Fazendo Tradição Contemporânea - Jeffrey Gibson

Tive uma experiência rara recentemente ao observar o trabalho de Jeffrey Gibson. Algo na obra abriu uma porta para mim. Isso me expôs a uma relação maior e mais interessante com o espaço físico. Veja, eu frequento muitas exposições de arte. E costumo ter o mesmo tipo geral de relação com cada exposição que visito. Você provavelmente pode imaginar que tipo de relação é essa pelo modo como estou falando sobre isso agora. Ela é definida pelo fato de que me sinto separado da arte e do espaço que ela ocupa. Eu me vejo, a arte, a exposição e o espaço como quatro coisas distintas, sem conexão inerente. Entro em um espaço onde a arte está exposta, observo a arte, penso sobre o que estou vendo e, depois, com o passar do tempo, a obra pode ou não ressoar comigo de várias maneiras. Claro que houve algumas ocasiões em que a obra me fez não vê-la dessa forma, como no Skyspace de James Turrell, onde o espaço é a própria arte. Mas, na maior parte do tempo, quase sempre vejo as exposições de arte apenas como oportunidades de ir a algum lugar para olhar algo. O que aconteceu com o trabalho de Jeffrey Gibson, no entanto, foi que ele despertou em mim um tipo diferente de relação. Ele não aceitou a limitação de ser apenas coisas em um espaço para serem vistas e pensadas. Pelo poder de sua presença, me fez perceber que eu não estava vendo o quadro completo. Fez-me entender que a arte não ocupa apenas o espaço: espaço e arte habitam um ao outro. E quando uma pessoa entra nessa relação, ocorre um evento em que os três — a arte, o espaço e a pessoa — tornam-se colaboradores iguais. Não estou falando de nada espiritual ou metafísico. Estou dizendo que, da mesma forma que uma pessoa que veste um uniforme militar “se torna” um soldado, ou uma pessoa que veste uma vestimenta “se torna” um ministro, quando um espaço recebe uma exposição de arte, ele “se torna” algo novo, algo a mais. E quando entramos em relação com essa nova coisa — essa combinação de arte e espaço — nós a habitamos da mesma forma que um sacerdote habita uma vestimenta ou um soldado habita um uniforme. Nós damos vida a ela. Nós lhe damos poder e seus privilégios. Ela é mais do que seria sem nossa presença. E cabe a nós demonstrar o que isso significa.

Powwows e Festas

Jeffrey Gibson nasceu no Colorado em 1972. Sua herança familiar é indígena americana, parte Cherokee e parte Choctaw. Por causa da profissão do seu pai, Gibson viajou muito quando jovem, morando em diferentes momentos na Coreia do Sul, Alemanha, Inglaterra e vários lugares nos Estados Unidos. A mistura de influências culturais foi às vezes esclarecedora para ele, e em outras ocasiões frustrante. Um exemplo marcante é seu amor pela música e pela dança. Quando jovem, ele foi iniciado na tradição indígena americana do powwow, uma reunião social em que se toca música e trajes vibrantes ganham vida pelos dançarinos. E, como adolescente na Ásia e Europa, ele pôde trazer esse mesmo espírito para sua vida indo a clubes com seus amigos para ouvir música e dançar. Mas quando voltou aos Estados Unidos aos 16 anos, foi lançado em uma cultura onde era muito jovem para entrar em bares e clubes. Era uma peculiaridade cultural sutil, mas presente. Ele era atraído pela música e pela dança, mas tinha pouca forma de expressar esse sentimento de maneira socialmente aceitável.

Uma saída que encontrou foi a cena underground das festas rave, que ele sentia, em muitos aspectos, ter o mesmo tipo de espírito do powwow: era social, girava em torno da música, e a cena incentivava os indivíduos a manifestar sua personalidade por meio de adornos e trajes, e a chamar atenção para si mesmos através da dança. Depois de se formar no ensino médio, ele obteve seu BFA no Instituto de Arte de Chicago em 1995. Depois, ao ser aceito no programa de Mestrado em Belas Artes do Royal College of Art em Londres, descobriu por seu chefe que a Mississippi Band of Choctaw Indians estava disposta a pagar sua mensalidade. Gibson disse em uma entrevista de 2007 à ARTnews: “Meu chefe sentiu que eu ir para lá, sendo um artista forte, o tornava mais forte.” O trabalho que Gibson vem fazendo desde que obteve seu MFA em 1998 e voltou para os Estados Unidos é informado por essa vasta e diversa gama de experiências culturais que preencheram sua criação, especialmente um senso de suas muitas comunidades e uma atração pelo legado dos powwows e das festas rave: espaços que ganham vida quando habitados por pessoas e arte.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Técnica mista, Crédito da foto Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Combatendo Generalizações

