Fazendo Tradição Contemporânea - Jeffrey Gibson

Recentemente, tive uma experiência rara enquanto olhava para o trabalho de Jeffrey Gibson. Algo sobre o trabalho abriu uma porta para mim. Ele me expôs a uma relação maior e mais interessante com o espaço físico. Veja, eu frequento muitas exposições de arte. E eu tendendo a ter o mesmo tipo geral de relação com cada exposição que assisto. Você provavelmente pode adivinhar que tipo de relação é essa com base em como estou falando sobre isso agora. Ela é definida pelo fato de que me sinto separado da arte e do espaço que ela habita. Eu vejo a mim mesmo, a arte, a exposição e o espaço como quatro coisas separadas, sem conexão inerente. Eu entro em um espaço onde a arte está em exibição, olho para a arte, penso sobre o que estou olhando, e depois, com o passar do tempo, a obra pode ou não ressoar comigo de várias maneiras. Claro que houve algumas instâncias em que a obra me fez não vê-la dessa forma, como em um Skyspace de James Turrell, onde o espaço é a arte. Mas, na maior parte, eu quase sempre vejo exposições de arte como oportunidades para ir a algum lugar e olhar para algo. O que aconteceu com o trabalho de James Gibson, no entanto, foi que ele coaxou um tipo diferente de relação de mim. Ele não estava disposto a aceitar a limitação de ser apenas coisas em um espaço sendo olhadas e pensadas. Pelo poder de sua presença, ele me fez saber que eu não estava vendo o quadro todo. Ele me fez perceber que a arte não ocupa apenas espaço: espaço e arte habitam um ao outro. E quando uma pessoa entra nessa relação, ocorre um evento em que os três—arte, espaço e pessoa—se tornam colaboradores iguais. Não estou falando de nada espiritual ou metafísico. Estou dizendo que, da mesma forma que uma pessoa que veste um uniforme militar "se torna" um soldado, ou uma pessoa que veste uma vestimenta "se torna" um ministro, quando um espaço apresenta uma exposição de arte, ele "se torna" algo novo, algo mais. E quando entramos em uma relação com essa nova coisa—essa combinação de arte e espaço—nós a habitamos da mesma forma que um sacerdote habita uma vestimenta ou um soldado habita um uniforme. Nós damos vida a isso. Nós lhe damos poder e seus privilégios. É mais do que teria sido de outra forma por causa de nossa presença. E cabe a nós demonstrar o que isso significa.

Powwows e Raves

Jeffrey Gibson nasceu no Colorado em 1972. Sua herança familiar é nativa americana, parte Cherokee e parte Choctaw. Por causa da profissão de seu pai, Gibson viajou quando jovem, vivendo em diferentes momentos na Coreia do Sul, Alemanha, Inglaterra e em vários locais nos Estados Unidos. A mistura de influências culturais foi, às vezes, esclarecedora para ele, e em outras ocasiões, frustrante. Um exemplo claro é seu amor pela música e pela dança. Quando jovem, ele foi iniciado na tradição nativa americana do powwow, um encontro social em que a música é tocada e trajes vibrantes ganham vida através dos dançarinos. E como adolescente na Ásia e na Europa, ele conseguiu trazer esse mesmo espírito para sua vida, indo a clubes com seus amigos para ouvir música e dançar. Mas quando voltou para os Estados Unidos aos 16 anos, ele foi lançado em uma cultura na qual era jovem demais para entrar em bares e clubes. Era uma peculiaridade cultural sutil, mas abrangente. Ele era atraído pela música e pela dança, mas tinha poucas maneiras de expressar esse sentimento de uma forma socialmente aceitável.

Uma saída que ele encontrou foi a cena de rave underground, que ele sentiu, de muitas maneiras, ter o mesmo tipo de espírito que o powwow: era social, era construída em torno da música, e a cena incentivava os indivíduos a manifestar sua personalidade através de adornos e fantasias, e a chamar a atenção para si mesmos através da dança. Após se formar no ensino médio, ele obteve seu BFA no Art Institute of Chicago em 1995. Então, após ser aceito no programa de Mestrado em Belas Artes no Royal College of Art em Londres, ele descobriu com seu Chefe que a Mississippi Band of Choctaw Indians estava disposta a pagar sua matrícula. Disse Gibson em uma entrevista de 2007 para a ARTnews: “Meu chefe sentiu que eu indo lá, sendo um artista forte, o tornava mais forte.” O trabalho que Gibson tem feito desde que obteve seu MFA em 1998 e voltou para os Estados Unidos é informado por essa vasta e diversa gama de experiências culturais que preencheram sua infância, especialmente um senso de suas muitas comunidades, e uma atração pelo legado dos powwows e raves: espaços que ganham vida quando habitados por pessoas e arte.

