Entrevista com Joanne Freeman

Lindas telas brancas adornadas com apenas alguns laços cuidadosamente desenhados de diferentes cores, exalando um certo ritmo de tranquilidade e harmonia. O princípio do menos é mais é evidente nas obras de Joanne Freeman. Com apenas algumas linhas eficazes, ela consegue construir uma visão impactante e cativar o espectador. A IdeelArt teve uma oportunidade única de fazer algumas perguntas a Joanne Freeman sobre seu trabalho, processo criativo e vida como artista. Discutimos seus pensamentos sobre sua obra, como ela percebe a relação entre o criador e a arte, e entre a arte e o espectador. Então, aproveite nossa breve, mas perspicaz, entrevista com a adorável Joanne Freeman. 

"Você frequentou a faculdade em Madison, Wisconsin, deu palestras em Massachusetts, exibiu amplamente nos EUA e internacionalmente, e vive e trabalha na cidade de Nova York. Você pode falar sobre as maneiras como seu trabalho é influenciado por um senso de lugar?"

Meu trabalho é fortemente influenciado pelo lugar. Como mencionado, eu vivo e trabalho na cidade de Nova York, e esse clima visual e cultural tem um forte impacto no meu trabalho. Fico sempre surpreso quando saio e reentro, com o que percebo. O tempo fora sempre me dá uma perspectiva renovada e uma frescura de visão. Viajar faz a mesma coisa, quando estou em um ambiente diferente, estou aberto a coisas que outros podem achar mundanas pela familiaridade. Posso contar muitas das influências no trabalho, às vezes diretamente enquanto estou criando e às vezes muito tempo depois, quando estou visualizando.

Como o seu trabalho é influenciado pela sua própria fisicalidade?

"Meu processo no estúdio é fisicamente extenuante, especialmente à medida que a escala das pinturas aumenta. As linhas de borda dura nas pinturas são feitas pelo movimento do meu braço de uma borda da tela para a outra. O tamanho tanto dos suportes externos quanto das linhas internas é relativo ao processo e às proporções do meu corpo."

"Você às vezes trabalha em superfícies redondas. Considerando a natureza física dos gestos que você faz, como sua conexão com a superfície evolui quando confrontada com o espaço circular?"

"Os gestos tornam-se mais contidos e controlados quando emparelhados com o espaço circular. Eles são mais deliberados, girando e imitando a forma circular da tela. Onde nas pinturas retangulares maiores eu executo grandes movimentos que saem das bordas e sugerem a infinidade, as peças circulares se concentram em si mesmas, acentuando a forma e a borda da superfície, o que contribui para objetivar a pintura."

"Alguns dos trabalhos que você faz envolvem limitar seu acesso à superfície, isolando áreas com fita adesiva. Como seu estado emocional/intelectual varia quando você confronta um trabalho assim, em comparação com quando você tem total liberdade para acessar toda a superfície?"

Acho que você está se referindo aos meus trabalhos em papel, onde eu delimito áreas e crio formas de cor, em contraste com minhas pinturas, que parecem mais abertas. O processo é na verdade bastante semelhante entre os dois meios e é, na verdade, bastante intuitivo. Eu coloco uma linha ou uma forma na superfície e construo a partir disso. Com as pinturas, a composição é mais fixa e minhas opções têm mais a ver com escolhas de cores. A cor monocromática que uso nos desenhos me permite brincar mais com a composição. De qualquer forma, eu reduzi a linguagem, estabeleci limites e limitei minhas escolhas, o que paradoxalmente permite mais liberdade.

"Você mencionou ser influenciado pelo trabalho de artistas Redutivos. Poderia nomear alguns dos artistas cujo trabalho você admira e falar sobre as questões que eles ajudaram você a encontrar ou responder?"

Eu olho para o trabalho de muitos artistas, alguns que vêm à mente são: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi e Ellsworth Kelly. Eu admiro o trabalho de artistas cujas obras parecem mínimas e monumentais, mas ao mesmo tempo celebram o feito à mão e o caprichoso. É um pouco um Catch-22, o processo de pintura redutiva, porque você tem que passar por muito trabalho e exagero para chegar a uma declaração simples e honesta. Eu questiono minhas reações ao trabalho dos meus predecessores e tento encontrar a confiança para dizer mais com menos.

O que você experiencia intelectualmente durante o ato físico de criação de imagens redutivas?

Eu tento agir reflexivamente no estúdio, controlando avaliações críticas e tentando fazer julgamentos visceralmente, com base nas informações à minha frente. A canonização de artistas e as poderosas influências da história da arte podem levar a uma situação que me foi descrita como a síndrome da Mona Lisa, onde a mitologia de uma obra ofusca uma reação honesta a ela. Eu internalizei uma linguagem visual reducionista que funciona para mim com base em seus precedentes na história da arte; Construtivismo Russo, A Escola Bauhaus, Neoplasticismo e, menos óbvio, a arte cristã primitiva de Giotto e Fra Angelico, no Convento de San Marco. Esses ensinamentos, juntamente com as influências de artistas mais contemporâneos, estão sempre comigo no estúdio. Espero que essa linguagem comum aprendida leve a uma interpretação única.

O que você espera que o espectador experimente ao encontrar seu trabalho?

Estranhamente, porque estou tão envolvido no processo de criação do meu trabalho, posso ter dificuldade em realmente vê-lo no momento. Já tive a experiência de ver meu trabalho alguns anos depois na casa de outra pessoa ou no contexto de uma instituição diferente. Naquele momento, é sempre bom pensar: "oh uau, isso funciona". Eu esperaria o mesmo para um espectador.

Joana Freeman

Imagem em destaque: Fotografia tirada da série ''Covers'' de Joanne Freeman na Art on Paper, estande de Kathryn Markel, Pier 36, Nova York, NY. 4 a 6 de março - Cortesia da artista.