O trabalho que Gibson faz incorpora muitos meios e formas, mas transmite uma linguagem estética unificadora. Essa linguagem é dominada por cores vivas e puras, formas geométricas de contornos definidos e padrões ópticos. As imagens imediatamente remetem tanto à abstração modernista quanto à estética indígena americana. O que é tão eficaz nessa combinação é que ela abre imediatamente o que ambas as posições estéticas podem potencialmente oferecer. A arte abstrata modernista utiliza formas e padrões de maneira autorreferencial, chamando triângulos de triângulos, e nada mais, e pedindo aos espectadores que apreciem as relações de cor por seu próprio mérito, sem buscar qualquer tipo de sentido codificado ou subjacente. Mas a tradição indígena americana é inerentemente codificada. Um triângulo nunca é apenas um triângulo. Ele simboliza algo: talvez algo pessoal, talvez algo cultural, talvez algo poético. Mas, independentemente, tem um significado para alguém. Por causa das duas tradições das quais essas peças emergem, somos livres para interpretá-las abertamente, adicionando nossas próprias tradições, códigos e expectativas à mistura.

Um dos corpos de trabalho mais icônicos que Gibson criou até agora é uma série de sacos de pancada adornados com miçangas coloridas. Ele encontrou os sacos de pancada pela primeira vez quando seu terapeuta sugeriu que ele contratasse um treinador pessoal para ajudá-lo com a raiva que sentia como um jovem artista tentando encontrar sua voz e seu caminho no mundo da arte contemporânea. A forma do saco é simbólica. Ela implica resistência, isolamento e transferência de energia. Sacos de pancada se movem e balançam. Eles cedem à pressão, mas sempre retornam à posição original. São macios e duros ao mesmo tempo. Gibson cria imagens neles usando meios como miçangas e tecidos esvoaçantes, que falam à compreensão preconcebida que as pessoas contemporâneas têm da arte indígena americana. Às vezes, ele também insere texto nas composições, convidando a uma contemplação mais profunda da imagem e da forma. Os sacos de pancada estão cobertos pela linguagem visual da história da arte, assim como pela linguagem codificada da narrativa cultural e pela linguagem material da generalização. Eles falam da luta que todos nós enfrentamos ao tentar descobrir o que vamos nos tornar.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrílico e grafite sobre tela, 31 × 27 pol, 78,7 × 68,6 cm (Esquerda) e Village, 2017, Acrílico e grafite sobre tela, 31 × 27 pol, 78,7 × 68,6 cm (Direita), créditos das fotos De Buck Gallery

Habitando Formas

O que mais me influencia diretamente quando considero o trabalho de Jeffrey Gibson são seus trajes. Ele cria trajes fluidos, coloridos e elaborados e os coloca em estruturas de madeira. Imediatamente imagino vestir um deles. Penso nas formas como o traje me transformaria se eu o usasse. Depois penso na forma como eu o transformaria. Juntos, nos tornaríamos algo mais expressivo do que qualquer um de nós seria sozinho. As formas, cores e padrões do traje ganhariam novo significado quando combinados com os movimentos do meu corpo. O objeto de arte e eu nos fundiríamos para nos tornar uma forma viva de comunicação.

Algo na maneira como esses trajes ilustram a fusão da arte, do espaço e do corpo humano me deu uma nova percepção — não apenas dessas obras, mas de todas as obras de arte. O espaço da exposição é um suporte de imagens e objetos, assim como esses trajes. Eu entro nele, assim como visto um traje no meu corpo. Ao habitar a exposição e me mover dentro dela, as imagens e objetos em suas superfícies ganham vida pelo meu movimento. Pode parecer piegas, mas não sinto mais que sou apenas um sujeito indo a exposições para olhar arte. Agora percebo que todo espaço que exibe arte é como um desses trajes que Jeffrey Gibson faz. Ele nos espera, esperando nosso fôlego e nossos corpos para que possamos preenchê-lo, animá-lo, dar-lhe vida e conceder uns aos outros mais significado do que qualquer um de nós poderia ter sozinho.

Jeffrey Gibson - Another Tongue, 2016 18 × 11 1/2 × 13 pol, 45,7 × 29,2 × 33 cm (Esquerda) e I Should Know Better, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 pol, 47 × 38,1 × 35,6 cm (Direita), créditos das fotos Roberts & Tilton, Culver City

Imagem em destaque: Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, Lápis, aquarela, tinta acrílica, fita, linha, impressões pigmentadas arquivísticas, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 pol, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos

Por Phillip Barcio