Como Die Brücke (A Ponte) Celebrou o Poder da Cor

O Expressionismo Alemão nasceu na cidade de Dresden em 1905. Foi quando quatro estudantes de arquitetura se uniram para estabelecer Die Brücke, um movimento artístico destinado a iniciar uma revolução estética alemã. Die Brücke é alemão para "A Ponte." A frase transmite a percepção que o grupo tinha de si mesmo como figuras transitórias, conectando as obsoletas tradições artísticas alemãs do passado com os ideais modernistas que levariam a cultura para o futuro. De forma ampla, a estética de Die Brücke tendia a composições emocionalmente expressivas dominadas por campos de cor puros, planos e não graduados, e formas simplificadas feitas com marcas primitivas. Os artistas de Die Brücke buscavam comunicar sentimentos em vez de copiar a realidade. Sua estética foi amplamente inspirada pela impressão em xilogravura. Mas havia também outra inspiração, anterior ao grupo – algo ironicamente não alemão e não do seu século: as pinturas de Vincent Van Gogh, um pintor holandês pós-impressionista que morreu em 1890. Os quatro fundadores de Die Brücke – Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl e Karl Schmidt-Rottluff – visitaram uma retrospectiva de Van Gogh que foi inaugurada em Dresden em 1905. Eles ainda não eram pintores na época, mas ficaram fascinados pelo que esse artista visionário conseguiu comunicar com a pintura. As cores, as pinceladas rápidas e as formas simplificadas tiveram um efeito eletrizante sobre eles. Seu exemplo os apontou para uma maneira de acessar as paixões subjacentes da vida. Tão influente foi Van Gogh para Die Brücke que um dos membros posteriores a se juntar ao grupo – Emil Nolde – tentou convencê-los a mudar seu nome para "Van Goghiana." Felizmente, eles não seguiram essa sugestão. Aceitar tal mudança teria sido a morte de um movimento que era, acima de tudo, baseado na originalidade. Claro, Van Gogh os inspirou, mas o que Die Brücke realmente buscava não era copiar outra pessoa, mas seguir seus próprios instintos individuais. Essas intenções estão resumidas na terceira frase de seu manifesto de três frases, lançado em uma impressão em xilogravura em 1906, que afirmava: "Quem quer que represente diretamente e autenticamente aquilo que o impele a criar é um de nós."

Uma Turbulência Organizada

Para a maioria dos alemães do início do século, os artistas de Die Brücke pareciam homens selvagens. Quando Franz Marc viu pela primeira vez uma exposição de suas pinturas coloridas e primitivistas, ele os chamou de "os Fauves da Alemanha", uma referência aos les Fauves, ou "bestas selvagens", um grupo de artistas que trabalhava ao mesmo tempo na França, liderado por André Derain e Henri Matisse, que também usavam tons luminosos e irreais. A comparação com os les Fauves era apropriada. Na verdade, Die Brücke merecia uma reputação ainda mais selvagem. Eles não apenas usavam cores escandalosas em suas pinturas, mas eram selvagens em todos os sentidos da palavra. Viviam ilegalmente em seus estúdios, que não eram zonados para residências, escondendo suas camas no sótão durante o dia para não serem pegos. Eles também pintavam modelos nus na natureza. Como nenhum modelo profissional respeitável aceitaria tal tarefa, eles pagavam não-modelos para irem com eles para a floresta, longe de onde poderiam ser vistos. Juntamente com seus modelos nus amadores e um grupo de outros amigos e amantes, eles festejavam, pintavam e nadavam, tornando-se um com suas naturezas mais artísticas, mais liberadas e mais primitivas.

A imagem dos artistas de Die Brücke como sendo descontrolados, no entanto, não é precisa. Eles eram boêmios, mas também eram um dos coletivos de arte mais organizados e reflexivos da história. Nos oito anos de sua existência, realizaram mais de 70 exposições coletivas, tanto na Alemanha quanto no exterior. O grupo também foi inovador em termos de perspicácia de marketing. Eles venderam assinaturas, para que os espectadores que queriam possuir suas obras, mas que não podiam pagar por uma pintura, pudessem receber pôsteres, gravuras e outros ephemera, como manifestos impressos. O grupo era rigidamente rígido em seus próprios requisitos de adesão: nenhum membro tinha permissão para mostrar seu trabalho, exceto em exposições coletivas. O imenso talento organizacional que era necessário para realizar tantas exposições enquanto também gerenciava adesões e assinaturas é indiscutivelmente impressionante. Apesar de toda a sua reputação como homens selvagens, Die Brücke estabeleceu uma estrutura organizacional revolucionária e imensamente eficaz – uma que ainda é imitada por muitos coletivos de arte e galerias administradas por artistas hoje.

Ernst Ludwig Kirchner - Manifesto do Grupo de Artistas Brücke (Programm der Künstlergruppe Brücke), 1906. Horst Jähner: Grupo de Artistas Brücke. História de uma Comunidade e a Obra de Vida de seus Representantes. E.A.Seemann, Leipzig 2005.

Os Degenerados

A Die Brücke começou a se fragmentar por volta de 1912, quando Max Pechstein, um membro que se juntou mais tarde, violou abertamente seu acordo de associação ao expor seu trabalho em exposições solo. O golpe final veio em 1913, quando Kirchner escreveu sua Crônica de Die Brücke, que alienou os outros membros ao afirmar que ele era seu líder (quando na verdade o grupo era uma assembléia quase anárquica de indivíduos, organizada de forma solta). No entanto, por um capricho da história, os membros de Die Brücke não permaneceram alienados para sempre. Quando os nazistas chegaram ao poder, o trabalho dos artistas de Die Brücke foi considerado degenerado. Os membros foram tocados por esses eventos para reafirmar, pelo menos em teoria, sua dedicação uns aos outros e ao ideal pelo qual lutaram: liberdade e independência para os artistas.

Após sua inclusão na Exposição de Arte Degenerada de 1937, muitas das obras de Heckel, assim como as do tardio Otto Mueller, foram destruídas. Mas seu legado inteiro não foi perdido. Alguns anos antes de morrer, Heckel doou as obras que lhe restavam para ajudar a estabelecer o Museu Brücke, que foi inaugurado em Berlim em 1967. Karl Schmidt-Rottluff também fez uma doação substancial de suas obras, e o museu desde então adquiriu muitas outras peças de outros membros do grupo. Hoje, sua coleção inclui milhares de pinturas, esculturas e obras em papel. O legado colorido do grupo vive nesta coleção, mas não para por aí. Ele ecoa através do tecido de inúmeros outros movimentos expressionistas no século XX, e através do mundo da arte contemporânea hoje, como um exemplo do poder expressivo da cor e do potencial revolucionário da autenticidade.

Imagem em destaque: Karl Schmidt-Rottluff - Fariseus, 1912. Óleo sobre tela. 29 7/8 x 40 1/2" (75,9 x 102,9 cm). Fundo Gertrud A. Mellon. Coleção MoMa. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque / VG Bild-Kunst, Bonn.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Barcio