Em uma Jornada com Antoni Tàpies
Quando Antoni Tàpies morreu em 2012, ele deixou um enorme vazio na cultura espanhola. Ele foi facilmente o artista visual espanhol mais influente de sua geração, e em muitos aspectos é difícil imaginar a vanguarda espanhola do pós-Segunda Guerra Mundial sem ele. Na verdade, é até seguro dizer que sem Tàpies, a arte do século XX teria sido bastante diferente em todo o mundo. Em um momento crítico da história de sua nação, Tàpies abandonou seu confortável destino burguês e se dedicou a forjar uma vida incerta como artista. Ele foi um dos seis fundadores do Dau al Set, um coletivo de arte vanguardista tremendamente influente que esteve ativo entre 1948 e 1956. Após deixar o grupo em 1952, Tàpies passou a criar uma linguagem visual que unia os elementos mais radicais do Surrealismo e do Dada, com os fundamentos da abstração formal e as tendências globais emergentes no informalismo. A partir das raízes do misticismo e da metafísica, ele formou uma filosofia estética universal baseada na apreciação por materiais naturais e uma conexão com a Terra e seus elementos. Seu trabalho culminou no que passou a ser conhecido como suas “Pinturas de Matéria”—obras de arte formadas, consistindo e celebrando os materiais cotidianos que o cercavam. Deixando para trás uma grande coleção de ensaios e palestras, ele acabou sendo conhecido tanto por sua perspectiva filosófica sobre a arte quanto por seu trabalho em si. Ele resumiu sua visão fundamental sobre arte e vida na afirmação: “A perfeição não pode vir simplesmente de ideias nobres, mas deve estar acompanhada de uma relação com a terra.”
O Sétimo Lado
Quando a Guerra Civil Espanhola terminou em 1939, o país foi transferido firmemente para as mãos de um regime fascista e nacionalista. Liderado pelo General Francisco Franco, o regime pregava que todos os elementos da cultura espanhola deveriam ser direcionados para espalhar e sustentar o poder político do governo. Entre outras agendas, Franco defendia que toda a arte deveria ser feita no estilo do realismo fascista. Ele também proibiu o uso da língua catalã. Isso foi agonizante para a geração de jovens artistas que cresceram idolatrando gigantes da vanguarda espanhola como Pablo Picasso, Joan Miró e Salvador Dalí. O medo rapidamente se espalhou entre os jovens artistas de que a cultura espanhola moderna estava condenada. Mas pelo menos seis revolucionários culturais tinham outros planos. O poeta catalão Joan Brossa se organizou com Tàpies, Joan Ponç, Modest Cuixart, o filósofo Arnau Puig e um editor independente chamado Joan-Josep Tharrats em 1948 para iniciar um grupo que tinha a intenção de subverter a agenda nacionalista. Eles esperavam plantar as sementes para uma nova cultura de vanguarda contra-fascista. Em homenagem a seus heróis, os surrealistas e dadaístas, eles se nomearam Dau al Set—um termo para o lado inexistente de sete de um dado de seis lados.
Antoni Tàpies - Chaises (Cadeiras), 1981. Carborundum. Composição: 36 1/4 x 54 3/4" (92 x 139 cm); Folha: 36 5/8 x 54 3/4" (93 x 139 cm). Editora: Galerie Lelong, Paris. Impressora: Joan Barbarà, Barcelona. Edição 30. Coleção MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque / ADAGP, Paris.
Como as palavras eram catalãs, o nome Dau al Set foi automaticamente controverso, e suas conotações quase místicas sinalizavam uma aceitação da noção de que a lógica elitista sempre levou o mundo à guerra. Dau al Set espalhou suas ideias e sua linguagem visual única por meio de uma revista com o mesmo nome, publicada na impressora pessoal de Tharrats. Seus artigos também eram escritos na língua catalã proibida, e as imagens mostravam uma mistura de misticismo, fantasia e pura abstração—tudo em oposição direta ao regime fascista de Franco. Dos três artistas do grupo, Tàpies era o mais abstrato. Ele era autodidata, suas imagens eram inspiradas pela filosofia, e seus métodos eram fundamentados na pura alegria de meios e materiais. Ele experimentou misturando aditivos incomuns com suas tintas a óleo, e logo começou a adicionar materiais e objetos encontrados às suas tintas. Em 1952, ele estava tão imerso em uma busca para descobrir seu próprio caminho artístico que deixou o Dau al Set. A partir desse ponto, Tàpies se dedicou completamente à abstração informal e à exploração de mídias mistas como uma posição estética por si só.
Antoni Tàpies - Petrificada Petrificante, 1978. 7 aquatintas (incluindo a capa) com carborundo, colagrafia e/ou aquatinta, e 1 gravura e carborundo; e suíte suplementar. Irreg. página 20 1/2 x 16 1/8" (52 x 41 cm). Impressões: várias dimensões. Editora: Maeght Éditeur, Paris. Impressora: Atelier Morsang, Paris. Edição 195+. Fundo Mrs. Gilbert W. Chapman e presente da Galerie Maeght. Coleção MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.
A Questão da Pintura
Além de ser um artista autodidata, Tàpies também foi um teórico da arte autodidata. É em seus escritos, de fato, que encontramos muitos insights sobre a substância de sua arte. Duas de suas citações mais reveladoras são: “Se eu não posso mudar o mundo, pelo menos quero mudar a maneira como as pessoas o veem;” e, “A profundidade não está localizada em algum lugar remoto e inacessível. Ela está enraizada na vida cotidiana.” Vemos ambas as afirmações em ação em obras como “Grande Pintura” (1958), uma colagem de papelão da cor da terra. A superfície da obra parece queimada, machucada e manchada. É feita dos materiais mais simples, com as técnicas mais cruas, pela mão de um artista sem educação estética formal. No entanto, dentro da composição encontramos equilíbrio perfeito, harmonia cromática e uma multiplicidade de texturas e matizes. Passaríamos direto por esses materiais na rua, mas aqui nossos olhos podem se perder em um mapa do tesouro exótico de profundidade infinita e rabiscos místicos.
Antoni Tàpies- Saint Gall, 1962. Litografia. Doação de Paul F. Walter. Coleção MoMA. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nova York / ADAGP, Paris.
Tàpies estendeu seu pensamento para o reino da escultura também. Uma de suas peças mais famosas, "Escrivaninha com Palha" (1970), é tão direta quanto seu título indica—é uma montagem de uma escrivaninha de madeira real coberta com palha. A combinação de materiais parece sem sentido à primeira vista, e ainda assim a perfeita beleza de sua justaposição confere à peça uma aura do inevitável, tornando-a perfeitamente racional, não como mobiliário, mas como arte. Enquanto isso, "Cama Aberta" (1986) adota a abordagem oposta. Uma cama de tamanho real, feita de argila refratária e colorida com tinta esmalte, o significado da forma está em direta oposição aos materiais. Mas não demora muito para que um espectador perceba que a absurdidade de dormir sobre argila derrete se pensarmos na terra como nossa cama. Como em todo o trabalho que Tàpies criou, a profundidade está bem ali, na mundanidade do pensamento cotidiano; tudo depende de como você olha para isso.
Imagem em destaque: Antoni Tàpies - Grande Pintura, 1958. Óleo com areia sobre tela. 78 1/2 x 103 polegadas (199,3 x 261,6 cm). Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York. © 2018 Fundació Antoni Tàpies/Direitos dos Artistas (ARS), Nova York/VEGAP, Madrid.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Barcio
