O Legado da Pioneira da Arte Abstrata, Gillian Ayres

A pintora e gravadora britânica de arte abstrata Gillian Ayres faleceu aos 88 anos. Sua morte deixa um vazio no mundo da arte, assim como nos campos da educação e do exemplo a ser seguido. Ayres foi facilmente uma das professoras de arte mais carismáticas e confiantes da Grã-Bretanha, em grande parte devido à sua total aceitação da não conformidade. Ela lecionou na Academia de Arte de Bath de 1959 a 1965, foi palestrante na Escola de Arte Saint Martin, em Londres, de 1966 a 1978, e então, em 1978, tornou-se chefe do Departamento de Pintura na Escola de Arte de Winchester. Esse último cargo era mais administrativo do que de ensino. Ela o deixou após constantes conflitos com os administradores da escola sobre como, e de fato se, administrar o departamento. Ayres acreditava que a educação artística seria melhor servida sem que algum escritório estivesse no comando dela. Embora essa tenha sido sua última posição acadêmica oficial, Ayres continuou ensinando pelo seu exemplo. Ela foi um modelo da importância de ter princípios e defendê-los vigorosamente. Seus princípios incluíam imensa generosidade para com seus alunos e amigos (que ela frequentemente hospedava em sua casa), amor por champanhe e cigarros (que ela desfrutou até o fim) e completo ódio pelos membros da chamada Escola da Estrada Euston, um coletivo de artistas realistas tradicionais que se opunham à arte de vanguarda e abstrata. Sua devoção à abstração ajudou a inspirar inúmeros outros artistas abstratos britânicos e ajudou a reverter o preconceito institucional contra a abstração em escolas, galerias e museus. O legado que ela esperava deixar pode ser resumido em uma declaração que fez em uma entrevista ao Financial Times em 2015. Ela disse: “As pessoas gostam de entender, e eu gostaria que não gostassem. Eu gostaria que apenas olhassem.”

Formas e Espaços

Ayres terminou a escola de arte em 1950 e conseguiu um emprego como assistente de galeria. Manteve a posição por seis anos em meio período enquanto também pintava. Ela disse que, nesses primeiros dias de sua carreira, foi largamente influenciada por Jackson Pollock e os Expressionistas Abstratos. No entanto, o que mais a inspirava neles não eram suas tendências metafísicas, ou seja, suas tentativas de se conectar com um poço primal de emoção profunda e oculta. Em vez disso, ela se inspirava em seus métodos de trabalho, que lhe pareciam livres e experimentais. Ela adotou a técnica de trabalhar no chão e usar movimentos soltos e líricos enquanto pintava. Muitas de suas obras desse período podem ser descritas como pinturas de ação. Frequentemente incluem tinta respingada e pingada, marcas gestuais de pincel e grandes campos de cor aplicados com energia.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Xilogravura em papel japonês Unryu-shi 75gsm, 33 3/5 × 64 2/5 pol, 85,4 × 163,5 cm, foto cortesia Alan Cristea Gallery, Londres

Simultaneamente à sua exploração do estilo “all-over” de pintura de ação, Ayres também demonstrou interesse na exploração direta de formas e espaços. Muitas de suas pinturas das décadas de 1950 e 60 contêm composições soltas de círculos, quadrados e outras formas geométricas ou quase geométricas. As formas frequentemente parecem pairar umas ao redor das outras em um vazio. Essas pinturas são puramente abstratas, mas não no sentido de que Ayres as “abstraía” do mundo natural. Em vez disso, ela simplesmente buscava criar composições que não tivessem conteúdo narrativo ou figurativo algum, porque acreditava no potencial das imagens abstratas de formas interagindo no espaço para serem “intoxicantes”. Em outras palavras, ela sentia que tais imagens poderiam ser embriagantes. Ela acreditava que essa qualidade era vital para que as pessoas pudessem simplesmente desfrutar de sua arte sem sentir pressão para pensar logicamente sobre ela, ou mesmo para usar o intelecto.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Xilogravura em papel japonês Unryushi 75gsm, 36 1/5 × 40 9/10 pol, 92 × 104 cm, foto cortesia Alan Cristea Gallery, Londres

Cor Generosa

Além de seu amor por formas e espaços, Ayres era uma entusiasta amante da cor. Ela disse uma vez: “Para mim, a cor na arte é maravilhosamente indulgente.” Ela queria que as pessoas absorvessem suas pinturas. Considerava-as banquetes para os olhos. Ela disse: “Não vejo por que você não deveria se encher, se fazer feliz — se divertir, banqueteando-se com a beleza.” Por mais que isso soe como um ponto de vista inofensivo hoje, houve um tempo em que isso fez com que Ayres fosse profundamente desconfiada pelo público britânico. Essa desconfiança culminou em 1957, quando, após ser incluída na exposição Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today, Ayres foi contratada para pintar um mural no refeitório de uma escola em Londres. Quase assim que terminou o mural, os administradores da escola ordenaram que ele fosse coberto com papel de parede. Apenas décadas depois, depois que Ayres já era famosa, o mural foi redescoberto em quase perfeitas condições sob o papel de parede.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Xilogravura em papel Unryushi 75gsm, 18 4/5 × 22 4/5 pol, 47,8 × 57,9 cm, foto cortesia Alan Cristea Gallery, Londres

O afeto que Ayres tinha pela cor como tema é evidente ao longo de sua carreira. À medida que suas composições se tornaram menos líricas, menos gestuais e mais estruturadas e arquitetônicas com o tempo, seu amor pela cor só cresceu. Na década de 1980, ela desenvolveu uma visão estética um tanto caprichosa e celebratória baseada em cores vibrantes e claras e formas biomórficas. Essas obras posteriores parecem inspiradas pela natureza. Algumas pessoas suspeitam que isso se deve ao fato de que, nessa época da vida, Ayres mudou-se com sua família para uma comunidade rural costeira no País de Gales. Ela disse que as condições lá, especialmente a paisagem, foram uma grande influência para ela. No entanto, ela sempre insistiu que seu trabalho não era abstraído da natureza, nem reduzido a imagens do campo. De certa forma, as últimas pinturas feitas por Ayres lembram os recortes de Matisse. Ambos os artistas adotaram uma paleta de cores semelhante no final de suas carreiras, e ambos desenvolveram um senso parecido de relações espaciais. Exceto que, enquanto Matisse esperava orgulhosamente evocar as formas e figuras do mundo natural em sua obra tardia, Ayres permaneceu dedicada até o fim a que suas obras não se baseassem em nada. São apenas imagens de cores e formas no espaço sem significado além de si mesmas, oferecendo puro prazer aos espectadores corajosos o suficiente para se entregarem à sua beleza.

Imagem em destaque: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Xilogravura em papel japonês Unryu-shi, 30 7/10 × 45 7/10 pol, 78 × 116 cm, Edição de 18, foto cortesia Alan Cristea Gallery, Londres

Por Phillip Barcio