Cortando a Tela - A História de Lucio Fontana

A arte abstrata cria perguntas, não respostas. Assim, ela convida ao ataque. Nem todos gostam de perguntas. As pessoas frequentemente desejam da arte apenas conforto e beleza. Mas muitos artistas abstratos não são tanto decoradores-consoladores quanto filósofos-cientistas: pessoas que buscam experimentar e interpretar o universo, não apenas embelezá-lo. Lucio Fontana foi um desses artistas. Como fundador de uma técnica revolucionária chamada Spazialismo, ou Espacialismo, Fontana estava profundamente preocupado com as formas práticas de fazer arte que confrontassem as propriedades misteriosas do espaço. Ele tinha curiosidade sobre como as formas habitavam o espaço, como poderiam conter o espaço e como, ao eliminar a massa, o espaço poderia ser criado. Ele ficou particularmente fascinado por como um buraco em uma forma poderia criar um vazio através do qual a experiência do espaço poderia ser ampliada. Mas o Spazialismo não se limitava apenas a essas questões acadêmicas. Como Fontana disse em 1967, em referência ao fato de que os humanos então viajavam rotineiramente ao espaço sideral em foguetes, “Agora no espaço não há mais nenhuma medida. Agora você vê o infinito… aqui está o vazio, o homem é reduzido a nada… E minha arte também se baseia toda nessa pureza, nessa filosofia do nada, que não é um nada destrutivo, mas um nada criativo.”

Lucio Fontana e a Arte Multidisciplinar

É uma falha histórica que Lucio Fontana seja geralmente referido apenas como pintor. Ele foi formado como escultor. Nasceu na Argentina em 1899, filho de um pai que esculpia e que foi quem primeiro ensinou a Lucio os fundamentos de seu ofício. Após décadas trabalhando ao lado do pai, Lucio mudou-se para Milão em 1927 e matriculou-se como estudante de escultura na Academia de Brera. Teve sua primeira exposição escultórica aos 31 anos em uma galeria de Milão. Referindo-se a si mesmo como escultor abstrato, juntou-se à associação de artistas Abstraction-Création em 1935, e na década de 1940 retornou à Argentina, onde ensinou escultura e continuou a criar obras tridimensionais.

Na verdade, Fontana trabalhou quase exclusivamente no meio da escultura até 1948. E mesmo quando começou a fazer objetos que se assemelhavam a pinturas, insistia que não eram pinturas, mas sim “uma coisa nova na escultura.” Mas mesmo assim, se fôssemos fiéis às intenções completas de Fontana como artista, não o chamaríamos de escultor. Simplesmente o chamaríamos de artista, e talvez de explorador do espaço.

Lucio Fontana - Figura allo specchio. Cerâmica. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

O Manifesto Branco

Em 1946, Fontana chegou à conclusão de que as definições de escultura e pintura já não eram suficientes para acomodar a natureza teórica de seu trabalho. Ele liderou um grupo de artistas e estudantes na criação do que chamou de Manifesto Branco, o primeiro de vários documentos que Fontana ajudaria a escrever e que esperava abordar a necessidade de uma nova abordagem para a arte. O Manifesto Branco chamou a atenção para a necessidade de a arte estar alinhada com outras buscas intelectuais da época. Apontava que os recentes desenvolvimentos científicos e filosóficos estavam focados na ideia de síntese, que diferentes ideias deveriam ser combinadas para formar um ponto de vista unificado.

Fontana defendia uma abordagem “sintética” semelhante para a criação artística, uma que sintetizasse o que ele chamava de “formas tradicionais de arte ‘estática’” para criar um método completo de expressão estética que “envolvesse o princípio dinâmico do movimento através do tempo e do espaço.” Com as ideias expressas no Manifesto Branco, Fontana essencialmente inventou a arte multidisciplinar: a perspectiva de que um artista deveria ser capaz de trabalhar em qualquer e todos os meios, usando o método que melhor se adequasse a uma ideia particular.

