Capturando a Transitoriedade do Tempo - A Fotografia de Hiroshi Sugimoto

Exposições duplas em andamento até 22 de dezembro nas localidades de Paris e Londres da Marian Goodman Gallery exploram o trabalho de Hiroshi Sugimoto, aclamado fotógrafo, escultor e artista conceitual, cujo trabalho aborda os mistérios da percepção humana. A exposição de Londres, intitulada Snow White, foca em um corpo de fotografias que Sugimoto vem trabalhando desde 1978, chamado sua série Theater. Cada fotografia da série mostra um cinema com a tela no centro da imagem. A tela brilha intensamente, como uma luz prateada. Para tirar essas fotos, Sugimoto monta uma câmera de grande formato, abre o obturador e mantém o obturador aberto durante todo o filme, capturando cada quadro do filme em um único quadro de filme. As fotografias capturam a passagem do tempo e levantam questões sobre o que é real e o que é ficção. Enquanto isso, a exposição de Paris, intitulada Surface Tension, foca em outros dois corpos de trabalho que Sugimoto vem desenvolvendo. O primeiro é sua série Seascape, que ele vem desenvolvendo desde 1980. Para esta série, Sugimoto tira fotos de mares calmos ao redor do mundo. Cada foto é perfeitamente equilibrada—metade água e metade ar, com a linha do horizonte no meio da imagem. E em exibição ao lado das fotos da série Seascape estão cinco obras escultóricas de uma série chamada Five Elements. Essas esculturas consistem em cinco formas geométricas, simbolizando terra, água, fogo, ar e vazio. Cada escultura apresenta um orbe, simbolizando água, e cada orbe contém uma fotografia da série Seascape. Ambas as exposições são imperdíveis. Mas, como acontece com muitas exposições de Sugimoto, elas apenas arranham a superfície da vasta obra que este artista criou. Portanto, se você não está familiarizado com seu trabalho, aqui estão mais alguns dos muitos lados de Hiroshi Sugimoto.

Veja como uma câmera

Hiroshi Sugimoto nasceu em Tóquio em 1948. Ele aprendeu a tirar fotos quando criança, mas não considerou a fotografia como uma carreira até muito mais tarde. Ele estudou economia na Universidade St. Paul’s no Japão. Mas então, quatro anos após se formar, Sugimoto se mudou para Los Angeles e se matriculou em cursos de pós-graduação no Art Center College of Design. E naquele mesmo ano, ele teve uma revelação sobre o potencial artístico da fotografia para revelar verdades ocultas sobre o mundo. Sua revelação ocorreu em uma viagem a Nova York, durante a qual ele visitou o Museu Americano de História Natural. O museu é bem conhecido por seus dioramas, nos quais modelos em tamanho real de pessoas e animais ao longo da história são apresentados em meio a artefatos de seu período. No fundo de cada diorama há uma fotografia ou uma pintura da natureza, adicionando um elemento bidimensional à cena que é obviamente falso e geralmente um pouco brega.

Enquanto olhava para um desses dioramas, Sugimoto fechou um olho aleatoriamente. Isso o fez perceber de repente que, ao olhar para algo com apenas um olho, ele achatava toda a cena, fazendo-a parecer exatamente como se fosse fotografada com uma lente de câmera. Olhar para o diorama dessa maneira fez com que tudo parecesse mais realista. Então, Sugimoto voltou ao museu com sua câmera e tirou fotografias em preto e branco dos dioramas. Incrivelmente, as fotografias achatavam todos os elementos dos dioramas, não apenas o fundo, e as cenas adquiriram uma estranha realidade. Sua série Diorama se tornou a primeira de muitos corpos de trabalho que ele desde então perseguiu, envolvendo a re-fotografia de algo ou a captura de fotografias de algo que é falso, como figuras em museus de cera. Quando perguntadoem uma entrevista de 2014 com o Diretor do Museu Getty, Timothy Potts sobre sua fascinação por esse processo, Sugimoto disse: “A fotografia é uma cópia da realidade, mas quando é fotografada duas vezes, volta à realidade novamente. Essa é a minha teoria.”

Hiroshi Sugimoto - Kegon Waterfall, 1976, Gelatin silver print, Neg. #00.001, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20200)

O Que Você Está Olhando

Sugimoto seguiu sua série Diorama com suas primeiras fotografias de Teatro. Assim como a série Diorama, a série Teatro levantou a questão se o que é visível na fotografia é real. Se assistimos a um filme de Hollywood, sabemos que não estamos assistindo a algo que realmente aconteceu. É roteirizado, então é falso, certo? E ainda assim, essas fotografias que Sugimoto tira, que contêm as informações visuais de filmes inteiros, capturam algo que realmente aconteceu— a exibição do filme. As fotografias capturam a realidade, um fato enfatizado nas versões Drive-In Theater da série, que capturam rastros de luz no céu atrás da tela enquanto aviões passam durante o filme. Então, o que estamos olhando é real ou falso? A luz brilhante e prateada no centro da imagem não é apenas luz— é uma história. E mesmo que tenha sido roteirizada, realmente aconteceu. Como Sugimoto aponta, de alguma forma fotografá-la duas vezes a torna real novamente.

