O Legado da Pioneira da Arte Abstrata, Gillian Ayres

A pintora e gravadora abstrata britânica Gillian Ayres faleceu aos 88 anos. Sua morte deixa um vazio no mundo da arte, e também nos mundos da educação e da modelagem de papéis. Ayres foi facilmente uma das professoras de arte mais carismáticas e confiantes da Grã-Bretanha, em grande parte devido à sua total aceitação da não conformidade. Ela ensinou na Bath Academy of Art de 1959 a 1965, deu aulas na Saint Martin’s School of Art, Londres, de 1966 a 1978, e então, em 1978, tornou-se a chefe do Departamento de Pintura da Winchester School of Art. Esse último trabalho era mais um cargo gerencial do que um de ensino. Ela deixou o cargo após lutar constantemente com os administradores da escola sobre como, e de fato se, deveria gerenciar o departamento. Ayres acreditava que a educação artística seria melhor servida sem algum escritório no comando. Embora esse tenha sido seu último cargo acadêmico oficial, Ayres continuou a ensinar pelo seu exemplo. Ela foi um modelo para a importância de ter princípios e defendê-los vigorosamente. Seus princípios incluíam imensa generosidade para com seus alunos e amigos (que ela frequentemente hospedava em sua casa), um amor por champanhe e cigarros (dos quais se entregou até o fim), e um completo ódio pelos membros da chamada Euston Road School, um coletivo de artistas realistas tradicionais que se opunham à arte de vanguarda e abstrata. Sua devoção à abstração ajudou a inspirar inúmeros outros artistas abstratos britânicos e ajudou a reverter o preconceito institucional contra a abstração em escolas, galerias e museus. O legado que ela esperava deixar para trás pode ser resumido em uma declaração que fez em uma entrevista ao Financial Times em 2015. Ela disse: “As pessoas gostam de entender, e eu gostaria que não gostassem. Eu gostaria que apenas olhassem.”

Formas e Espaços

Ayres terminou a escola de arte em 1950 e assumiu um emprego como assistente de galeria. Ela manteve a posição por seis anos em meio período enquanto também pintava. Ela disse que, nesses primeiros dias de sua carreira, foi influenciada principalmente por Jackson Pollock e os Expressionistas Abstratos. No entanto, o que mais a inspirou neles não foram suas tendências metafísicas, ou seja, suas tentativas de se conectar com um poço primal de emoção profunda e oculta. Em vez disso, ela se inspirou em seus métodos de trabalho, que lhe pareciam livres e experimentais. Ela adotou a técnica de trabalhar no chão e usar movimentos soltos e líricos enquanto pintava. Muitas de suas obras dessa época poderiam ser descritas como pinturas de ação. Elas frequentemente incluem tinta respingada e gotejada, marcas de pincel gestuais e grandes campos de cor aplicados energeticamente.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Gravura em madeira em papel japonês Unryu-shi de 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 pol, 85,4 × 163,5 cm, foto cortesia da Alan Cristea Gallery, Londres

Simultaneamente à sua exploração da pintura de ação em estilo "all-over", Ayres também demonstrou interesse na exploração direta de formas e espaços. Muitas de suas pinturas dos anos 1950 e 60 contêm composições soltas de círculos, quadrados e outras formas geométricas ou quase geométricas. As formas frequentemente parecem pairar umas sobre as outras em um vazio. Essas pinturas são puramente abstratas, mas não no sentido de que Ayres as "abstratou" do mundo natural. Em vez disso, ela simplesmente buscou criar composições que não têm conteúdo narrativo ou figurativo algum, porque acreditava no potencial de imagens abstratas de formas interagindo no espaço para serem "intoxicantes". Em outras palavras, ela sentia que tais imagens poderiam ser embriagantes. Ela acreditava que essa qualidade era vital para que as pessoas pudessem simplesmente desfrutar de olhar para sua arte sem sentir pressão para pensar logicamente sobre isso, ou mesmo para engajar seu intelecto de forma alguma.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Gravura em madeira em papel japonês Unryushi de 75gsm, 36 1/5 × 40 9/10 pol, 92 × 104 cm, foto cortesia da Alan Cristea Gallery, Londres

Cor Indulgente

Além de seu amor por formas e espaços, Ayres era uma entusiasta da cor. Ela uma vez disse: “Para mim, a cor na arte é maravilhosamente indulgente.” Ela queria que as pessoas absorvessem suas pinturas. Ela as considerava banquetes para os olhos. Ela disse: “Não vejo por que você não deveria se encher, se fazer feliz—se divertir, se deliciar com a beleza.” Por mais que isso soe como um ponto de vista inofensivo hoje, houve um tempo em que isso fez com que Ayres fosse profundamente desconfiada pelo público britânico. Essa desconfiança culminou em 1957, quando, após ser incluída na exposição Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres foi contratada para pintar um mural no refeitório de uma escola em Londres. Quase assim que ela terminou o mural, os administradores da escola ordenaram que ele fosse coberto com papel de parede. Somente décadas depois, após Ayres se tornar famosa, o mural foi redescoberto em quase perfeito estado sob o papel de parede.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Madeira em papel Unryushi 75gsm, 18 4/5 × 22 4/5 pol, 47,8 × 57,9 cm, foto cortesia da Alan Cristea Gallery, Londres

A afeição que Ayres tinha pela cor como tema é evidente ao longo de sua carreira. À medida que suas composições se tornaram menos líricas, menos gestuais e mais estruturadas e arquitetônicas com o tempo, seu amor pela cor apenas se fortaleceu. Na década de 1980, ela havia desenvolvido uma visão estética um tanto caprichosa e celebratória baseada em cores vibrantes e claras e formas biomórficas. Essas obras alteradas parecem ser inspiradas pela natureza. Algumas pessoas suspeitam que isso se deve ao fato de que, durante esse período de sua vida, Ayres se mudou com sua família para uma comunidade rural costeira no País de Gales. Ela disse que as condições lá, especialmente a paisagem, tiveram uma grande influência sobre ela. No entanto, ela sempre insistiu que seu trabalho não era abstraído da natureza, nem reduzido a imagens do campo. De certa forma, as últimas pinturas que Ayres fez são reminiscências das recortes de Matisse. Ambos os artistas adotaram uma paleta de cores semelhante no final de suas carreiras e ambos desenvolveram um senso semelhante de relações espaciais. Exceto que, enquanto Matisse esperava orgulhosamente evocar as formas e figuras do mundo natural em seu trabalho tardio, Ayres permaneceu dedicada até o fim a que suas obras não eram baseadas em nada. Elas são apenas imagens de cores e formas no espaço sem significado além de si mesmas, oferecendo puro prazer aos espectadores corajosos o suficiente para se entregarem à sua beleza.

Imagem em destaque: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Gravura em madeira sobre papel japonês Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 pol, 78 × 116 cm, Edição de 18, foto cortesia da Alan Cristea Gallery, Londres

Por Phillip Park