Mark Rothko: O Mestre da Cor em Busca do Drama Humano

Um protagonista fundamental do Expressionismo Abstrato e da pintura de campo de cor, Mark Rothko (1903 – 1970) foi um dos pintores mais influentes do século XX cujas obras falaram profundamente, e ainda falam, sobre a condição humana. Reconhecido como mestre da cor, as pinturas de Rothko estavam longe de serem meras explorações dos elementos pictóricos puros. Apesar das inúmeras interpretações baseadas nas qualidades formais de seu trabalho, o artista embarcou numa jornada para cativar o espectador, investigar a emoção e provocar uma experiência dentro da tela por meio de pigmentos ricos, campos de cor e as relações que os tons estabelecem, evocando uma conexão profundamente humana com a obra que frequentemente escapa à razão e dificulta explicações.

Predominantemente autodidata e, de certa forma, um excluído, Mark Rothko foi um homem e artista de mente complexa, que rejeitava rótulos, confrontando especialmente o epíteto de “colorista”, e um pintor em constante busca para retratar a precariedade do drama humano. Ao longo de sua carreira, o pintor nunca adotou uma mentalidade de grupo, criando um corpo de trabalho único que seguiu sua própria trajetória, informado pela tragédia da condição humana. Desde suas primeiras obras figurativas e os revolucionários multiformes até a icônica Capela Rothko e a série Preto e Cinza, o trabalho de Rothko é frequentemente interpretado por uma lógica evolutiva, manifestando uma trajetória que espelha sua vida.

Traçando a obra do artista, a exposição inovadora em curso Mark Rothko na Fundação Louis Vuitton em Paris reexamina cronologicamente o papel da cor, demonstrando que sua purgação foi uma ilusão. Imbuídas de tons ameixa e bordô, as telas escuras do pintor desiludem essa ilusão, como também mostra uma série de obras do final dos anos 1960. “Não me interesso pela cor. É a luz que busco,” Rothko certa vez comentou, tecendo um fio comum entre todas as suas pinturas, revelando a verdadeira função dos tons.

De Rotkovich a Rothko

Sinônimo da pintura de campo de cor e entre os pioneiros da arte abstrata, Mark Rothko nasceu em 25 de setembro de 1903, numa família de judeus liberais como Marcus Yakovlevich Rotkovich, adotando o nome anglicizado mundialmente famoso muito mais tarde. Ainda jovem, o artista foi forçado a fugir de sua cidade natal Dvinsk (atual Daugavpils, Letônia) e emigrou com sua família do Império Russo para os Estados Unidos em 1913. Embora tenha frequentado uma escola religiosa em seu país antes de concluir o ensino médio na Lincoln High School em Portland, Oregon, Rothko nunca foi particularmente religioso, nem a fé influenciou muito seu trabalho.

No início dos anos 1920, o pintor ingressou na Universidade Yale com uma bolsa de estudos, que terminou após o primeiro ano, levando-o a abandonar os estudos e mudar-se para Nova York em 1923, onde entrou para a Art Students League e começou a fazer aulas com o artista cubista Max Weber. Na época, Nova York era um dos refúgios seguros para artistas europeus e um polo criativo florescente, reunindo expressionistas alemães, modernistas franceses e surrealistas, cujo trabalho influenciou muito o jovem Rothko, que ficou particularmente impressionado por Paul Klee e Georges Rouault.

Na década de 1930, o pintor conheceu artistas como Adolph Gottlieb, Barnett Newman, e John Graham, aproximando-se do pintor Milton Avery, que foi fundamental na escolha de Rothko por seguir carreira artística. Embora inicialmente sob a influência de Avery, Rothko começou a se distanciar lentamente do estilo dos outros, o que ficou evidente em sua primeira exposição individual na Costa Leste na Contemporary Arts Gallery em Nova York, em 1933. Apenas dois anos depois, o pintor formou The Ten, um grupo independente de artistas que incluía Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Yankel Kufeld, Louis Schanker, Joseph Solman e Nahum Tschacbasov, transformando-se de Marcus Rotkovich em Mark Rothko.