Após iniciar sua série Theater, Sugimoto embarcou em sua série Seascape. As imagens desta série são, formalmente falando, geométricas e abstratas. Quando vistas em grupos, as imagens também assumem uma presença tipológica na tradição de Bernd e Hilla Becher. Embora estas não sejam imagens de imagens, como eram as imagens em suas séries anteriores Diorama e Theater, elas, no entanto, desempenham uma função semelhante. Sugimoto nos mostra imagens de coisas diferentes que parecem iguais. Ele as mostra como aparecem em diferentes horários do dia e em diferentes condições atmosféricas. Elas são obviamente diferentes. Mas também são obviamente as mesmas. O ar e a água são apenas parte do mundo físico. Mas eles também assumem uma qualidade abstrata. O mar se torna um símbolo. E podemos novamente perguntar o que estamos olhando. Estas são imagens do mundo real ou se dissolveram em alegoria ou metáfora?

Hiroshi Sugimoto - N. Pacific Ocean, Ohkurosaki, 2013, Gelatin silver print, Neg. #582, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20192)

Imagens do Mundo

Sugimoto chama esse fenômeno do real se dissolvendo no irreal, e vice-versa, em seu trabalho, “um método de teste para investigar a percepção humana”. E ele continuou esse método de teste de várias maneiras fascinantes ao longo das décadas. Na década de 1990, ele voltou ao Japão e, após enfrentar sete anos de burocracia, foi autorizado a fotografar uma instalação antiga dentro de um templo budista chamada “Bodhisattva Avalokitesvara, o Misericordioso de Mil Braços.” A instalação apresenta uma representação escultórica multitudinária do Buda como a manifestação física da vida após a morte. Sugimoto fotografou a instalação em diferentes momentos do dia, mostrando sombras e luz iluminando diferentes elementos em diferentes horários. A série resultante, Mar de Buda, é uma investigação abstrata de forma e tempo.

Na sua série Arquitetura, também iniciada na década de 1990, Sugimoto captura imagens completamente desfocadas de formas arquitetônicas icônicas, como as torres do World Trade Center e a Torre Eiffel. Enquanto isso, para sua série “Elogio da Sombra”, ele acende uma vela todas as noites perto de uma janela aberta e faz uma única exposição dela queimando com o obturador aberto em sua câmera o tempo todo até que a vela se apague ou se apague. Em sua série Árvores de Pinheiro, ele tirou imagens desfocadas de pinheiros perfeitos no Palácio Imperial Japonês e depois as colou em composições surreais comparáveis aos Shorinzu “Painéis de Floresta de Pinheiros” do século XVI. Todas essas séries mostram o mundo real de uma maneira desfocada e onírica. Todas elas apresentam longas exposições. Elas nos levam de volta no tempo e nos permitem conectar com visões antigas e universais de arquitetura, luz e natureza. Elas nos ajudam a ver essas coisas como memórias e ideias.

Hiroshi Sugimoto - Salle 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013, Gelatin silver print, Neg. #279, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20218)

O Mundo em Preto e Branco

Além de cada um desses corpos de trabalho já mencionados, Sugimoto também tem várias outras séries nas quais está trabalhando, cada uma das quais abrange anos, senão décadas. Além de seu trabalho fotográfico, ele também cria esculturas, participa de performances e cria obras específicas para o local. Todas essas coisas que ele faz parecem diferentes e possivelmente desconectadas, mas em seu cerne, todas podem ser compreendidas com o mesmo raciocínio que Sugimoto usa ao responder à pergunta de por que ele frequentemente escolhe tirar fotografias em preto e branco. Sua resposta a essa pergunta é: “A credibilidade é melhor em preto e branco do que em cores."

Fotografias coloridas nunca capturam nossa verdadeira experiência de cor. Assim, ao escolher o preto e branco, ele cria imagens que são mais abstratas e mais universais. Essa é uma variação do conceito japonês de honka-dori, ou imitar o trabalho de outro artista. Sugimoto está representando o que já existe em várias formas, mas uma cópia perfeita não é possível, e também não é preferível. Assim, ele nos mostra a realidade em forma abstrata. Ele está fazendo referência às nossas memórias e ao nosso passado comum. Ele está, como ele mesmo diz, “assumindo a melodia” como uma forma de evocar algo semelhante e universal que, esperançosamente, todos possam entender.

Hiroshi Sugimoto - Tasman Sea, Rocky Cape, 2016, Gelatin silver print, Neg. #584, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20193)

Imagem em destaque: Hiroshi Sugimoto - Paramount Theater, Newark, 2015 Impressão em gelatina e prata, Neg. #36.002, Imagem: 47 x 58 3/4 pol. (119,4 x 149,2 cm), Moldura: 60 11/16 x 71 3/4 pol., (154,2 x 182,2 cm), Edição de 5, (20220)

Todas as imagens © Hiroshi Sugimoto, Cortesia do artista e da Marian Goodman Gallery

Por Phillip Park