A Música das Cores de Sam Gilliam em Basel
Em conjunto com o início da Art Basel 2018, o Kunstmuseum Basel recentemente abriu o que está sendo chamado de primeira exposição individual europeia do trabalho do artista abstrato americano Sam Gilliam. Intitulada A Música da Cor: Sam Gilliam, 1967 – 1973, a exposição apresenta um total de 45 obras selecionadas de coleções privadas e institucionais dos Estados Unidos e da Europa. Na opinião de muitos artistas que trabalham hoje, Gilliam é um dos pintores americanos mais importantes, não apenas porque seu trabalho é belo, mas também pela contribuição que fez à teoria da arte contemporânea. Suas inovações destruíram pré-concepções em um momento crucial e desafiaram diretamente algumas das vozes mais altas de sua geração. Tão importantes eram suas ideias que pode parecer difícil de acreditar que Gilliam nunca teve uma exposição individual na Europa. No entanto, se você realmente examinar sua carreira, pode não ser uma surpresa assim tão grande. Gilliam sempre fez as coisas do seu próprio jeito. Embora seu trabalho tenha ajudado a estabelecer o mercado de arte multifacetado que conhecemos hoje, ele nunca se apresentou às expectativas desse mercado. Em uma palavra, Gilliam é um rebelde. Apesar de ter representado os Estados Unidos na Bienal de Veneza duas vezes—em 1972 e 2017—ele só recentemente assinou com uma galeria, pela primeira vez em sua carreira. No passado, mesmo quando estava em evidência, ele vendia principalmente seu trabalho pessoalmente, de seu estúdio. No entanto, seus compradores incluíam dezenas dos museus mais prestigiados do mundo, incluindo o Tate Modern, o Museu Guggenheim em Nova York, o Museu Metropolitano de Arte, o MoMA e a Galeria Nacional de Arte em Washington, DC, todos os quais possuem suas obras. Sua disposição de nunca fazer o que é esperado pode muito bem ter impedido Gilliam de ser o tema de uma exposição monográfica europeia até agora. Mas também é isso que levou a suas maiores inovações. Sua singular confiança em sua própria visão faz de Gilliam o representante perfeito da independência no mundo da arte, e é o que o tornou uma lenda viva no mundo da arte abstrata contemporânea.
Na Borda Chanfrada
Nascido em 1933, Gilliam iniciou sua carreira profissional em um momento em que as tendências estavam se direcionando para o Minimalismo, Abstração Geométrica e Abstração Pós-Pintor. Como muitos outros pintores de sua geração, ele começou pintando exatamente esse tipo de trabalho. Suas obras de abstração geométrica de borda dura do início dos anos 1960 são reminiscências das obras de artistas como Frank Stella, Max Bill ou Carmen Herrera. O ano em que tudo mudou para Gilliam foi 1967. Foi quando ele adotou um método completamente diferente de derramar tinta acrílica diretamente sobre a tela não tratada e, em seguida, dobrar a tela enquanto a tinta ainda estava molhada. Ele então deixava a tela secar para que as linhas amassadas fossem incorporadas para sempre ao material. Somente então ele esticava a tela sobre as barras de estiramento.
Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acrílico sobre tela, 282,6 x 293,4 x 5,1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, Cortesia do artista, do Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque, e da David Kordansky Gallery, Los Angeles. ©2018, ProLitteris, Zurique.
As linhas resultantes deste método servem como remanescentes da mão do artista e adicionam estrutura e dimensionalidade ao objeto de arte. Essa inovação por si só foi revolucionária. No entanto, Gilliam não parou por aí. Ele então chanfrou as bordas de suas barras de estiramento, o que trouxe nova atenção para os lados da pintura, dando-lhes igual importância em relação à superfície. As bordas chanfradas faziam com que as pinturas parecessem estar emergindo para fora da parede, em vez de simplesmente penduradas nela. Isso conferiu às pinturas uma presença quase escultural. Ele chamou essas obras de "Slice Paintings". A palavra slice tinha múltiplos significados. As barras de estiramento foram cortadas, criando o efeito chanfrado. Além disso, as dobras na tela atuavam como cortes na imagem, criando combinações de cores imprevisíveis e variações estruturais inesperadas na obra, reminiscentes de leitos de rios esculpidos na superfície da Terra.
Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acrílico sobre tela, viga de carvalho. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, Cortesia do artista, Kunstmuseum Basel e David Kordansky Gallery, Los Angeles ©2018, ProLitteris, Zurique
Nunca o Mesmo Duas Vezes
A próxima inovação pela qual Gilliam é conhecido ocorreu em 1968, quando ele criou sua primeira "Pintura de Drapeado". Este corpo de trabalho habita um espaço teórico em algum lugar entre pintura, escultura e instalação, porque elimina as barras de estiramento, expandindo assim a definição do que uma pintura pode ser. Gilliam pintou suas "Pinturas de Drapeado" usando o mesmo método que empregou com suas "Pinturas de Fatiamento", despejando tinta acrílica diretamente sobre a tela não tratada. Mas quando a pintura estava finalizada, em vez de amassá-la e depois esticá-la, ele simplesmente drapeou a tela diretamente na parede, como uma cortina ou um item de vestuário. Suas "Pinturas de Drapeado" levaram a ideia de uma tela moldada a um novo nível, permitindo que a obra adotasse uma configuração completamente nova toda vez que é apresentada. Gilliam observou com alegria que suas "Pinturas de Drapeado" nunca são exibidas da mesma maneira duas vezes.
Sam Gilliam - Luz Rubi, 1972, Acrílico sobre tela, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Cortesia do artista e do Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zurique
Desde suas grandes inovações no final da década de 1960, Gilliam continuou a experimentar e evoluir como artista. Ele expandiu sua gama de superfícies, pintando em papel e madeira. Ele também examinou os limites da colagem, encontrando cada vez mais maneiras de misturar materiais, meios e técnicas. Apesar das aparentes diferenças em todos os seus diversos corpos de trabalho, no entanto, há um aspecto de tudo que Gilliam fez que define sua contribuição única para a arte contemporânea, que tem a ver com como ele nos ajudou a entender que pintura e escultura realmente são a mesma coisa. As pessoas costumam dizer que um artista borrifou as fronteiras entre pintura e escultura, talvez porque suas pinturas tenham dimensão, ou porque elas pendem do teto ou ficam no chão. Gilliam realizou muito mais do que isso. Ele realmente trata suas superfícies da mesma forma que um escultor poderia tratar metal, mármore ou argila. Ele prova que a superfície de uma pintura possui a capacidade de transmitir emoção, contar uma história ou comunicar um assunto formal. Ele define a superfície como mais do que um suporte—ele a torna um meio em si mesma. A Música da Cor: Sam Gilliam, 1967 – 1973 está em exibição até 30 de setembro no Kunstmuseum Basel.
Imagem em destaque: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acrílico sobre tela, 304,8 x 2269 cm. Coleção Corcoran, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zurique
Por Phillip Park
