Charlotte Park, Uma Artista Abstrata Para Conhecer

Encontro coisas familiares na obra de Charlotte Park. Vejo em suas pinturas uma ansiedade e busca quase ilimitadas, substituídas em certos momentos por uma quietude ou imobilidade, mas sempre confiantes. Park não é uma artista particularmente conhecida hoje, embora seus associados mais próximos estejam entre os artistas mais famosos do século passado. Ela foi casada com James Brooks, cujo trabalho está na Tate, MoMA e no Smithsonian, entre outras coleções institucionais. Park e Brooks moravam ao lado de Jackson Pollock e Lee Krasner na cidade de Nova York. Quando Pollock e Krasner se mudaram para os Hamptons, Park e Brooks assumiram seu apartamento, depois os seguiram para Long Island. Apesar de estar socialmente cercada por dezenas de outros pintores talentosos, Park desenvolveu uma voz visual singular que para mim é instantaneamente relacionável. Talvez ela seja relativamente desconhecida hoje em comparação com seus contemporâneos porque todos eles estavam alegremente associados ao Expressionismo Abstrato. Embora muitos escritores e comerciantes de arte contemporânea tenham feito tentativas explícitas de “redescobrir” Park e de forçar sua obra naquele mesmo contexto histórico, não sinto inclinação para escrever sobre Park como parte desse movimento, ou tendência, ou fenômeno, ou seja lá o que tenha sido ou seja. Park me parece ter estado em uma jornada artística pessoal, que seguiu uma evolução única. Ao contrário de muitos de seus pares, que alcançaram sucesso crítico e depois se cristalizaram, Park atingiu seu auge tardiamente na carreira, como um sábio que finalmente chega ao topo de uma montanha, vendo tudo, finalmente, na menor coisa. Enquanto o Expressionismo Abstrato sempre me pareceu tratar de uma espécie de “eu”, Park criou um corpo de trabalho que parece mais sobre o “todo”. Suas pinturas não apenas mapeiam sua individualidade, mas sua humanidade — sua evolução de buscadora para a paz interior.

Uma Figura em Isolamento

Nascida em Concord, Massachusetts, em 1918, Park formou-se em arte pela Yale em 1939. Trabalhou para o Escritório de Serviços Estratégicos (OSS), que depois se tornou a CIA, durante a Segunda Guerra Mundial, e depois mudou-se para Nova York com Brooks após a guerra. No pós-guerra em Manhattan, ela e Brooks se encontraram no meio de uma das vanguardas artísticas mais vibrantes do mundo. No entanto, o único aspecto dessa cena que parece ter permeado o trabalho que Park fez naquela época é o foco na abstração. Suas pinturas revelam pouco interesse nas principais preocupações de seus contemporâneos, como o subconsciente, o desenho automático, o transcendentalismo ou a criação de mitos. Park não parece ter se visto, como Pollock, como a natureza encarnada. Ela pintava como uma artista interessada em fazer perguntas fundamentais sobre o que é a pintura e se ela é realmente adequada para expressar a totalidade da experiência humana.

Charlotte Park - O Sol, 1950. Óleo sobre papel montado em tela. 45,7 x 61 cm. © Berry Campbell Gallery

Pinturas iniciais como “Máscara” (1950), “O Sol” (1950) e “Partida” (1955) sugerem alguém que aparentemente tenta pintar multidões — formas biomórficas agrupadas, presas em um jogo de empurrar e puxar. As formas em si nessas pinturas não são realmente o assunto. É, na verdade, as relações entre elas e seu ambiente que parecem importantes. Em uma série extensa de pinturas predominantemente negras que ela começou a fazer nos anos 1950, Park parecia tentar rasgar realidades plásticas para descobrir algo por trás da superfície. Raiva e frustração parecem embutidas nesses explosões visuais ásperas. Emoção, alegoria e metáfora tentam se expressar, mas as pinturas parecem quase inadequadas para carregar suas mensagens. A única declaração que essas pinturas conseguem fazer repetidamente é que quem as pintou se sente sozinho.

Charlotte Park - Sem título, 1985. Acrílico sobre papel. 28,6 x 28,6 cm. © Fundação James Brooks e Charlotte Park. Cortesia Berry Campbell Gallery

Encontrando a Grade

Alguns escritores resistem ao chamado para contar histórias, por mais estranho que isso possa parecer. Eles simplesmente querem escrever, sem estrutura, sem expectativas. A história pode ser uma gaiola que rouba do escritor muitas liberdades criativas. Alguns pintores sentem o mesmo em relação à grade. Ter que criar as chamadas composições que aderem a formatos visuais existentes é uma fonte de frustração real para um artista que só quer pintar. A ansiedade presente em seu trabalho durante a maior parte de sua carreira sugere que Park estava intimamente familiarizada com essa luta. Durante as décadas de 1950 e 60, e até o início dos anos 70, seu trabalho luta contra os limites da moldura, rejeitando a influência da grade, rejeitando noções tradicionais de harmonia e equilíbrio, e ignorando as noções da estratégia composicional “por toda parte” adotada por muitos de seus contemporâneos. Muitas das pinturas que ela fez nessa primeira metade da carreira não me parecem realmente pinturas — parecem lutas: lutas com o espaço; lutas com a luz; lutas com a materialidade; lutas com o que os polinésios chamam de mana: a energia que se acumula em todas as coisas.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acrílico sobre tela. 45,7 x 45,7 cm. © Berry Campbell Gallery

Park colocou energia em suas pinturas. Ela transferiu algo animado de si mesma, ou de si, para uma coisa inanimada, uma imagem. Essa luta chegou a um fim abrupto, no entanto, por volta de meados da década de 1970, quando Park fez uma incursão por um desvio estético inesperado — o de Piet Mondrian e a herança do Neoplasticismo. Pinturas como “Gerardia” (1975), “Hellebore” (1975-77) e “Pereshia” (1976-78) retomam exatamente onde a paleta de cores simplificada e a estrutura de grade neoplástica de Mondrian pararam. Exceto que Park faz tudo à mão livre, e com a mente livre. Sua fase de pintura em grade neoplástica foi breve, mas a ideia da grade permaneceu presente em seu trabalho pelo resto da carreira. É como se, em vez de lutar contra as limitações da moldura e o antilliberalismo da estrutura composicional, Park inesperadamente encontrasse alguma liberdade secreta em seu abraço a tais parâmetros. Suas pinturas sempre foram confiantes, mas a aparição tardia da grade nelas as tornou quietas e imóveis. Pessoalmente, me relaciono menos com essas pinturas pacíficas entre toda a sua obra, mas aposto que minha opinião não significaria nada para Park, já que ela foi uma artista rara que pintava principalmente para si mesma.

Imagem em destaque: Charlotte Park - Sem título, 1960. Óleo sobre tela. 86,4 x 86,4 cm. © Berry Campbell Gallery
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio