O Legado Eterno de Jack Whitten

Jack Whitten—celebrado pintor abstrato, filósofo social e líder cultural—morreu aos 78 anos. Em uma carreira de exposições que durou mais de 50 anos, Whitten criou um legado artístico baseado no mesmo princípio pelo qual viveu—que ao mudar nossa percepção, podemos criar uma cultura mais pacífica. No estúdio, ele era conceitualmente rigoroso, esteticamente dinâmico e um incansável experimentador. A maioria dos artistas tem a sorte de desenvolver uma única posição visual única ao longo da carreira. Whitten desenvolveu várias. Sua abordagem era tão inovadora e tão experimental que frequentemente o fazia ser mal compreendido, até mesmo por seus apoiadores. Essa realidade fez com que Whitten fosse pouco valorizado pelo mercado durante a maior parte de sua vida e pouco reconhecido na conversa histórica da arte. Mas a mentalidade dos comerciantes e compradores de arte finalmente começou a alcançar Whitten na última década e meia, período durante o qual seu trabalho apareceu em mais de 40 exposições. As pessoas estão começando a apreciar que, apesar da variedade de estilos diferentes que Whitten empregou, há muitos aspectos unificadores em sua obra. Por exemplo, a ideia de camadas é importante para tudo que Whitten produziu. Também é o conceito de percepção. A luz também é importante. E o padrão também. Esses quatro elementos se relacionam com o que Whitten descreveu de forma vaga como sua “visão de mundo.” Como ele explicou, “Visão de mundo é uma declaração cósmica de ser.” Sua visão de mundo era que a luz é o que nos ajuda a perceber; e a percepção é o que nos ajuda a reconhecer padrões; os padrões são o que nos levam a formular nossas crenças; e nossas crenças determinam como estruturamos a sociedade. Whitten insistia que a arte pode ser um agente poderoso de mudança, porque ela aborda nossa percepção e, assim, pode nos ajudar a criar um mundo mais ético e empático.

A Arte é Nossa Única Esperança

Whitten abraçou pela primeira vez o potencial transformador da arte em seus primeiros 20 anos. Ele a via como um método para lidar com o que até então tinha sido, para ele, uma experiência horrível do mundo. Ele descreveu seu crescimento no sul dos Estados Unidos em termos claros—racismo e violência incessantes direcionados a ele e a todas as outras pessoas de cor. Ele deixou seu estado natal, Alabama, em 1960, aos 21 anos, e nunca mais voltou. Mudou-se para a cidade de Nova York e matriculou-se na Cooper Union. Quatorze anos depois, suas obras eram celebradas em uma exposição individual no Whitney Museum of American Art. Muitas das obras dessa exposição pertenciam ao que é considerado sua primeira posição visual icônica—suas chamadas pinturas “laje”. Para fazer essas obras, Whitten colocava suas telas no chão e espalhava tinta sobre elas com uma espátula. Assim que uma camada de tinta secava, ele aplicava outra, e assim por diante. Ele construía as camadas até que a superfície ficasse densa e dimensional. Cada cor subjacente aparece no final.

Jack Whitten - Sem título, 1968, Pastel sobre papel, 28,9 × 50,2 cm, créditos da foto Allan Stone Projects, Nova York

Para Whitten, essas pinturas eram uma tentativa filosófica de romper para um alternativo além de seu passado violento. Eram uma tentativa não tanto de descobrir o que é universal, mas sim de descobrir o que existe além do eu. Ele acreditava que a cultura estava cheia de estereótipos, e que esse processo de trabalho, de deixar todas as diferentes cores e camadas aparecerem na composição final abstrata, era uma forma de destruir as expectativas nas quais esses estereótipos se baseiam. Suas pinturas “laje” são convites para se perguntar o que está acontecendo; para questionar como algo é criado; para analisar suposições pré-existentes; e para pensar em algo além do que é conhecido. Ele as via como uma tentativa direta de confundir o pensamento rígido. Como ele disse uma vez, “A arte tem o poder de derrubar barreiras erguidas por pensadores fundamentalistas simplórios que tentam manter o poder. Se os fundamentalistas têm medo do Vermelho, Amarelo e Azul, então Vermelho, Preto e Verde, ou Rosa e Lavanda devem lhes causar pesadelos!”

Jack Whitten - exposição individual na Hauser & Wirth, Nova York, 26 de jan a 8 de abr de 2017, vista da instalação, créditos da foto Hauser & Wirth, Nova York

Sem Destino, Apenas Estrutura

Assim que Whitten ficou conhecido por suas pinturas “laje”, ele abandonou essa técnica e começou a trabalhar em um estilo de colagem, usando pedaços secos de tinta acrílica como azulejos. Usando os azulejos, ele fez o que parecem mosaicos. Ele percebeu que, ao não colocar esses pedaços de tinta planos, eles refletiam a luz de forma diferente, adicionando dimensão e vida às obras. Isso se tornou sua próxima posição visual icônica. Ele continuou a desenvolvê-la ao longo dos anos, finalmente chegando a uma técnica de fazer moldes para seus azulejos de tinta, em vez de depender de pedaços de tinta. Ele chamou esses azulejos moldados de tinta de “prontos agora” e os usou para construir composições arquitetônicas que se assemelham a paredes de tijolos. Ele usou essa técnica para fazer suas pinturas “memoriais”, como 9-11-01, que homenageavam os ataques ao World Trade Center, que ele testemunhou de seu apartamento em Tribeca. Mas mesmo essa técnica, que se mostrou a mais popular entre colecionadores e instituições, não foi seu destino estético final. Ele continuou a experimentar e evoluir pelo resto da vida.

Jack Whitten - exposição individual na Hauser & Wirth, Nova York, 26 de jan a 8 de abr de 2017, vista da instalação, créditos da foto Hauser & Wirth, Nova York

Existem vários clichês para abordar a questão metafísica do que é mais importante na vida: a jornada ou o destino. Whitten tinha um ditado favorito, que aprendeu com seu antigo negociante Allan Stone. Era: “Não existe destino.” Para Whitten, a vida existia em um contínuo—uma estrada para lugar nenhum. Tudo o que importava para ele eram os processos—processos de ver; de pensar; de experimentar; de criar. Ao longo de sua carreira, ele permaneceu fiel à noção de que sempre havia algo novo esperando na curva. Como um músico de jazz tocando em uma certa tonalidade, ele se dava estruturas subjacentes—pontos de partida intelectuais baseados em filosofias centrais. E a partir daí, ele improvisava. Os padrões, camadas e luz que ele deixou para admirarmos nos oferecem caminhos para novos sistemas de percepção. Eles nos mostram um caminho adiante para algo mais profundo e mais importante do que o eu.

Jack Whitten - Monólito Negro, II: Homenagem a Ralph Ellison O Homem Invisível, 1994, Acrílico, melaço, cobre, sal, carvão, cinza, chocolate, cebola, ervas, ferrugem, casca de ovo, lâmina de barbear sobre tela, 147,3 × 132,1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), Nova York

Imagem em destaque: Jack Whitten - Cinco Décadas de Pintura, Galerias Target e Friedman, 13 de setembro de 2015 - 24 de janeiro de 2016, Organizado pelo Museu de Arte Contemporânea de San Diego

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos

Por Phillip Barcio