Em uma Jornada com Antoni Tàpies

Quando Antoni Tàpies faleceu em 2012, deixou um enorme vazio na cultura espanhola. Ele foi facilmente o artista visual espanhol mais influente de sua geração e, em muitos aspectos, é difícil imaginar a vanguarda espanhola do pós-Segunda Guerra Mundial sem ele. De fato, é seguro dizer que, sem Tàpies, a arte do século XX teria sido bastante diferente em todo o mundo. Em um momento crítico da história de sua nação, Tàpies abandonou seu destino burguês confortável e dedicou-se a forjar uma vida incerta como artista. Ele foi um dos seis fundadores do Dau al Set, um coletivo de arte vanguardista tremendamente influente que esteve ativo entre 1948 e 1956. Após deixar o grupo em 1952, Tàpies criou uma linguagem visual que unia os elementos mais radicais do Surrealismo e do Dadaísmo, com os fundamentos da abstração formal e as tendências globais emergentes do informalismo. A partir das raízes do misticismo e da metafísica, ele formou uma filosofia estética universal baseada na valorização dos materiais naturais e na conexão com a Terra e seus elementos. Seu trabalho culminou no que ficou conhecido como suas “Pinturas de Matéria” — obras formadas por, compostas de e celebrando os materiais cotidianos encontrados que o cercavam. Deixando para trás uma grande coleção de ensaios e palestras, ele acabou sendo conhecido tanto por sua visão filosófica sobre a arte quanto por sua obra em si. Ele resumiu sua visão fundamental sobre arte e vida na afirmação: “A perfeição não pode vir apenas de ideias nobres, mas deve andar junto com uma relação com a terra.”

O Sétimo Lado

Quando a Guerra Civil Espanhola terminou em 1939, o país passou firmemente para as mãos de um regime fascista e nacionalista. Liderado pelo General Francisco Franco, o regime pregava que todos os elementos da cultura espanhola deveriam ser direcionados para espalhar e sustentar o poder político do governo. Entre outras agendas, Franco defendia que toda arte fosse feita no estilo do realismo fascista. Ele também proibiu o uso da língua catalã. Isso foi agonizante para a geração de jovens artistas que cresceram idolatrando gigantes da vanguarda espanhola como Pablo Picasso, Joan Miró e Salvador Dalí. O medo se espalhou rapidamente entre os jovens artistas de que a cultura espanhola moderna estava condenada. Mas pelo menos seis revolucionários culturais tinham outros planos. O poeta catalão Joan Brossa organizou-se com Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, o filósofo Arnau Puig e um editor independente chamado Joan-Josep Tharrats em 1948 para iniciar um grupo com a intenção de subverter a agenda nacionalista. Eles esperavam plantar as sementes para uma nova cultura vanguardista contra o fascismo. Em homenagem aos seus heróis, os Surrealistas e Dadaístas, nomearam-se Dau al Set — um termo para o lado inexistente sete de um dado de seis lados.

Antoni Tàpies - Chaises (Cadeiras), 1981. Carborundum. Composição: 92 x 139 cm; Folha: 93 x 139 cm. Editora: Galerie Lelong, Paris. Impressor: Joan Barbarà, Barcelona. Edição 30. Coleção MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova York / ADAGP, Paris.

Como as palavras eram catalãs, o nome Dau al Set foi automaticamente controverso, e suas conotações quase místicas sinalizavam uma aceitação da noção de que a lógica elitista só levou o mundo à guerra. Dau al Set espalhou suas ideias e sua linguagem visual única por meio de uma revista com o mesmo nome, publicada na prensa pessoal de Tharrats. Seus artigos também eram escritos na proibida língua catalã, e as imagens mostravam uma mistura de misticismo, fantasia e pura abstração — tudo em oposição direta ao regime fascista de Franco. Dos três artistas do grupo, Tàpies foi o mais abstrato. Autodidata, suas imagens foram inspiradas pela filosofia, e seus métodos baseavam-se na pura alegria dos meios e materiais. Ele experimentava misturando aditivos incomuns em suas tintas a óleo e logo começou a adicionar materiais e objetos encontrados junto às tintas. Em 1952, estava tão imerso na busca de seu próprio caminho artístico que deixou o Dau al Set. A partir desse momento, Tàpies dedicou-se completamente à abstração informal e à exploração de técnicas mistas como uma posição estética por si só.

Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 aguadas (incluindo capa) com carborundum, colagrafia e/ou aguada, e 1 gravura e carborundum; e suíte suplementar. Página irregular 52 x 41 cm. Impressões: várias dimensões. Editora: Maeght Éditeur, Paris. Impressor: Atelier Morsang, Paris. Edição 195+. Fundo Mrs. Gilbert W. Chapman e doação da Galerie Maeght. Coleção MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova York / ADAGP, Paris.

A Matéria da Pintura

Além de ser um artista autodidata, Tàpies foi também um teórico da arte autodidata. É em seus escritos, de fato, que encontramos muitos insights sobre a substância de sua arte. Duas de suas citações mais reveladoras são: “Se eu não posso mudar o mundo, pelo menos quero mudar a forma como as pessoas o veem;” e, “A profundidade não está localizada em algum lugar remoto e inacessível. Está enraizada na vida cotidiana.” Vemos ambas as afirmações em obras como “Grande Pintura” (1958), uma colagem de papelão da cor da terra. A superfície da obra parece queimada, machucada e manchada. É feita dos materiais mais simples, com as técnicas mais cruas, pela mão de um artista sem educação estética formal. Ainda assim, dentro da composição encontramos equilíbrio perfeito, harmonia cromática e uma multiplicidade de texturas e tons. Passaríamos direto por esses materiais na rua, mas aqui nossos olhos podem se perder em um mapa do tesouro exótico de profundidade infinita e rabiscos místicos.

Antoni Tàpies - Saint Gall, 1962. Litografia. Doação de Paul F. Walter. Coleção MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova York / ADAGP, Paris.

Tàpies estendeu seu pensamento também ao campo da escultura. Uma de suas peças mais famosas, “Mesa com Palha” (1970), é tão direta quanto seu título indica — é um conjunto formado por uma mesa de madeira real coberta com palha. A combinação dos materiais parece sem sentido a princípio, e ainda assim a perfeita beleza de sua justaposição confere à peça uma aura de inevitabilidade, tornando-a perfeitamente racional, não como móvel, mas como arte. Enquanto isso, “Cama Aberta” (1986) adota a abordagem oposta. Uma cama em tamanho real, de barro refratário, colorida com tinta esmalte, o significado da forma está em oposição direta aos materiais. Mas não demora para o espectador perceber que o absurdo de dormir em barro desaparece se pensarmos na terra como nossa cama. Como em toda a obra criada por Tàpies, a profundidade está ali, na banalidade do pensamento cotidiano; tudo depende do olhar.

Imagem em destaque: Antoni Tàpies - Grande Pintura, 1958. Óleo com areia sobre tela. 199,3 x 261,6 cm. Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Artists Rights Society (ARS), Nova York/VEGAP, Madri.
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio