A Música das Cores de Sam Gilliam em Basel

Em conjunto com o início da Art Basel 2018, o Kunstmuseum Basel abriu recentemente o que está sendo chamado de primeira exposição individual europeia da obra do artista americano de arte abstrata Sam Gilliam. Intitulada A Música da Cor: Sam Gilliam, 1967 – 1973, a exposição apresenta um total de 45 obras selecionadas de coleções privadas e institucionais dos Estados Unidos e da Europa. Na opinião de muitos artistas que atuam hoje, Gilliam é um dos pintores americanos mais importantes, não apenas porque seu trabalho é belo, mas por sua contribuição à teoria da arte contemporânea. Suas inovações quebraram preconceitos em um momento crucial e desafiaram diretamente algumas das vozes mais influentes de sua geração. Tão importantes foram suas ideias que pode parecer difícil acreditar que Gilliam nunca tenha tido uma exposição individual na Europa antes. No entanto, se você realmente examinar sua carreira, talvez isso não seja tão surpreendente assim. Gilliam sempre fez as coisas do seu jeito. Embora seu trabalho tenha ajudado a estabelecer o mercado de arte multifacetado que conhecemos hoje, ele nunca atuou conforme as expectativas desse mercado. Em uma palavra, Gilliam é um rebelde. Apesar de ter representado os Estados Unidos na Bienal de Veneza duas vezes — em 1972 e 2017 — ele só recentemente assinou com uma galeria, pela primeira vez em sua carreira. No passado, mesmo quando estava em evidência, ele vendia suas obras principalmente por conta própria, diretamente de seu ateliê. Ainda assim, seus compradores incluíam dezenas dos museus mais prestigiados do mundo, incluindo o Tate Modern, o Museu Guggenheim em Nova York, o Metropolitan Museum of Art, o MoMA e a National Gallery of Art em Washington, DC, todos com obras suas em seus acervos. Sua disposição de nunca fazer o que se espera pode muito bem ter sido o que impediu Gilliam de ser o tema de uma exposição monográfica europeia até agora. Mas é também o que levou às suas maiores conquistas. Sua confiança singular em sua própria visão faz de Gilliam o representante perfeito da independência no mundo da arte, e é o que o tornou uma lenda viva no mundo da arte abstrata contemporânea.

Na Borda Chanfrada

Nascido em 1933, Gilliam iniciou sua carreira profissional em um momento em que as tendências caminhavam para o Minimalismo, a Abstração Geométrica e a Abstração Pós-Pictórica. Como muitos outros pintores de sua geração, ele começou pintando exatamente esse tipo de obra. Suas obras abstratas geométricas de bordas duras do início dos anos 1960 lembram trabalhos de artistas como Frank Stella, Max Bill ou Carmen Herrera. O ano em que tudo mudou para Gilliam foi 1967. Foi quando ele adotou um método completamente diferente de despejar tinta acrílica diretamente sobre uma tela sem preparação e depois dobrar a tela enquanto a tinta ainda estava molhada. Ele então deixava a tela secar para que as linhas amassadas ficassem para sempre incorporadas ao material. Só então ele esticava a tela sobre os cavaletes.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acrílico sobre tela, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, Cortesia do artista, do Metropolitan Museum of Art, Nova York, e da David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zurique

As linhas resultantes desse método servem como vestígios da mão do artista e adicionam estrutura e tridimensionalidade ao objeto artístico. Essa inovação por si só foi revolucionária. Mas Gilliam não parou por aí. Ele depois chanfrava as bordas dos cavaletes, o que trouxe nova atenção às laterais da pintura, dando-lhes a mesma importância da superfície. As bordas chanfradas faziam as pinturas parecerem como se estivessem emergindo da parede, em vez de simplesmente penduradas nela. Isso conferia às pinturas uma presença quase escultórica. Ele chamou essas obras de “Pinturas Fatiadas”. A palavra fatia tinha múltiplos significados. Os cavaletes eram cortados, criando o efeito chanfrado. Além disso, as dobras na tela atuavam como fatias na imagem, criando combinações de cores imprevisíveis e variações estruturais inesperadas na obra, lembrando leitos de rios esculpidos na superfície da Terra.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acrílico sobre tela, vigas de carvalho. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, Cortesia do artista, Kunstmuseum Basel e David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zurique

Nunca Igual Duas Vezes

A próxima inovação pela qual Gilliam é conhecido ocorreu em 1968, quando criou sua primeira “Pintura Drapeada”. Esse conjunto de obras habita um espaço teórico entre pintura, escultura e instalação, pois elimina os cavaletes, ampliando assim a definição do que uma pintura pode ser. Gilliam pintava suas “Pinturas Drapeadas” usando o mesmo método empregado nas “Pinturas Fatiadas”, despejando tinta acrílica diretamente sobre a tela sem preparação. Mas, quando a pintura estava pronta, em vez de amassá-la e depois esticá-la, ele simplesmente drapeava a tela diretamente na parede, como uma cortina ou uma peça de roupa. Suas “Pinturas Drapeadas” levaram a ideia de uma tela moldada a um novo nível, permitindo que a obra adotasse uma configuração completamente nova a cada vez que é apresentada. Gilliam observou com satisfação que suas “Pinturas Drapeadas” nunca são exibidas da mesma forma duas vezes.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Acrílico sobre tela, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Cortesia do artista e do Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zurique

Desde suas grandes conquistas no final dos anos 1960, Gilliam continuou a experimentar e evoluir como artista. Ele ampliou sua gama de superfícies, pintando em papel e madeira. Também explorou os limites do colagem, encontrando cada vez mais maneiras de misturar materiais, meios e técnicas. Apesar das aparentes diferenças em todos os seus diversos conjuntos de obras, há um aspecto de tudo o que Gilliam fez que define sua contribuição única para a arte contemporânea, que tem a ver com como ele nos ajudou a entender que pintura e escultura realmente são a mesma coisa. As pessoas costumam dizer que um artista borrrou as fronteiras entre pintura e escultura, talvez porque suas pinturas tenham dimensão, ou porque penduram no teto ou ficam no chão. Gilliam fez muito mais do que isso. Ele realmente trata suas superfícies da mesma forma que um escultor trata metal, mármore ou argila. Ele prova que a superfície de uma pintura possui a capacidade de transmitir emoção, contar uma história ou comunicar um assunto formal. Ele define a superfície como mais do que um suporte — ele a torna um meio em si mesma. A Música da Cor: Sam Gilliam, 1967 – 1973 está em exibição até 30 de setembro no Kunstmuseum Basel.

Imagem em destaque: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acrílico sobre tela, 304,8 x 2269 cm. Coleção Corcoran, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zurique

Por Phillip Barcio