O Legado Eterno de Jack Whitten

Jack Whitten—celebrado pintor abstrato, filósofo social e líder cultural—morreu aos 78 anos. Em uma carreira de exposições que se estendeu por mais de 50 anos, Whitten criou um legado artístico baseado no mesmo princípio pelo qual viveu—que ao mudar nossa percepção, podemos criar uma cultura mais pacífica. No estúdio, ele era conceitualmente rigoroso, esteticamente dinâmico e um incansável experimentador. A maioria dos artistas tem a sorte de desenvolver uma única posição visual única ao longo de sua carreira. Whitten desenvolveu várias. Sua abordagem era tão inovadora e tão experimental, que muitas vezes causava mal-entendidos, até mesmo entre seus apoiadores. Essa realidade fez com que Whitten fosse subestimado pelo mercado durante a maior parte de sua vida e sub-reconhecido na conversa histórica da arte. Mas a mentalidade dos negociantes de arte e compradores finalmente começou a acompanhar Whitten na última década e meia, período durante o qual seu trabalho apareceu em mais de 40 exposições. As pessoas estão começando a apreciar que, apesar da variedade de estilos diferentes que Whitten empregou, há muitos aspectos unificadores em sua obra. Por exemplo, a ideia de camadas é importante para tudo o que Whitten produziu. Assim também é o conceito de percepção. A luz também é importante. E o padrão. Esses quatro elementos se relacionam com o que Whitten descreveu vagamente como sua “visão de mundo.” Como ele explicou, “Visão de mundo é uma declaração cósmica de ser.” Sua visão de mundo era que a luz é o que nos ajuda a perceber; e a percepção é o que nos ajuda a reconhecer padrões; padrões são o que nos levam a formular nossas crenças; e nossas crenças determinam como estruturamos a sociedade. Whitten insistiu que a arte pode ser um poderoso agente de mudança, porque aborda nossa percepção e pode, assim, nos ajudar a criar um mundo mais ético e empático.

A Arte é Nossa Única Esperança

Whitten abraçou pela primeira vez o potencial transformador da arte em seus 20 anos. Ele a viu como um método de lidar com o que até aquele momento havia sido, para ele, uma experiência horrível do mundo. Ele descreveu crescer no sul americano em termos claros—racismo e violência sem parar direcionados a ele e a todas as outras pessoas de cor. Ele deixou seu estado natal, Alabama, em 1960, aos 21 anos, e nunca mais voltou. Mudou-se para Nova York e se matriculou na Cooper Union. Quatorze anos depois, suas obras estavam sendo celebradas em uma exposição solo no Whitney Museum of American Art. Muitas das obras dessa exposição pertenciam ao que é considerado sua primeira posição visual icônica—suas chamadas pinturas "slab". Para fazer essas obras, Whitten colocava suas telas no chão e empurrava a tinta sobre elas com um rodo. Assim que uma camada de tinta secava, ele aplicava outra, e assim por diante. Ele construía as camadas até que a superfície estivesse densa e dimensional. Cada cor de fundo aparece no final.

Jack Whitten - Untitled, 1968, Pastel on paper, 11 3/8 × 19 3/4 in, 28.9 × 50.2 cm, photo credits Allan Stone Projects, New York

Para Whitten, essas pinturas eram uma tentativa filosófica de romper com seu passado violento. Elas eram uma tentativa não tanto de descobrir o que é universal, mas sim de descobrir o que existe além do eu. Ele acreditava que a cultura estava cheia de estereótipos, e que esse processo de trabalho, de deixar todas as diferentes cores e camadas aparecerem na composição final e abstrata, era uma forma de destruir as expectativas nas quais esses estereótipos se baseiam. Suas pinturas "slab" são convites para se perguntar o que está acontecendo; para questionar como algo é criado; para analisar suposições pré-existentes; e para pensar em algo além do que é conhecido. Ele as via como uma tentativa direta de confundir o pensamento rígido. Como ele disse uma vez, “A arte tem o poder de derrubar barreiras erguidas por pensadores fundamentalistas simplistas que tentam manter o poder. Se os fundamentalistas têm medo do Vermelho, Amarelo e Azul, então Vermelho, Preto e Verde, ou Rosa e Lavanda devem dar a eles pesadelos!"

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

Sem Destino, Apenas Estrutura

Assim que Whitten se tornou conhecido por suas pinturas "slab", ele abandonou essa técnica e começou a trabalhar em um estilo de colagem, usando pedaços secos de tinta acrílica como azulejos. Usando os azulejos, ele fez o que parecem ser mosaicos. Ele percebeu que, ao não colocar esses pedaços de tinta de forma plana, eles refletiam a luz de maneira diferente, adicionando dimensão e vida às obras. Isso se tornou sua próxima posição visual icônica. Ele continuou a desenvolvê-la ao longo dos anos, finalmente chegando a uma técnica de fazer moldes para seus azulejos de tinta, em vez de depender de pedaços de tinta. Ele chamou esses azulejos de tinta moldados de "ready nows" e os usou para construir composições arquitetônicas que se assemelham a paredes de tijolos. Ele usou essa técnica para fazer suas pinturas "memoriais", como 9-11-01, que memorializou os ataques ao World Trade Center, que ele testemunhou de seu apartamento em Tribeca. Mas mesmo essa técnica, que se mostrou a mais popular entre colecionadores e instituições, não foi seu destino estético final. Ele continuou a experimentar e evoluir pelo resto de sua vida.

Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York

Existem vários clichês para abordar a questão metafísica de qual é mais importante na vida: a jornada ou o destino. Whitten tinha um ditado favorito, que ele pegou de seu antigo dealer Allan Stone. Ele dizia: “Não há destino.” Para Whitten, a vida existia em um continuum—uma estrada para lugar nenhum. Tudo que importava para ele eram processos—processos de ver; de pensar; de experimentar; de criar. Ao longo de sua carreira, ele permaneceu fiel à noção de que sempre havia algo novo esperando na curva. Como um músico de jazz tocando em uma certa tonalidade, ele se deu estruturas subjacentes—pontos de partida intelectuais baseados em filosofias centrais. E a partir daí, ele improvisou. Os padrões, camadas e luz que ele deixou para nós admirarmos nos oferecem caminhos em direção a novos sistemas de percepção. Eles nos mostram um caminho a seguir em direção a algo mais profundo e mais importante do que o eu.

Jack Whitten - Black Monolith, II: Homage To Ralph Ellison The Invisible Man, 1994, Acrylic, molasses, copper, salt, coal, ash, chocolate, onion, herbs, rust, eggshell, razor blade on canvas, 58 × 52 in, 147.3 × 132.1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York

Imagem em destaque: Jack Whitten - Cinco Décadas de Pintura, Target e Friedman Galleries, 13 de setembro de 2015 - 24 de janeiro de 2016, Organizado pelo Museu de Arte Contemporânea, San Diego

Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.

Por Phillip Park