Entrevista com Joanne Freeman

Elegantes telas brancas adornadas com apenas alguns laços cuidadosamente desenhados em diferentes cores, exalando um certo ritmo de tranquilidade e harmonia. O princípio do menos é mais é evidente nas obras de Joanne Freeman. Com apenas algumas linhas eficazes, ela consegue construir uma visão impactante e cativar o espectador. A IdeelArt teve uma oportunidade única de fazer algumas perguntas a Joanne Freeman sobre seu trabalho, processo criativo e vida como artista. Discutimos suas ideias sobre sua obra, como ela percebe a relação entre o criador e a arte, e entre a arte e o espectador. Então, aproveite nossa entrevista curta, mas perspicaz, com a adorável Joanne Freeman.

Você estudou em Madison, Wisconsin, deu palestras em Massachusetts, expôs amplamente pelos EUA e internacionalmente, e vive e trabalha na cidade de Nova York. Pode falar sobre as formas como seu trabalho é influenciado pelo senso de lugar?

Meu trabalho é fortemente influenciado pelo lugar. Como mencionado, eu vivo e trabalho na cidade de Nova York, e esse clima visual e cultural tem um forte impacto no meu trabalho. Sempre me surpreendo quando saio e volto, pelo que percebo. O tempo fora sempre me dá uma perspectiva renovada e uma frescura de visão. Viajar faz o mesmo, quando estou em um ambiente diferente fico aberta a coisas que outros podem achar mundanas pela familiaridade. Posso contar muitas das influências no trabalho, às vezes diretamente enquanto o crio e às vezes muito depois, quando o estou observando.

Como seu trabalho é influenciado pela sua própria fisicalidade?

Meu processo no estúdio é fisicamente exigente, especialmente à medida que a escala das pinturas aumenta. As linhas de contorno nítido nas pinturas são feitas pelo movimento do meu braço de uma borda da tela até a outra. O tamanho tanto dos suportes externos quanto das linhas internas é relativo tanto ao processo quanto às proporções do meu corpo.

Você às vezes trabalha em superfícies redondas. Considerando a natureza física dos gestos que você faz, como sua conexão com a superfície evolui quando confrontada com um espaço circular?

Os gestos se tornam mais contidos e controlados quando combinados com o espaço circular. Eles são mais deliberados, girando e imitando a forma circular da tela. Enquanto nas pinturas retangulares maiores eu executo grandes varridas que ultrapassam as bordas e sugerem o infinito, as peças circulares se concentram em si mesmas, acentuando a forma e a borda da superfície, o que contribui para objetificar a pintura.

Algumas das obras que você faz envolvem limitar seu acesso à superfície ao isolar áreas com fita. Como seu estado emocional/intelectual varia quando você enfrenta uma obra assim, em comparação a quando tem liberdade total para acessar toda a superfície?

Acho que você está se referindo às minhas obras em papel onde isolo áreas com fita e crio formas de cor, em contraste com minhas pinturas, que parecem mais abertas. O processo é na verdade bastante semelhante entre os dois meios e é bastante intuitivo. Eu coloco uma linha ou uma forma na superfície e construo a partir dela. Nas pinturas, a composição é mais fixa e minhas opções têm mais a ver com escolhas de cor. A cor monocromática que uso nos desenhos me permite brincar mais com a composição. De qualquer forma, eu reduzi a linguagem, estabeleci limites e limitei minhas escolhas, o que paradoxalmente permite mais liberdade.

Você mencionou ser influenciada pelo trabalho de artistas Redutivos. Poderia citar alguns dos artistas cujo trabalho você admira e falar sobre as questões que eles ajudaram você a encontrar ou responder?

Eu observo o trabalho de muitos artistas, alguns que me vêm à mente são: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi e Ellsworth Kelly. Admiro o trabalho de artistas cujas obras parecem minimalistas e monumentais, mas ao mesmo tempo celebram o feito à mão e o lúdico. É um pouco um paradoxo, o processo da pintura redutiva, porque você tem que passar por muito trabalho e exagero para alcançar uma declaração simples e honesta. Eu questiono minhas reações ao trabalho dos meus predecessores e tento encontrar a confiança para dizer mais com menos.

O que você experimenta intelectualmente durante o ato físico de criar imagens redutivas?

Eu tento agir reflexivamente no estúdio, controlando avaliações críticas e tentando fazer julgamentos visceralmente, baseados nas informações diante de mim. A canonização dos artistas e as poderosas influências da história da arte podem levar a uma situação descrita para mim como a síndrome da Mona Lisa, onde a mitologia de uma obra ofusca uma reação honesta a ela. Eu internalizei uma linguagem visual redutiva que funciona para mim com base em seus precedentes históricos na arte; Construtivismo Russo, Escola Bauhaus, Neoplasticismo, e menos óbvio, a arte cristã primitiva de Giotto e Fra Angelico, no Convento de San Marco. Esses ensinamentos junto com as influências de artistas mais contemporâneos estão sempre comigo no estúdio. Espero que essa linguagem comum aprendida leve a uma interpretação única.

O que você espera que o espectador experimente ao encontrar seu trabalho?

Estranhamente, porque estou tão envolvida com o processo de criar meu trabalho, posso ter dificuldade em realmente vê-lo no momento. Já tive a experiência de ver meu trabalho alguns anos depois na casa de outra pessoa ou no contexto de uma instituição diferente. Nesse momento, é sempre bom pensar, “oh, uau, isso funciona”. Eu esperaria o mesmo para um espectador.

Joanne Freeman

Imagem em destaque: Fotografia da série ''Covers'' de Joanne Freeman na Art on Paper, estande Kathryn Markel, Pier 36, Nova York, NY. 4 a 6 de março - Cortesia da artista