Como Die Brücke (A Ponte) Celebrou o Poder da Cor

O Expressionismo Alemão nasceu na cidade de Dresden em 1905. Foi quando quatro estudantes de arquitetura se uniram para fundar Die Brücke, um movimento artístico destinado a iniciar uma revolução estética alemã. Die Brücke significa “A Ponte” em alemão. A expressão transmite a percepção que o grupo tinha de si mesmo como figuras de transição, conectando as tradições artísticas alemãs ultrapassadas do passado com os ideais modernistas que levariam a cultura ao futuro. De modo geral, a estética de Die Brücke tendia a composições emocionalmente expressivas dominadas por campos puros, planos e sem gradação de cor, e formas simplificadas feitas com marcas primitivas. Os artistas de Die Brücke buscavam comunicar sentimentos em vez de copiar a realidade. Sua estética foi amplamente inspirada pela xilogravura. Mas havia também outra inspiração anterior para o grupo – algo ironicamente não alemão, e não do seu século: as pinturas de Vincent Van Gogh, um pintor pós-impressionista holandês que morreu em 1890. Os quatro fundadores de Die Brücke – Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl e Karl Schmidt-Rottluff – visitaram uma retrospectiva de Van Gogh que foi aberta em Dresden em 1905. Na época, eles ainda não eram pintores, mas ficaram fascinados pelo que esse artista visionário conseguia comunicar com a tinta. As cores, as pinceladas rápidas e as formas simplificadas tiveram um efeito eletrizante sobre eles. Seu exemplo os apontou para uma forma de acessar as paixões subjacentes da vida. Van Gogh foi tão influente para Die Brücke que um dos membros que entrou depois no grupo – Emil Nolde – tentou convencer o grupo a mudar seu nome para “Van Goghiana.” Felizmente, eles não seguiram essa sugestão. Aceitar tal mudança teria sido a morte de um movimento que, acima de tudo, se baseava na originalidade. Claro, Van Gogh os inspirou, mas o que Die Brücke realmente buscava não era copiar alguém, mas seguir seus próprios instintos individuais. Essas intenções estão resumidas na terceira frase do seu manifesto de três frases, lançado em uma xilogravura em 1906, que dizia: “Quem quer que represente direta e autenticamente aquilo que o impulsiona a criar é um de nós.”

Um Turbilhão Organizado

Para a maioria dos alemães do início do século, os artistas de Die Brücke pareciam homens selvagens. Quando Franz Marc viu pela primeira vez uma exposição de suas pinturas coloridas e primitivistas, ele os apelidou de “os Fauves da Alemanha”, uma referência aos les Fauves, ou “feras selvagens”, um grupo de artistas que trabalhava na mesma época na França liderado por André Derain e Henri Matisse, que também usavam tons luminosos e irreais. A comparação com les Fauves era apropriada. Na verdade, Die Brücke merecia uma reputação ainda mais selvagem. Eles não apenas usavam cores chocantes em suas pinturas, eram selvagens em todos os sentidos da palavra. Viviam ilegalmente em seus ateliês, que não eram zonas residenciais, escondendo suas camas no sótão durante o dia para não serem pegos. Também pintavam modelos nus na natureza. Como nenhum modelo respeitável e profissional aceitaria tal trabalho, eles pagavam a não-modelos para irem com eles para a floresta, longe de onde poderiam ser vistos. Junto com seus modelos nus amadores e um grupo de outros amigos e amantes, eles festejavam, pintavam e nadavam, tornando-se um com suas naturezas mais artísticas, mais libertas e mais primitivas.

A imagem dos artistas de Die Brücke como descontrolados, no entanto, não é precisa. Eles eram boêmios, mas também um dos coletivos artísticos mais organizados e reflexivos da história. Nos oito anos de sua existência, realizaram mais de 70 exposições coletivas, tanto na Alemanha quanto no exterior. O grupo também foi inovador em termos de astúcia comercial. Vendiam assinaturas, para que os espectadores que desejassem possuir suas obras, mas não pudessem comprar uma pintura, recebessem pôsteres, gravuras e outros materiais efêmeros, como manifestos impressos. O grupo era rigoroso em seus próprios requisitos de filiação: nenhum membro podia mostrar seu trabalho exceto em exposições coletivas. O imenso talento organizacional necessário para realizar tantas exposições enquanto também gerenciavam filiações e assinaturas é inegavelmente impressionante. Apesar da reputação de homens selvagens, Die Brücke estabeleceu uma estrutura organizacional revolucionária e imensamente eficaz – ainda hoje imitada por muitos coletivos artísticos e galerias geridas por artistas.

Ernst Ludwig Kirchner - Manifesto do Grupo de Artistas Brücke (Programm der Künstlergruppe Brücke), 1906. Horst Jähner: Künstlergruppe Brücke. Geschichte einer Gemeinschaft und das Lebenswerk ihrer Repräsentanten. E.A.Seemann, Leipzig 2005.

Os Degenerados

Die Brücke começou a se fragmentar por volta de 1912, quando Max Pechstein, um membro tardio, violou abertamente o acordo de filiação ao mostrar seu trabalho em exposições individuais. A pá de cal veio em 1913, quando Kirchner escreveu sua Crônica de Die Brücke, que alienou os outros membros ao afirmar que ele era o líder deles (quando na verdade o grupo era uma reunião frouxamente organizada, quase anárquica, de indivíduos). Por um capricho da história, no entanto, os membros de Die Brücke não permaneceram alienados para sempre. Quando os nazistas chegaram ao poder, o trabalho dos artistas de Die Brücke foi considerado degenerado. Os membros foram movidos por esses eventos a reafirmar, pelo menos na teoria, sua dedicação uns aos outros e ao ideal pelo qual haviam lutado: liberdade e independência para os artistas.

Após sua inclusão na Exposição de Arte Degenerada de 1937, muitas das obras de Heckel, assim como as do membro tardio Otto Mueller, foram destruídas. Mas todo o legado deles não se perdeu. Poucos anos antes de morrer, Heckel doou as obras que lhe restavam para ajudar a fundar o Museu Brücke, que foi inaugurado em Berlim em 1967. Karl Schmidt-Rottluff também fez uma doação substancial de suas obras, e o museu desde então adquiriu muitas outras peças de outros membros do grupo. Hoje, sua coleção inclui milhares de pinturas, esculturas e trabalhos em papel. O legado colorido do grupo vive nessa coleção, mas não para por aí. Ele ecoa através do tecido de inúmeros outros movimentos expressionistas do século XX e pelo mundo da arte contemporânea hoje, como um exemplo do poder expressivo da cor e do potencial revolucionário da autenticidade.

Imagem em destaque: Karl Schmidt-Rottluff - Fariseus, 1912. Óleo sobre tela. 75,9 x 102,9 cm (29 7/8 x 40 1/2"). Fundo Gertrud A. Mellon. Coleção MoMa. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova York / VG Bild-Kunst, Bonn.
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio