Esses artistas continuam a redefinir a arte impressa em 3D

Ouvi uma piada certa vez em uma inauguração de arte com arte impressa em 3D. Era mais ou menos assim: “Como você sabe que está olhando para uma peça de arte impressa em 3D?” Resposta: “Porque todo mundo te conta.” Isso me fez rir, primeiro porque é verdade, as pessoas tendem a ficar tão empolgadas com esse meio que não conseguem resistir a falar sobre ele. E em segundo lugar, ri porque em quase todos os casos de arte impressa em 3D que vi, o fato de ter sido feita usando uma impressora 3D me parecia irrelevante. Nada nessas obras parecia exigir a tecnologia. Tudo poderia ter sido feito por outros meios. O que levanta a questão: sobre o que todo mundo está falando? Impressoras 3D são apenas ferramentas, não diferentes em sua natureza, por exemplo, de projetores. Nunca tive alguém se aproximar de mim em uma galeria, apontar para um desenho e dizer: “Isso foi feito usando um projetor.” Mas, por outro lado, nunca tive alguém se aproximar e dizer: “Isso foi feito inteiramente por assistentes enquanto o artista estava de férias.” O ponto é que não importa. Uma vez que a ideia para uma obra de arte é formada e passos são dados para realizá-la, não faz diferença se o trabalho real é feito por esta máquina ou aquela máquina, ou por este par de mãos ou aquele par de mãos. O fato de uma impressora 3D ter sido usada para fazer arte não valida a obra de forma alguma — é apenas um aspecto da experiência, e geralmente o menos importante. Esta, pelo menos, é a minha opinião. Então, quando me pediram para escrever sobre artistas que estão redefinindo a arte impressa em 3D, adotei a perspectiva de que deveria destacar artistas que têm ideias interessantes e estão fazendo trabalhos sobre os quais eu gostaria de falar, independentemente de como o trabalho está sendo feito. Com essa ressalva feita, aqui estão sete artistas que usam a tecnologia de impressão 3D para criar suas obras e que, pela força de suas ideias, estão redefinindo o lugar dessa nova ferramenta na estética contemporânea.

Rirkrit Tiravanija

Se você já ouviu o termo Estética Relacional, ou Arte Relacional, provavelmente já ouviu falar do artista tailandês Rirkrit Tiravanija. Seu trabalho foi essencial para a popularização desse tipo de experiência artística nos anos 1990. Sua exposição de arte relacional mais famosa foi chamada pad thai. Para a exposição, realizada na Paula Allen Gallery em Nova York em 1990, em vez de criar e mostrar obras, o artista cozinhou pad thai no espaço e serviu aos visitantes da galeria. A exposição ajudou a definir a estética relacional como uma exploração da ideia de que os artistas não são tanto criadores, mas facilitadores de experiências. As relações humanas que emergem dessas experiências são o que mais importa.

Mais recentemente, Tiravanija tem recebido atenção por sua instalação imersiva na Art Basel Hong Kong 2017, que questionava o papel da arte e da história da arte na experiência humana. A peça era essencialmente um labirinto gigante construído com bambu tradicionalmente amarrado. Os visitantes entravam no labirinto e, enquanto encontravam seu caminho, gradualmente se deparavam com cinco árvores bonsai impressas em 3D, cada uma colocada sobre um pedestal de madeira inspirado nas bases escultóricas criadas pelo artista Constantin BrâncuÈ™i. O fato de as árvores bonsai serem impressas em 3D não é o mais importante. O que importa é que elas são artificiais. O ponto de uma árvore bonsai é que ela é algo natural interferido pelas mãos humanas de tal forma que a interferência humana é imperceptível. Neste caso, a artificialidade das árvores combinada com as noções evocativas inspiradas pelo labirinto, tudo misturado com as referências à história da arte, funciona para oferecer aos espectadores uma experiência abstrata e aberta que exige interação social para compreender seus potenciais níveis de significado.

Rirkrit Tiravanija - Sem título 2017 (sem água sem fogo), 2017. Árvore bonsai impressa em 3D sobre base de madeira. © Rirkrit Tiravanija, Cortesia da galeria Neugerriemschneider, Berlim

Wieki Somers

A palavra vanitas vem do latim e significa vazio. Foi usada na Holanda nos séculos XVI e XVII como nome para um tipo de pintura de natureza morta. Pinturas vanitas são basicamente naturezas mortas mostrando coleções de objetos banais e materiais, geralmente junto com crânios humanos, ilustrando a futilidade da busca por coisas terrenas. A artista e designer holandesa Wieki Somers usou a linguagem visual comum às pinturas vanitas em uma série de obras impressas em 3D que criou em 2010, em resposta a um concurso de design que pedia aos designers que “pensassem sobre a noção de progresso.” Intitulada Consumir ou Conservar, a série que ela criou apresentava três tableaux escultóricos de natureza morta. Cada tableau consistia em produtos banais do cotidiano, como uma balança, um aspirador de pó e uma torradeira, inteiramente impressos em 3D a partir das cinzas de restos humanos.