Mark Rothko - Preto sobre Bordô, 1958. Óleo sobre tela. 266,7 x 365,7 cm. Tate, Londres. Apresentado pelo artista através da American Foundation of Arts, 1969. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

Independentemente da época ou dos elementos estilísticos, Mark Rothko parece ter gradualmente libertado um interesse em retratar a tragédia da existência humana personificada pela cor. Sua primeira exposição individual em Nova York apresentou principalmente retratos e cenas urbanas, anunciando uma lógica pictórica guiada por campos e tons de cor. O período de transição do artista (1940-1950) ainda se apoiava na figuração, mas durante esse tempo Rothko começou a incorporar referências mitológicas e elementos surrealistas, influenciado tanto por colegas artistas quanto pelos pioneiros da psicologia moderna, Sigmund Freud e Carl Jung. As pinturas de Rothko, como O Presságio da Águia (1942), faziam parte da intenção de criar um “mito contemporâneo”, funcionando como precursor do Expressionismo Abstrato.

Livres de quaisquer elementos ou referências figurativas, Rothko começou a pintar seus famosos Multiformes em 1946. A composição das obras abstratas foi inteiramente reduzida a campos retangulares sobrepostos de cor, explorando as sensações emocionais, psicológicas e visuais que a fusão de diferentes tons e matizes poderia induzir. “Uma pintura não é uma imagem de uma experiência. É uma Experiência,” resumiu Rothko, elucidando a importância da escala e do abandono da moldura tão cruciais quanto os tons, matizes e a vivacidade da cor em sua missão de construir uma experiência multissensorial e não apenas uma pintura.

Mark Rothko - Nº 14, 1960. Óleo sobre tela. 290,83 cm x 268,29 cm. Museu de Arte Moderna de São Francisco - aquisição pelo Fundo Helen Crocker Russell. © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp, Paris, 2023

Uma Experiência Imersiva e Íntima

A intenção de Rothko de imergir o espectador em suas obras foi realizada em várias encomendas e projetos, incluindo os famosos Murais Seagram (1956-1958), criados em harmonia com a arquitetura. Embora concebidos para o Edifício Seagram de Mies van Der Rohe, as nove telas encontraram seu lar na Tate, compondo o espetacular Quarto Rothko. Nos Murais Seagram, a paleta de Rothko escureceu; os campos de cor marrom, bordô, vinho e vermelho se fundiam uns nos outros, e sua composição mudou para placas horizontais e verticais insinuando formas arquitetônicas, portas e janelas que se misturavam ao fundo. A primeira convergência de Rothko com a arquitetura foi uma encomenda para a Coleção Philips em Washington D.C., seguida pelos Murais Harvard, culminando com a Capela Rothko em Houston, Texas. Antes de seu suicídio em 1970, Mark Rothko trabalhava na série Preto e Cinza, sugerindo uma ligação com o Minimalismo segundo algumas interpretações recentes.

Durante um período crítico em sua prática pictórica, Rothko dedicou-se a escrever um livro para esclarecer sua visão da pintura. Publicado postumamente em 2004, A Realidade do Artista oferece um precioso vislumbre da mente e alma de um dos artistas mais proeminentes do século XX cujas pinturas continuam a encantar por seus mistérios. Embora a leitura de Rothko forneça a chave para desvendar os segredos de suas pinturas, nunca pode substituir o reflexo íntimo, emocional e inexplicável que sentimos ao nos depararmos com uma delas, se ousarmos seguir o convite de Rothko: “Para nós, a arte é uma aventura em um mundo desconhecido, que só pode ser explorado por aqueles dispostos a correr riscos.”

Por Francis Berthomier

Imagem em destaque: Rothko na Fundação Louis Vuitton, © Ideelart