Jeffrey Gibson - Here it Comes, 2014, Mixed Media, Photo Credit Scott McCrossen/ FIVE65 Design

Combatendo Generalizações

O trabalho de Gibson incorpora muitos meios e formas, mas transmite uma linguagem estética unificadora. Essa linguagem é dominada por cores vívidas e puras, formas geométricas de bordas nítidas e padrões ópticos. As imagens imediatamente trazem à mente tanto a abstração modernista quanto a estética nativa americana. O que é tão eficaz sobre essa combinação é que ela imediatamente abre o que ambas as posições estéticas podem potencialmente oferecer. A arte abstrata modernista utiliza formas e padrões de uma maneira autorreferencial, chamando triângulos de triângulos, e nada mais, e pedindo aos espectadores que apreciem as relações de cor por seu próprio mérito, sem buscar qualquer tipo de sentido codificado ou subjacente. Mas a tradição nativa americana é inerentemente codificada. Um triângulo nunca é apenas um triângulo. Ele simboliza algo: talvez algo pessoal, talvez algo cultural, talvez algo poético. Mas, independentemente disso, tem um significado para alguém. Devido às tradições duais das quais essas peças emergem, somos livres para interpretá-las abertamente, adicionando nossas próprias tradições, códigos e expectativas à mistura.

Um dos corpos de trabalho mais icônicos que Gibson criou até agora é uma série de sacos de pancada adornados com coloridas miçangas. Ele encontrou os sacos de pancada pela primeira vez quando seu terapeuta sugeriu que ele contratasse um personal trainer para ajudá-lo com a raiva que sentia como um jovem artista tentando encontrar sua voz e seu caminho no mundo da arte contemporânea. A forma do saco é, em si, simbólica. Implica resistência, isolamento e a transferência de energia. Os sacos de pancada se movem e balançam. Eles cedem à pressão, mas também sempre retornam à sua posição original. Eles são macios e duros ao mesmo tempo. Gibson cria imagens neles usando meios como miçangas e têxteis em movimento, que falam sobre a compreensão preconcebida que as pessoas contemporâneas têm da arte nativa americana. Às vezes, ele também coloca texto nas composições, convidando uma contemplação mais profunda da imagem e da forma. Os sacos de pancada estão cobertos com a linguagem visual da história da arte, bem como a linguagem codificada da narrativa cultural e a linguagem material da generalização. Eles falam sobre a luta que todos nós vivenciamos enquanto tentamos descobrir o que vamos nos tornar.

Jeffrey Gibson - Stillwater, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Left) and Village, 2017, Acrylic and Graphite on Canvas, 31 × 27 in, 78.7 × 68.6 cm (Right), photo credits De Buck Gallery

Formas Habitantes

O que mais me influencia diretamente quando considero o trabalho de Jeffrey Gibson são seus trajes. Ele cria trajes fluidos, coloridos e elaborados e os coloca em estruturas de madeira. Eu imediatamente imagino vestindo um. Penso nas maneiras como o traje me transformaria se eu o usasse. Então, penso na maneira como eu o transformaria. Juntos, nos tornaríamos algo mais expressivo do que qualquer um de nós é sozinho. As formas, cores e padrões do traje ganhariam novo significado quando combinados com os movimentos do meu corpo. O objeto de arte e eu nos fundiríamos para nos tornarmos uma forma viva de comunicação.

Algo sobre a maneira como esses trajes ilustram a fusão da arte, do espaço e do corpo humano me deu uma nova percepção—não apenas sobre essas obras de arte, mas sobre todas as obras de arte. O espaço da exposição é um portador de imagens e objetos, assim como esses trajes. Eu entro nele, assim como coloco um traje em meu corpo. À medida que habito a exposição e me movo dentro dela, as imagens e objetos em suas superfícies ganham vida com meu movimento. Talvez pareça piegas, mas não sinto mais que sou apenas um cara indo a exposições de arte para olhar arte. Agora percebo que todo espaço que exibe arte é como um desses trajes que Jeffrey Gibson faz. Ele está nos aguardando, aguardando nosso fôlego e nossos corpos para que possamos preenchê-lo, animá-lo, dar-lhe vida e conferir um significado maior um ao outro do que qualquer um de nós poderia ter tido sozinho.

Jeffrey Gibson - Outra Língua, 2016 18 × 11 1/2 × 13 in, 45.7 × 29.2 × 33 cm (Esquerda) e Eu Deveria Saber Melhor, 2016, 18 1/2 × 15 × 14 in, 47 × 38.1 × 35.6 cm (Direita), créditos da foto Roberts & Tilton, Culver City

Imagem em destaque: Jeffrey Gibson - Infinite Sampling, 2010, Lápis, aquarela, tinta acrílica, fita, linha, impressões de pigmento arquivadas, 58 5/8 × 96 3/8 × 2 3/4 pol, 148,9 × 244,8 × 7 cm

Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.

Por Phillip Park