Em uma idade jovem, o artista foi forçado a fugir de sua terra natal, Dvinsk (atual Daugavpils, Letônia) e emigrou com sua família do Império Russo para os Estados Unidos em 1913. Embora tenha frequentado uma escola de base religiosa em seu país natal antes de concluir o Lincoln High School em Portland, Oregon, Rothko nunca foi particularmente religioso, nem a fé influenciou muito de seu trabalho.

No início da década de 1920, o pintor se matriculou em Yale com uma bolsa de estudos, que terminou após o primeiro ano, levando-o a abandonar os estudos e se mudar para Nova York em 1923, onde se juntou à Art Students League e começou a fazer aulas ministradas pelo artista cubista Max Weber. Na época, Nova York era um dos refúgios seguros para artistas europeus e um próspero centro criativo, reunindo expressionistas alemães, modernistas franceses e surrealistas, cujos trabalhos influenciaram muito o jovem Rothko, que ficou particularmente impressionado com Paul Klee e Georges Rouault.

Na década de 1930, o pintor conheceu artistas como Adolph Gottlieb, Barnett Newman, e John Graham, aproximando-o do pintor Milton Avery, que se mostrou fundamental na escolha de Rothko de seguir uma carreira artística. Embora inicialmente sob a influência de Avery, Rothko começou a se distanciar lentamente do estilo dos outros, o que se tornou evidente em sua primeira exposição individual na Costa Leste na Contemporary Arts Gallery em Nova York em 1933. Apenas dois anos depois, o pintor formou The Ten, um grupo independente de artistas que incluía Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Yankel Kufeld, Louis Schanker, Joseph Solman e Nahum Tschacbasov, transformando-se de Marcus Rotkovich em Mark Rothko.

Mark Rothko - Preto sobre Marron, 1958. Óleo sobre tela. 266,7 x 365,7 cm. Tate, Londres. Apresentado pelo artista através da American Foundation of Arts, 1969. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

Independentemente da era ou dos elementos estilísticos, Mark Rothko parece ter gradualmente libertado um interesse em retratar a tragédia da existência humana epitomizada pela cor. Sua primeira exposição individual em Nova York apresentou principalmente retratos e cenas urbanas, anunciando uma lógica pictórica liderada por campos e matizes de cor. O período de transição do artista (1940-1950) ainda se apoiava na figuração, mas durante esse tempo, Rothko começou a incorporar referências mitológicas e elementos surrealistas, influenciado tanto por colegas artistas quanto pelos pioneiros da psicologia moderna, Sigmund Freud e Carl Jung. As pinturas de Rothko, como O Presságio da Águia (1942), faziam parte da intenção de criar um "mito contemporâneo", funcionando como um precursor do Expressionismo Abstrato.

Limpas de quaisquer elementos ou referências figurativas, Rothko começou a pintar seus famosos Multiformes em 1946. A composição das obras abstratas foi totalmente reduzida a campos retangulares de cor sobrepostos, explorando as sensações emocionais, psicológicas e visuais que a infiltração de diferentes matizes e tons poderia induzir. "Uma pintura não é uma imagem de uma experiência. É uma Experiência," resumiu Rothko, elucidando a importância da escala e o abandono da moldura como críticos, assim como os matizes, tons e a vivacidade da cor em sua missão de construir uma experiência multissensorial em vez de apenas uma pintura.

Mark Rothko - No. 14, 1960. Óleo sobre tela. 290,83 cm x 268,29 cm. Museu de Arte Moderna de São Francisco - Compra do Fundo Helen Crocker Russell. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

Uma Experiência Imersiva e Intimista

A intenção de Rothko de imergir o espectador em suas obras foi realizada em várias comissões e projetos, incluindo os famosos Murais Seagram (1956-1958), criados em harmonia com a arquitetura. Embora concebidos para o Edifício Seagram de Mies van der Rohe, as nove telas encontraram seu lar na Tate, compondo a espetacular Sala Rothko. Nos Murais Seagram, a paleta de Rothko escureceu; os campos de cor marrom, bordô, vinho e vermelho se misturaram uns aos outros, e sua composição mudou para placas horizontais e verticais insinuando formas arquitetônicas, portas e janelas sangrando para o fundo. A primeira convergência de Rothko com a arquitetura foi uma comissão para a Coleção Philips em Washington D.C., seguida pelos Murais de Harvard, e culminando com a Capela Rothko em Houston, Texas. Antes de seu suicídio em 1970, Mark Rothko estava trabalhando na série Preto e Cinza, sugerindo uma ligação com o Minimalismo de acordo com algumas das interpretações recentes.

Durante uma lacuna crítica em sua prática de pintura, Rothko dedicou-se a escrever um livro para elucidar sua visão pictórica. Publicado postumamente em 2004, A Realidade do Artista oferece um precioso vislumbre da mente e da alma de um dos artistas mais proeminentes do século XX, cujas pinturas continuam a encantar por seus mistérios. Embora ler Rothko forneça a chave para desvendar os segredos de suas pinturas, isso nunca pode substituir o reflexo íntimo, emocional e inexplicável que sentimos ao nos depararmos com uma, se ousarmos seguir o convite de Rothko: "Para nós, a arte é uma aventura em um mundo desconhecido, que só pode ser explorado por aqueles dispostos a correr os riscos."

Imagem em destaque: Rothko na Fundação Louis Vuitton, © Ideelart