Em sua explicação da obra, Somers destacou que a tecnologia humana avançou a ponto de logo podermos enfrentar a perspectiva da vida eterna. “Mas,” ela perguntou, “para que serve uma vida eterna se a usamos apenas para continuar sendo meros consumidores que buscam mais e mais produtos, independentemente das consequências? Continuando por esse caminho de inovação sem crítica, um dia podemos nos encontrar transformados nos próprios produtos que montamos.” Ela seguiu esse conceito até sua conclusão lógica, criando literalmente produtos a partir dos restos de vidas humanas outrora preciosas.

Wieki Somers - Consumir ou Conservar, 2010. Restos humanos impressos em 3D. © Wieki Somers

Stephanie Lempert

A artista baseada em Nova York Stephanie Lempert cria trabalhos sobre comunicação. Ela espera chamar nossa atenção para a linguagem e as formas como a usamos para comunicar nossas histórias, nossas memórias e criar significado em nossas vidas. Artista multidimensional, Lempert usa uma variedade de meios. Um de seus trabalhos mais concisos é uma série chamada Relicários Reconstruídos, para a qual criou relíquias escultóricas literalmente construídas a partir da linguagem. Esses objetos falam por si mesmos em múltiplos níveis. Lempert os criou usando software de impressão 3D. Ela prefere, no entanto, usar a terminologia padrão da indústria, mas menos chamativa, escultura de protótipo rápido.

Stephanie Lempert - Relicários Reconstruídos, Em Busca do Tempo Perdido, 2011. Escultura de protótipo rápido. © Stephanie Lempert

Theo Jansen

O artista holandês Theo Jansen ficou conhecido nos anos 1990 quando começou a criar seus Strandbeests, criaturas cinéticas gigantes que parecem andar sozinhas. São, como ele as chama, “animais de praia autopropelidos.” Você pode ter visto imagens deles rastejando poeticamente pelas praias do mundo. Parte designer, parte engenheiro e parte artista, Jansen disse uma vez: “As barreiras entre arte e engenharia existem apenas em nossas mentes.” Normalmente, suas grandes criações são feitas de tubos de PVC. Mas recentemente, ele começou a tornar suas criações acessíveis a quase qualquer pessoa, oferecendo miniaturas impressas em 3D dos Strandbeests à venda por apenas €160,00. O mais maravilhoso é que qualquer pessoa que consiga os planos pode mandar imprimir uma. Como diz seu site, “Os Strandbeests de Theo Jansen encontraram uma forma de se multiplicar injetando seu DNA digital diretamente nos sistemas de impressão 3D.”

Theo Jansen - Miniatura de Strandbeest impressa em 3D. © Theo Jansen

Nick Ervinck

O trabalho do artista belga Nick Ervinck grita com cores vivas e formas emocionantes, incorporando a noção de que, de alguma forma, um objeto que ocupa espaço também pode criar espaço. Suas esculturas vêm em todos os tamanhos, desde miniaturas até obras públicas monumentais. Ao projetar suas próprias ferramentas e técnicas de impressão 3D, ele está ultrapassando os limites dessa ferramenta, utilizando-a não apenas como um fim em si, mas como um método idiossincrático para realizar suas criações visionárias pessoais.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Poliuretano e poliéster. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Hope

O artista de Brooklyn Shane Hope usa estruturas celulares impressas em 3D como um dos elementos de suas pinturas abstratas. De longe, parecem obras pictóricas carregadas de pinceladas espessas, mas ao olhar de perto revelam-se pilhas de nanoestruturas montadas. O fato de esse elemento ter sido impresso em 3D não é óbvio nem necessário para a apreciação das obras, mas a consideração das implicações da tecnologia adiciona camadas ao seu potencial significado.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. Modelos moleculares PLA impressos em 3D sobre substrato acrílico. © Shane Hope, cortesia da Winkleman Gallery, Nova York

Monika Horcicova

O trabalho da artista tcheca Monika Horcicova é assombroso e belo. Ela retorna aos temas dos ossos humanos e estruturas esqueléticas, criando composições que desafiam nossas ideias sobre nosso próprio propósito e potencial. Embora não trabalhe exclusivamente com o meio, ela frequentemente usa a tecnologia de impressão 3D para criar suas esculturas compostas de gesso.

Monika Horcicova - K2, 2011. Composto de gesso impresso em 3D. © Monika Horcicova

Imagem em destaque: Rirkrit Tiravanija - Sem título 2013 (sombra indicial nº 1), 2013-2017. Base de aço inoxidável (3 painéis), plástico impresso em 3D (Árvore Bonsai), cubo de aço inoxidável (plinto). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 pol, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija e Galeria Pilar Corrias, Londres
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio