Charlotte Park, Uma Artista Abstrata Para Conhecer

Eu encontro coisas familiares no trabalho de Charlotte Park. Vejo em suas pinturas uma ansiedade e busca quase sem limites, substituídas em certos momentos por uma quietude ou tranquilidade, mas sempre confiante. Park não é uma artista particularmente conhecida hoje, embora seus associados mais próximos estejam entre os artistas mais famosos do século passado. Ela foi casada com James Brooks, cujo trabalho está na Tate, MoMA e no Smithsonian, entre outras coleções institucionais. Park e Brooks moravam ao lado de Jackson Pollock e Lee Krasner na cidade de Nova York. Quando Pollock e Krasner se mudaram para os Hamptons, Park e Brooks assumiram seu apartamento, e depois os seguiram para Long Island. Apesar de estar socialmente cercada por dezenas de outros pintores talentosos, Park desenvolveu uma voz visual singular que, para mim, é instantaneamente relacionável. Talvez ela seja relativamente desconhecida hoje em comparação com seus contemporâneos porque todos eles estavam alegremente associados ao Expressionismo Abstrato. Embora muitos escritores e comerciantes de arte contemporâneos tenham feito tentativas abertas de "redescobrir" Park e forçar seu trabalho a esse mesmo contexto histórico, não sinto nenhuma inclinação para escrever sobre Park como parte desse movimento, ou tendência, ou fenômeno, ou seja lá o que foi ou é. Park me parece ter estado em uma jornada artística pessoal, uma que seguiu uma evolução única. Ao contrário de muitos de seus colegas, que alcançaram sucesso crítico e depois se ossificaram, Park atingiu seu auge no final de sua carreira, como um sábio que finalmente chega ao topo de uma montanha, vendo tudo, finalmente, na menor coisa. Enquanto o Expressionismo Abstrato sempre me parece ser sobre uma espécie de "eu-mesmo", Park criou um corpo de trabalho que parece mais sobre "tudo-nós". Suas pinturas não apenas mapeiam sua individualidade, mas sua humanidade—sua evolução de buscadora para paz interior.

Uma Figura em Isolamento

Nascida em Concord, Massachusetts, em 1918, Park obteve seu diploma de arte em Yale em 1939. Ela trabalhou para o Office of Strategic Services (OSS), que mais tarde se tornou a CIA, durante a Segunda Guerra Mundial, e depois se mudou para Nova York com Brooks após a guerra. No Manhattan do pós-guerra, ela e Brooks se encontraram no meio de uma das vanguardas artísticas mais vibrantes do mundo. No entanto, o único aspecto daquela cena que parece ter permeado o trabalho que Park fez naquela época é o foco na abstração. Suas pinturas revelam pouco interesse nas principais preocupações de seus contemporâneos, como o subconsciente, o desenho automático, o transcendentalismo ou a criação de mitos. Park não parece ter se visto, como Pollock, como a natureza encarnada. Em vez disso, ela pintou como uma artista interessada em fazer perguntas fundamentais sobre o que é a pintura e se ela é realmente adequada para expressar a totalidade da experiência humana.

Charlotte Park - O Sol, 1950. Óleo sobre papel montado em tela. 18 x 24 pol. (45,7 x 61 cm). © Berry Campbell Gallery

Pinturas iniciais como “Masque” (1950), “The Sun” (1950) e “Departure” (1955) sugerem alguém que aparentemente está tentando pintar multidões—formas biomórficas apinhadas em um jogo de empurrar e puxar. As formas em si nessas pinturas não são realmente o assunto. É, na verdade, o relacionamento entre elas e seu ambiente que parece importante. Em uma série extensa de pinturas majoritariamente pretas que ela começou a fazer na década de 1950, Park parecia estar tentando rasgar realidades plásticas para descobrir algo por trás da superfície. Raiva e frustração parecem estar embutidas nessas explosões visuais ásperas. Emoção, alegoria e metáfora estão tentando se expressar, mas as pinturas parecem quase inadequadas para carregar suas mensagens. A única declaração que essas pinturas conseguem fazer repetidamente é que quem as pintou se sente sozinho.

Charlotte Park - Sem Título, 1985. Acrílico sobre papel. 28,6 x 28,6 cm. © James Brooks e Fundação Charlotte Park. Cortesia da Galeria Berry Campbell

Encontrando a grade

Alguns escritores resistem ao chamado de contar histórias, por mais estranho que isso possa parecer. Eles simplesmente querem escrever, sem estrutura, sem expectativas. A história pode ser uma jaula que rouba do escritor muitas liberdades criativas. Alguns pintores sentem o mesmo em relação à grade. Ter que criar as chamadas composições que aderem a formatos visuais existentes é uma fonte de verdadeira frustração para um artista que apenas quer pintar. A ansiedade presente em seu trabalho ao longo da maior parte de sua carreira sugere que Park estava intimamente familiarizada com essa luta. Ao longo das décadas de 1950 e 60, e até o início dos anos 70, seu trabalho se rebela contra os limites da moldura, escanteando a influência da grade, rejeitando noções tradicionais de harmonia e equilíbrio, e ignorando noções da estratégia composicional "all over" abraçada por muitos de seus contemporâneos. Muitas das pinturas que ela fez nesta primeira metade de sua carreira não parecem realmente para mim como pinturas—elas parecem lutas: lutas com o espaço; lutas com a luz; lutas com a materialidade; lutas com o que os polinésios chamam de mana: a energia que se acumula em todas as coisas.

Charlotte Park - Pereshia, 1976. Acrílico sobre tela. 18 x 18 pol. (45,7 x 45,7 cm). © Berry Campbell Gallery

Park colocou energia em suas pinturas. Ela transferiu algo animado de si mesma, ou de si mesma, para uma coisa inanimada, uma imagem. Essa luta chegou a um fim abrupto, no entanto, por volta de meados da década de 1970, quando Park fez uma incursão em um desvio estético inesperado—o de Piet Mondrian e a herança do Neo-Plasticismo. Pinturas como “Gerardia” (1975), “Hellebore” (1975-77) e “Pereshia” (1976-78) surgem exatamente onde a paleta de cores simplificada e a estrutura de grade Neo-Plástica de Mondrian pararam. Exceto que Park faz tudo à mão livre, e com uma mente livre. Sua fase de pintura em grade Neo-Plástica foi curta, mas a ideia da grade permaneceu presente em seu trabalho pelo resto de sua carreira. É como se, em vez de lutar contra as limitações da moldura e o anti-liberalismo da estrutura composicional, Park inesperadamente encontrasse alguma liberdade secreta em sua aceitação de tais parâmetros. Suas pinturas sempre foram confiantes, mas a aparição tardia da grade nelas as tornou silenciosas e tranquilas. Pessoalmente, me relaciono menos com essas pinturas pacíficas entre sua obra, mas aposto que minha opinião não significaria nada para Park, já que ela era uma artista rara que pintava principalmente para si mesma.

Imagem em destaque: Charlotte Park - Sem título, 1960. Óleo sobre tela. 34 x 34 pol. (86,4 x 86,4 cm). © Berry Campbell Gallery
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park