Lucio Fontana - Ambiente Espacial, iluminado. © Lucio Fontana

Aventuras no Espaço

No início de sua carreira, Fontana foi criticado por pintar suas formas escultóricas abstratas com cores vibrantes e aparentemente aleatórias. Ele respondeu que tentava usar a cor para envolver as obras com seu entorno, para criar uma ponte entre o objeto e o espectador. Continuou a abordar essa preocupação ao longo de sua carreira. Queria que o próprio espaço se manifestasse como forma e se tornasse o tema de sua arte. Mas não conseguia determinar como isso poderia ser realizado. Como escreveu certa vez em seu diário, “nenhuma forma é espacial.”

Lucio Fontana - Conceito Espacial, 1949. © Lucio Fontana

Mas em 1949, Fontana teve avanços que o aproximaram de seu objetivo. O primeiro se manifestou em uma obra chamada Ambiente Espacial. Para esse esforço inovador, Fontana escureceu uma sala cujas paredes foram pintadas de preto e pendurou do teto formas abstratas de papel machê pintadas com cores neon que brilhavam quando atingidas por luz ultravioleta. Ele transformou o espaço da exposição em parte da obra de arte, criando uma obra que precedeu a arte de instalação e o Movimento Luz e Espaço em mais de uma década, mas que incorporava muitos de seus conceitos. Mas o tema da obra ainda não era o espaço, já que o foco na experiência do espectador estava nas formas escultóricas luminosas.

Lucio Fontana - Conceito Espacial, 1950. Acrílico sobre tela. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Conceitos Espaciais

O próximo avanço de Fontana levou seu trabalho na direção completamente oposta. Em vez de transformar uma sala inteira em espaço vazio e depois preenchê-la com um objeto, ele decidiu pegar um objeto e usá-lo como ponto de entrada para o espaço. Esticou a tela sobre cavaletes como se fosse fazer uma pintura tradicional e então furou a tela com uma faca antes de aplicar uma camada monocromática de tinta.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, com adição de contas de vidro e pedras. © Lucio Fontana

Embora tecnicamente uma pintura, os buracos atuavam como vazios na forma, oferecendo acesso ao espaço atrás da tela. Esse gesto simples transformou a pintura em uma escultura. Mas, embora isso por si só fosse revolucionário e demonstrasse suas ideias sobre arte multidisciplinar, ele ainda sentia que não criava forma a partir do espaço. Então Fontana experimentou diferentes expressões desse pensamento geral. Ele furou a tela de modo a criar círculos, triângulos e outras formas na superfície. Também adicionou pedras, vidro e cristais a algumas telas, estendendo a superfície para fora no espaço enquanto também abria o espaço além.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Um Único Corte

Na década de 1950, Fontana teve uma revelação. Começou a cortar suas telas, obras que chamou de Tagli, ou cortes. Ele evoluiu gradualmente essa ideia até que, em 1959, chegou ao que considerava a manifestação máxima da expressão: um único corte em uma tela monocromática. Foi com esse gesto que alcançou seu objetivo de criar forma a partir do espaço, dizendo em 1968, “Minha descoberta foi o buraco e é isso. Estou feliz em ir para o túmulo após tal descoberta.”

Fontana deu a todos os seus objetos cortados o mesmo nome: Concetto Spaziale, ou Conceito Espacial. Quando finalmente descobriu a simplicidade e elegância dos cortes longos, deu a essas pinturas o subtítulo adicional de attesa. Em italiano, attesa significa espera, ou expectativa esperançosa. Como é claro, Fontana não estava interessado apenas em como as pessoas percebiam e concebiam o espaço. Ele estava interessado em como as pessoas percebiam e concebiam a si mesmas. Por meio do uso de um vazio, ele não apenas manifestou forma a partir do espaço, mas também manifestou algo mais, algo ao mesmo tempo abstrato e concreto: as expectativas esperançosas do que está além de uma obra de arte.

Imagem em destaque: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Cerâmica pintada. © Lucio Fontana
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio